The postmodern culture since the later 20C breaks downa tradition a relation between the reality and languages or sign images expressing it. It develops in the way to review the meaning on the object's imitation or the representation to have been followed since Plato and represent the new state and concept of expressed things. Also, The visual art leads an change of paradigm by images giving up the visual resemblance or the function of representation and endowing them with the new sense. This essay has a purpose to study an important discussion about this change centered on Baudrillard and Lacan. A sociologist Baudrillard promotes the concept of 'simulation' through detecting the reality and the social and historical state of the image. Studying on the course of this change, he calls the step that the image escapes from the stage to reflect the reality and become the pure imitation by itself simulation. The image in the stage of simulation is called 'hyperreality' because it doesn't have any an indicator or a substitute and happens by models without the original or the reality. So he asserts that art is not to contain some absoluteness or transcendency as the past, but to be as the spectacle with characteristics of meaningless, emptiness, contingency. Lacan dismantles the concept of the absolute Cogito to have become the center of the western ideology, and creates the concept of 'Other'. He concludes also the reality exists but can't be captured, and it's impossible for the thinking subject can reach it. The concept of new image which can be thought as the Symbolic in Lacan is 'Signifier without Signified' since it isn't possible to be the transcendent Signifier fixing the meaning finally in it. His 'Gaze' theory is which to be emitted in other's area determines the subject. Equally Baudrillard and Lacan sets up the new state of the image through the end of representation system As for Baudrillard, art intends to the worthlessness and is nothing but imagination. But in Lacan a picture represents the subject being in process by the dialectic of desire.
Nature/Landscape is surrounding space in which we make living. It is considerably comprehensive tenn. but on the other hand, the site can be existence, experience, and certain circumstance with boundaries. Based on these places, through contemporary art criticism, this study is to contemplate how art since 1960s, especially, site-specific art in three-dimensional space intervene in the environment. Artists of today put more value on the process and act of art making founded on the external, and they tend to create the characteristic of site or to indicate linguistic documentation. Moreover, a large-scale tendency of contemporary sculpture and 'occupation of specific site' seems to accede spatial conception from architecture. The core that recognizes these artworks is with body, that is to say, the space in which Self becomes the subject by changing the structure of the work while moving around it. In particular, 'Site-specific Art (in situ)' sometimes determines the form inward or outward It also relates directly on viewer's five senses by looking, hearing, and feeling, touching, and interacting. For example, in Richard Serra's , the viewer who moves around the work has the role to manipulate the movement of the work by perception. Works of In situ and works that planned for specific site suggest 'occupation of site' as of the function of the work These sites are ideal and special as well as being independent. Ultimately, it seems that the creative process of contemporary artists is to carry those intended form on the structure of perception. Furthermore, law of nature such as entropy, and acceptance of contingency helped organic structure of artwork become more abundant. For Robert Smithson, entropy suggests of reaching to a state of equilibriumin which everything is the same. This means that any core is justifiable and any rank is possible. Because the world without a core is a labyrinth of boundless exploration.
이 글은 다크투어리즘의 일환인 재난관광이 지닌 포스트모더니즘적 특성에 주목하여, 진정성 문제를 통해 이를 분석하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해 지난 2011년 발생한 동일본대지진을 구체적 사례로 선정하여, 재난관광의 전개 과정을 분석하였다. 재난 직후, 관광의 영역은 해체되고 일시적으로 재해 공동체가 형성된다. 이후 사회공헌형 관광이 등장하는데, 이 속에서 게스트(관광객)와 호스트(현지주민)는 모두 삶과 죽음의 문제를 공유하게 되고, 실존적 진정성은 관광동기와 경험에서 핵심요소가 된다. 그러나 시간이 지나면서 실존적 진정성은 재해재건의 정치경제적 맥락 속에서 이데올로기적으로 재편되고, 구성적 진정성으로 대체됨으로써 반근대적 성찰에 기반한 대안관광이라는 재난관광의 가능성에 한계가 나타나게 된다. 재난관광의 상품화 이면에 존재하는 윤리적 이슈를 고찰하기 위해서는 재난관광을 진정성 및 포스트모더니즘의 대안관광 틀 속에서 고찰하는 실증연구가 지속되어야 할 것이다.
Black street style has made unique fashion in popular music such as Jazz, Soul, Rhythm Il Blues. Reggae, and Rap, and it is counterculture and subculture against white. Furthermore, the black street style has played a starring role in the development of white culture as well as black culture, which emerged in direct opposition to the dominant cultures practised by a fraction of fellow countrymen within the black diaspora. The objectives of this study are to examine the social chronology of the black street style and the contemporary fashion, and the influences of the black street style on white culture. The seeds of black's style were sown in the late forties, developing throughout the fifties with the arrival of black immigrants from the west Indies and its examples were zooties, hip cats 8l hipsters, modernists. Rude boy & two-tone was anti·fashion style in sixties and then rastafarians continued in seventies costume is used to convey an essential symbolic class and ethnic message. The latest black's street fashion is hip-hop dress, which is pluralistic and electric, and funk is also erratic. During its ten-year reign as an international style, it has undergone numerous shifts because it is decline of racism B-boy & flygirls toraggamuffins & bhangra style to acid Jazz. These have played a crucial part in influencing the gigh fashion and avant-grade fashion designers' work. Today's street fashion has characteristics of postmodern culture without a racism in global village. Moreover, pop music stars take an effect on the street style continuously. With the opening of a new century, the study of the street style will overcast popular fashion and suggest the direction of fashion design.
The space of the Other assumes the space of Barthes's multiplicity and Foucault's transdiscursive position, and, therefore, aims at becoming the locus in which the speaking subject and the hearing subjects are supposed to communicate and constitute as if they were situated in the pscychoanalytic session. However, the wall of untranslatibility across language and cultures still exist there in the space of the Other in the form of trauma and aggressivity, as Lacan demonstrate perceptively through the reading of Kant avec Sade. In short, Lacan regards the moral commandment (to love one's neighbor as oneself) as the obstacle in the Freud's myth of transgression, and interprets this in terms of the emergence of the Other. Freud understands that the aggressivity in the subject's own heart was inherent in all humans, and that one's neighbor would be evil. Lacan goes beyond Freud and articulates that the aggressivity in the imaginary relation with the Other in the mirror stage insures that an evil inheres in the very being of humanity. A global phenomenon of the diasporic identities and hybridity, the phenomenon which has been represented by the complicated intermixture of terms which span from diaspora, postcolonialism, postnationalism. and transnationalism can be clarified, if they are put in the context of the ethics of Othering or becoming the Other. The ethics of Othering presupposes the situation in which the diasporic subjects encounter the lack of the cross-cultural negotiation and communication. The purpose of this paper is to demonstrate how the poetics of Other and the logic of the ethics of Othering can explain the postmodern or transmodern world which has become deterritorialized, diasporic, and transnational as well as how one can encounter the results of diasporic and postcolonial double consciousness, a consciousness which is a discursive category for multicultural or cross-cultural, focusing on the concept of liminality/interstitiality
이 글은 근대에 의한 현대 체제 일반과 그를 극복하려는 탈근대 담론 안에서 왜 로컬 혹은 로컬리티가 필연적으로 인간 삶의 존재론적 '사이'의 문제로 제기될 수밖에 없는지를 철학적으로 조명하려는 시도를 담고 있다. 따라서 우리는 근대와 탈근대의 논의 과정에서 제기된 수많은 문제들 중 인간존재에 대한 근본적인 물음을 제기하면서 동시에 인간 삶의 질을 점검할 필요가 있다(2). 또한 이 과정에서 로컬 혹은 로컬리티는 인간 삶의 질과 어떤 연관성을 맺고 있는지도 자세히 들여다보아야 할 것이다. 왜냐하면 로컬 안에서만 비로소 인간은 다양한 질감의 흔적과 주름들이 뒤엉켜 시간과 장소를 의미화시켜 나가는 주체가 되기 때문이다. 여기서 주체들은 상호주관적 관계망을 통해 사회를 이루고 함께 살아간다는 것을 확인할 수 있다(3). 이럴 때 로컬 혹은 로컬리티는 참된 인간적 사회적 삶이 가능한 장소, 즉 존재론적 '사이'로서 로컬리티 인문학의 가능성으로 드러나게 될 것이다(4).
The purpose of this study, I investigate the new trend, 'new-tro', through the music video costumes of young generations, and analyze the meaning and characteristics of 'new-tro'. The research method is, select 30 music video with new-tro fashion style on the music sites, and the fashion styles were analyzed in 11 music videos checked and selected by 100 students. As a definition of the term, 'retro' refers to a phenomenon in which the past reappears in modern time, and 'new-tro' is a new retro trend, a social phenomenon that enjoys the old with a modern sense, and is a compound word of 'new' and 'retro'. 'new-tro' is a modern reinterpretation and rebirth of the past style, and 'fu-tro' is a style of coexistence between the past and the future. In the music video, fashion is a media language and cultural code, and it creates trend or new fashion, that communicates with the public, stimulating emotions. As a result of the research, the common trend phenomenon expressed in the music video costume of 'new-tro' trend which appeared in 2000s is as follows. 1. New-tro style starts with items that were famous in the past. 2. It is one of postmodern marketing using color, print and logo. 3. It spreads quickly by the influence of culture that is characteristic of the Internet and SNS world. 4. It is bottom up propagation phenomenon of street fashion. 5. It is a time game where modern people connect the past with the present. 6. "new-tro" continues to evolve for that time, based on 'retro'. New-tro, an evolutionary version of the 21st century retro wave. and it is a key to marketing effectiveness as a sympathetic elements of 1020 generations with the reproduction of memories.
Patricia Waugh once regarded modernism fiction as 'the struggle for personal autonomy' against the opposition existing social institutions and conventions. Michael Cunningham's characterizations of Virginia Woolf and Septimus in The Hours show the two contrasting reactions to individual alienation and mental dissolution in the modern era. As the personifications of endurance and self-destruction against the mechanical power of contemporary world, Woolf and Septimus consist of just the world of diptych where the woman's role is confined to the angel in the house. By creating Mrs. Brown based upon his own alienated mother image, however, Cunningham succeeds in representing the more dramatically vivid world of triptych where woman can have her own room and self-realization despite still facing the dilemma of the traditional family. Accepting Joycean Bloom's optimistic and relaxing way of life in part, Mrs. Brown connects the labyrinths between the author's (and also Richard's) alienation with the theme of celebration of the life. Clarissa in postmodern New York setting is still a concealed and mystified character. Similar to Mrs. Dalloway, on the one hand Clarissa watches other people's tragedy with compassion. Cunningham's Clarissa, on the other hand, is no longer seeking for either winning or defeat in the spectacular world unlike her predecessors. In many resilient attitudes of everyday life Clarissa is closest to Mrs. Brown whom Virginia Woolf originally hopes to describe. Without any fear or rage toward the society Clarissa witnesses and achieves "the humanity, humour, depth" of female values by successfully turning the trivial life into an epic journey.
본 연구는 탈근대의 건축 공간을 고정되지 않고 지속적인 변화의 개념으로 보고, 변화하는 관계 네트워크로 건축 내 공간 요소를 이해하는 것을 목표로 한다. 연구의 목적은 관계성이라는 관점에서 렘 콜하스와 SANAA의 작품에 나타난 공간적 특성을 밝힘과 동시에 두 건축가의 공간구성 전략을 분석하는 것이다. 연구의 방법은 관계성의 대한 이론적 고찰을 통해 비고정적 관계성의 의미를 정의한 후 렘 콜하스와 SANAA의 건축적 접근방법에 대해 살펴보았다. 관계성을 공간의 프로그램, 환경, 사용자 그리고 가구와 집기로 구분하여 두 건축가의 작품 분석하였다. 결과적으로 두 건축가 모두 조직화에 의해 경직된 프로그램을 거부하고 가능성이 내재된 관계성을 건축공간 활성화 목적으로 활용하고 있다는 점에서는 유사하지만, 렘 콜하스는 사용자의 행위유발 기제의 전략을 사용하고 있는 반면, SANAA는 사용자의 자율적 행위를 담는 이완공간의 전략을 사용하고 있음을 확인할 수 있었다.
전교조 핵심 이념이었던 '참교육'은 뉴미디어 시대의 자장 안에서 재전유된다. 젊은층을 중심으로 활발히 사용되는 이 단어는 '사회적 비난의 대상이 되는 사람 대한 응징'을 뜻한다. 최근 인터넷에서 흔히 볼 수 있는 '참교육 콘텐츠'의 특징으로는 첫째, '단편화' 경향을 보인다는 점이다. 참교육 콘텐츠들은 분량이 짧고, 내용이 매우 지엽적이다. 이는 총체성이 사라지고 작은 이야기들을 소비하는 포스트모던 사회의 특징을 반영한다. 둘째, 선악을 가르는 기준이 지극히 '자의적'이라는 것이다. 기존 권선징악 서사들은 사랑·배려·평화 등 어느 정도 보편적인 가치를 지니고 있었던 데 비해, 참교육 콘텐츠는 지극히 편협한 시선으로 선악을 구분한다. 자의적 기준에 대한 정당성을 얻기 위해 택하는 방법은 공공의 분노를 부추기는 것이다. 셋째, '유머'가 가미되어 있다는 점이다. 여기서 유머는 혐오의 정서와 결합하며, 사람들의 비판의식을 약화시킨다는 문제를 야기한다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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