In contemporary architectural discourse, the concept of space is ubiquitous, yet its historical genesis and theoretical underpinnings in Gottfried Semper's seminal theoretical work remain under explored. This study investigates the reception and integration of Semper's architectural theory into modern discourse, tracing its trajectory from August Schmarsow, to Nikolaus Pevsner, to Sigfried Giedion. While Semper's "cladding theory" had initially been understood in terms of both its relation to physical properties and structural and functional values, leading to an expansion of cladding as a new genre of art, i.e. arts and crafts, Semper's "architectural theory" instead explained cladding theory in terms of space. In disseminating Semper's theoretical work, Schmarsow was especially important as he himself played an increasingly prominent role in expanding the boundaries of modernist architectural theory and practice from the beginning of the 20th century on.
The theory of tectonic appeared in the midst of 19th century as German architects adopted new materials and structural technology, invented by creative engineers, into architectural design. This does not merely mean a technical problem but concern the redefinition of architecture in term of an aesthetic, cultural, and ontological identity. Furthermore it alluded to a desire on the part of architectural theorists to actualize artistic and spiritual goals out of new constructional necessities. Because of their complex discourse that assumed the possibility of communication between philosophical and technical aspects, between ideal and real concerns, tectonics becomes until now the most important issue in architecture. The concept of tectonic was intensively investigated by Gottfried Semper's and Karl B$\ddot{o}$tticher architectural writings. They contributed to clarify the principle aspects of tectonic within architectural, philosophical, and anthropological discourses of 19th century. Gottfried Semper stressed an understanding of how architecture took on physical form in earliest human culture. He placed great importance on the artistic expression of materials. But unlike Semper who argued the cladding of the structural frame by decorative wall system, Karl Botticher required maximum visibility of structural frame. This represents the different positions between Gottfried Semper and Karl Botticher
This paper attempted to analyze the Sainte-Chapelle(1242-48) in Paris in terms of Gottfried Semper's theory of four elements. For this aim, this study was divided into two parts: the first part regarding Semper's theory, which included not only the theories of four elements and four technical arts but also the concepts of the two types of primitive dwellings; the second part regarding the Sainte-Chapelle, composed of the overall study and the characteristics of the building and finally the analysis of it in terms of Semper's theory. The Sainte-Chapelle was regarded as a real example of Semper's four elements, in that the building was composed of a sacred altar containing Christ's earthly relics, stereotomic bases made of stone, a tectonic structure featuring linearity, and textile stained glass as an elaborate enclosure. While the bases and the structure were employed as serving elements, the altar and the stained glass played critical roles to make a whole space immaterial and monumental. These two elements served to reveal not only biblical typology but also the religious and political vision of Saint Louis to establish Paris is as a new Holy Land.
This paper is to analysis covering and exposing elements through surface in the spirit of the time through the meaning of relationship between structure and symbol(ornament) in the theory of dressing of Gottfrid Semper. In other words, The purpose is to illuminate how complementary tectonic between structure and symbolic of an architecture surface is expressed in accordance with the biased required conditions relating with the paradigm of the era. The advancement of the new method of tectonic and the new aesthetic taste have a deep relation with the reconsidering the dichotomy classification discussing a dominant position between structure and symbol(ornament). Expression of surface representing the era comes across the combined interpretation of technology, structure, and the non-physical culture's art of the community and the era.
The purpose of this study is to analyse Herzog & de Meuron's surface, which represents contemporary architectural trends toward surface. Semper's Bekleidung theory and the important architectural theories about surface were compared according to the conceptual opposition between representation and re-presentation, which is borrowed from Kastern Harris, and again Martin Heidegger. Representation means a sort of translation into a different medium. It doesn't preserve the material identity of what it represent. Re-presentation, however, celebrates the material employed. The tension between representation and re-presentation have activated the architectural history Contemporary architects have emphasized re-presentation at the expense of representation. This trends relate with digital technology, which demands surface or skin independent from depth or interior. Buildings that deserve to be called works of architecture invite us to attend to material in a different way Re-presenting its materials, the work of architecture reveals its being. Such revelation requires that materials work in a way that invites us to step back from our usual involvement with things. It's the poetics of re-presentation, which is emboded in the Herzog & de Meuron's architectural works.
In the Western Civilization you can clearly see the change in the architectural system. In the 19th Century many of arcitectural style resurrected in the appearance of style revival. And each of the Style's appropriateness and exactness were very complicatedly discussed. After the middle of 19th Century a series of morality movement which showed an expectation for a historical revival started to show declining atmosphere. To architects at the periods more universal formation seeking and new surpassing style pursuing logic has exacted which care from very different from the past During this period a question were brought up about architecture ornamental rightness and appropriateness. As each of the architects had a saying about the ornament was recognized as important part of architect. On this bases this study's purpose is finding out whst is the maeaning and content of G.Semper's "Bekleidungstheorie"
The purpose of this study is to analyze the architectural space of modern and contemporary architecture which has been changed by the aesthetic cognition on space. The intention of considering architectural space aesthetically is to convert the viewpoint of seeing space as simple physical structure into different viewpoint of regarding 'space' as 'cultural place' However this does not means to apply aesthetic theory to architectural space. The aesthetic cognition on space is one of the main subjects of the expression of art from ancient to today however the appearance of space concept as architectural aesthetics accelerated by G. Semper theory after the latter half of 19th century. On the standpoint of perpetuity in architecture the aesthetics of scientific rationalism in modernism based on the reasonable thinking regards the variety of inherent characteristic in architectural space as 'Transferential Space'. On the other hand, in regarding to architectural trend, the nature in architectural space has been considered as 'Existential Space' starting from the conscious construction of environments to help human existence in the existentialism. The Conclusion logic of follows as belows; first, the concept of space structure in architecture has been exchanged from Enclosed Space to Topological Space. Second, the concept of architectural space has been changed and developed to the Deterministic, Profound, Dissipative, and Recognizable Space according to the change of expression in architecture.
Mies van der Rohe is still known as the architect whose influence is the largest among modem architects. As his work is typical of modern architecture, the architecture of Mies shows an interest in materials and techniques, even though It established the new architectural world by glass and iron, and only transparency is emphasized with glass. So it is blame for the loss of peculiarity a result of thinking In the way of sachlich with expression and structure of material and hierarchical relation. Vincent Scully has insist on that an appearance of modem architecture be occur not by simply a technical request of a technician but by reflection of the times and times' spirit. In this means, the works of Mies is the trial to express the new times' spirit that the new times order and an understanding of material properties about glass with new material of modern. For that, this study tries to consider that Mies'work is the new trial through reflection of material to express about the bstraction beyond the limit of sachlich expression, on the point of expresslonal characteristics of material shown in plan of the Barcelona Pavilion and skyscraper and on the basis of the theory of Gottfried Semper and Karl Boetticher that architectural surface Is a medium which can define space and also express mass.
In the 19th century, a series of study by Hittorff, Semper, Ruskin, and others on architectural polychromy in various perspectives appeared. This presumed that the architectural polychromy could become an essential part of architectural composition and contribute to create new architectural style, if not, at least new architectural and cultural context of the 19th century, the period when it is considered that the stylistic evolution in architecture is absent. In the course of the stylistic development of church architecture of the 19th century in France, the architectural polychromy, grounded in a theory of representation, played a critical role as one of the main sources to create new architectural vision. The church architecture during the Second Empire in France was particularly susceptible to be influenced by this inevitable phenomenon, which signified an epistemological mutation in architectural perception beyond optical and perspective effect in the history of architecture. Here the study attempts to recognize the aesthetic value of the architectural polychromy in the 19th century, and investigate its application, as not just an aspect of architectural embellishment but an indispensable portion of architectural vocabulary, on the church architecture in France throughout the 19th century, then to define its role in creating new architectural environment.
The mutual relationship between fashion and architecture and the similarities in their form and structure have been continuously debated over the decades, considering that both spheres are objects used in human life. Both spheres bring about the creation of three-dimensional space structures that are completed by the human body and material, based on a design targeted for people. The similarities between fashion and architecture in terms of form and structure have been debated by western architecture scholars focusing on the support that holds the garment's shape, the tailoring of a men's suit and also the material. The debate originates from the discussion of F. Th. Vischer, Kritische Gnge, and Gottfried Semper during the nineteenth century on the similarities between crinoline and the form of architecture and also the similarities between sewing and architecture. However, architects always regarded fashion as the inferior creative process that follows architecture in viewing the relationship between fashion and architecture. During the mid to end of the twentieth century, contrary to previous decades, the sense of fashion in architecture stood out, as an issue and a different approach was taken in discussing architecture that incorporates fashion. Accordingly, in the mid 1990's, architecture scholars such as Deborah Fausch and Mark Wigley began to conduct close observation of the mutual relationship between fashion and architecture from a more equal point of view. Notwithstanding, their point of view was still biased towards architectural standards. Commencing the Millennium, fashion has become the primary work of creation which leads style in all spheres, and under these circumstances this point of view has transferred from architecture to fashion when thinking about relationships between these spheres. The discussion on fashion and architecture form fashion's point of view is currently concentrated on the post 1990's phenomenon and illustrates the environment that is related to architecture. In general, the discussion is limited to determining a work of an individual designer as 'being architectural' when explaining the sculptural form of fashion. Therefore, this research aims to renew the discussion on twentieth century fashion design, which was neglected in any studies on observing architecture and fashion. The aim of this research is to classify the architectural paradigm of twentieth century fashion design and to observe the architectural forms of the respective eras. It is necessary to have a close observation of the architectural paradigm in twentieth century fashion design where support tools such as the crinoline was avoided and the form and functionality of the garment itself was emphasized. I will conduct this research by considering the architectural form shown in fashion as a practical three-dimensional creation that exists in space.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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