This study is concerned with "fiction" as a new form of writing over the limits of the post-modernist theater/arts. Fiction is not something illusory that demands the audience's empathy but something that unveils form's disinterest in content. Thus, in this paper, I examine a fiction as the opposition of any representational norm and words' old mimesis. Rebutting the crisis of post-modern art and the end of images, philosopher Jacque $Ranci{\grave{e}}re$ mentions the possibility of appropriating similarity in an imitative way by twisting Platonic mimesis. The image of this similarity wanders alongside the loss of signification, unmasking the form's indifference to content. These wandering words represent their own truth "in a way fossils or grooved stones encapsulate histories" as hieroglyphics. This "fiction" as an alternative of post-modernist plays is not any confrontation of reality but the "movement of thinking" that allows the human spirit to play in a way of shaping "some substantiality." In this sense, I examines works by two French writers, $Jo{\ddot{e}}l$ Pommerat (1963~) and Jean-Claude Grumberg (1939~ ) who have carried out their writing practices of appropriating similarity that dissolves any simple "immediate reflection" for non-intermediate relations between the producing and the produced. Their writing is a cross of literary creation and "le politique" as a new aesthetic practice of writing and reveals the movement of thinking, departing from the preexisting concept of fiction.
This study says that giving a life through the mixed power of motions which can not be fixed. It is a fundamental activity of the art of dance. In the fact, the art of dance is defined as the most instinctive and intuitive arts show that dance is a harmony of emotion on the body, thus, this view wants to discuss the relations between "sense and body". This view doesn't focus on the mere motions of dancing form, but characterizes dance as an art of another vitality through the mixture and combination of these motions. In other words, this study emphasizes that dance transcends time and space on stages, and that dance, as an expression of identity, is an art which shows a sense from inside of human. Therefore, when we want to understand the true meaning of the art of dance, we should attend what attributes of dance define it as an art and show its creative. This study, thus, seeing those attributes as the life-giving function of dance, aims to help understand the principle meaning of the art of dance that realizes creation as well as the attitudes of audience who appreciate the art of dance. And by doing so, this study contemplates how we should see the creative idea of choreography, forming sympathy and the art of dance.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.14
no.8
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pp.25-33
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2020
This study was based on the research contents of previous studies. and After operatively defining public culture and arts institutions in terms of combining the characteristics of public institutions and culture and arts, the necessity of analyzing the priority of performance evaluation indicators was raised in accordance with this. The results of priority analysis based on the AHP axiom are as follows. The priorities for the performance evaluation index of public culture and arts institutions were in the order of artistry, expertise, marketing, publicity, organizational management, exchange and cooperation, management efficiency, operating system, and convenience. Based on the analysis results, the following implications were presented. First, it is necessary to first pay attention to the items of artistry that appear as the highest priority and seek strategies. Second, it is necessary to put a variety of experts in the original plan so that the audience and the public can have a high interest in this. However, in order not to exceed the 10 items recommended by the AHP axiom, we had to intentionally limit the evaluation items. Therefore, it is necessary to analyze priorities by deriving various evaluation items in subsequent studies.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.13
no.1
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pp.59-67
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2019
This article examines how Brecht's Gestus is borrowed and transformed into the film. I examined the critical debates on the film's use of Brecht and the style of Brecht's acting adopted in radical experimental films and Hollywood films. In addition, through the case of Korean film actor/ress, I sought to apply the Brechtian theory. First, despite the criticism that the film's acceptance of Brecht is overly formal and mechanical, film theory and practice reflect Brecht's ideas. In particular, regardless of the socio-political situation of Brecht's day, his Gestus is suitable and useful for film acting. Brecht's thought was realized by technological innovations such as montage and computer special effects, and above all, the social attitude of the actor was popularized through the education of the audience. Second, his strategy on performance is no longer unfamiliar, and goes beyond the boundaries of contradictory daily life and art, and becomes the pleasure of popular film. Although the intentions of naturalism and anti-naturalism in acting arts are different, the process and effects look at the same point. Third, through the case of Korean film actor/ress as an attempt of popular understanding about Brecht strategy, I could confirm the possibility of searching identity of Korean film actor/ress.
The Journal of the Convergence on Culture Technology
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v.9
no.6
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pp.589-594
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2023
K-POP plays a key role in the Korean Wave and is becoming more popular over time. In K-POP, K-POP dance plays an important role in increasing public interest and support and reflects the taste of the audience according to the rapidly changing times. In addition, it has a variety of unique choreography forms, such as point choreography and dance that is perfectly in sync associated with the lyrics of the song, so it has sufficient possibility to raise its status independently. In order to examine the fact that K-POP dance is not an element included in K-POP, this researcher tried to investigate the case of interest in -K-POP dance in various ways and to clarify the meaning of the existence of K-POP dance once again. K-POP dance is gaining international interest and support through the mass media through various examples, raising the awareness of choreographers. In addition, created the integration of various races and ages. It also continues to help the country's economic growth while expanding to education. It also serves as a cultural notification in that it promotes Korean culture and manners along with -K-POP dance. However, this researcher emphasizes that for the continuous growth and independence of K-POP dance in the future, a program to cultivate systematic educators are needed, and the efforts of K-POP dance educators and choreographers are needed accordingly.
This study compared the characteristics of an experiment f or determining whether gas occupies space presented in elementary school science textbooks to examine the validity of the experiment, identify and improve problems in its presentation, and verify its effectiveness. This study interviewed third-year elementary school teachers who had experience teaching this experiment to students. Based on teachers' opinions and observations, this study identified issues with the current experiment, developed an improved experiment, and determined its effectiveness. Through this analysis, three key findings emerged. First, the study found that the original experiment on gases was presented in the same or highly similar manner in 5 of 7 textbooks (71.4%). Thus, while various textbooks have been developed with the aim of promoting diversity and creativity in scientific literature, most experiments presented in these books are identical. Second, the existing experiment was not suitable for its target audience (third-year elementary school students) and was difficult to observe directly. The interviewed teachers also deemed the validity of the experiment to be considerably low. Finally, the original experiment was improved; this improved version was determined to be highly valid, showing a statistically significant difference compared with the original experiment. The improved experiment was effective for students as it involved activities suitable for their intellectual level and was directly observable through the senses. Thus, the study analyzed and improved an existing science experiment f or elementary students, providing insights into the 2022 revised science authorized textbooks and implications for future textbook development.
The advertisement is an informative product in which a company or an organization has made a substantial capital investment in order to achieve their goals based on their carefully thought-out plans. David Ogilvy maintaned that making a headline of an advertisement is worth 80 percent completion of the advertisement. As he insisted, a headline is also the most important element in the printing advertisement. Therefore, the importance of selecting headline's font style is increased because, while creating a headline, it is necessary to consider the emotional aspects of the advertising object that attract the attention of people. Many researchers call 'typography' as 'frozen sound' or 'written sound' because typography not only works as a letter but also provide people with an emotional pleasure. An appropriate selection of headline's font style in the advertisement production makes both the client and the audience for the advertisement satisfied because it reduces the communication risk and makes design results more reasonable. It is difficult to find many decision-making methods for selecting headline's font style. Therefore, the author of this paper investigated the trend of the use of headline's font style in order to help the designer understand headline's font style as one of design factors. As a result of the research, it is possible to conclude that, while selecting the headline's font style, the attributes of a font consist of limited style, and more objective and systematic font selection methods are necessary.
Journal of the Korea Academia-Industrial cooperation Society
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v.14
no.8
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pp.3672-3681
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2013
The purpose of this study was to analyze subculture of professional football supporters with a view of Bourdieu's Habitus theory. What sorts of mechanism were worked when supporters formed their Habitus. The methods adopted in the article was qualitative. The qualitative information on the nature of their fandom was gleaned from 'virtual participant observation' or 'interviewing' of professional football fans that participated in discussions on the internet and participant observation of professional fans. The intensity and criteria sampling method was used to select 6 supporters who had participated in the supporting activities for more than five years and played crucial roles in running their organization as officials. The textual analysis which is consisting of translation, coding, and processing was used to mean the identification and exegesis of contextualization cues that make a text meaningful to the professional football supporters. an intended audience. The findings of this study were that (1) the subculture variety of activities for players and coaching staffs were the fundamental factors when supporters formed their subculture. (2) the professional supporters became habitus through the progressively development of subcultures such as enthusiastic supporters, small meetings, and events relating to soccer players.
Criticism is related with recognition activity which is interpreting and evaluating the text based on the particular criteria. It reflects the awareness system of a particular time-period in that it is a work of social meanings beyond individual impressions. However, the standards of criticism have changed, like the awareness system has changed as economy, culture or technology has evolved. The emergence of SNS has influenced the field of popular culture. It improves the role and participation of the public in criticism. Moreover, it breaks the previous paradigm of production and consumption in cultural industry. These changes bring not only the positive ones, such as improvement of diversity and freedom of criticism, but also the negative one, confusion of values due to the absence of criteria. This study mainly concerned debates and discourses of SNS on , a new song of IU, and focused on changes of aesthetic evaluations of culture performer, producer and audience. Especially, the authors tried to find out how such new technology has changed the criticism, and how it has influenced on our aesthetic consciousness.
This paper analyzes Blood: the Last Vampire (2009) in comparison with the original Blood: the Last Vampire (2000). This digital movie, released in 2009, faithfully re-presents the visual of the original animation using more budget and more developed technology. Though these two movies share very similar visual style, they have slightly different modes of expression that can be easily detected in their opening scenes. The original Blood chooses to tell its story in more indirect way. Some shots are intentionally vague and forcefully separated by black credit screen, leaving audience guessing exactly what happened. The remake version of Blood provides faster, more diverse, and more sophisticated images. It also uses invisible and slick editing, leaving no room to guess. These differences comes mainly from the difference of media. However, since the differences between two movies lie mainly in their narratives, we can ascribe the box office slump of the digital movie version of Blood: the Last Vampire to its narrative flaws. The heroin's inner conflicts were not convincing enough, supporting roles were not probable enough, and the whole story was not unique enough. As a result, the new Blood: the Last Vampire became another bad example that shows the importance of narrative in films.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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