In this article, we first present an inductive taxonomy of national R&D structures in terms of relative R&D flows among prime actors. The R&D structure of Korea, along with the Japanese one, turns out to be an ill-balanced one characterized by the dominant role of private sector, vis-a-vis the minimal share of public R&D. In nature, private R&D is sensitive to business cycle and the vulnerability of the Korean structure has been invisible under prosperity but now is disclosed under depression. This problem is nothing new and indeed has long been recognized by the Korean government but the prescription seemed almost impossible. Ironically, the current economic crisis of Korea renders an unexpected opportunity for structural reform. As private firms are cutting down R&D investment, the relative share of public sector becomes significant. A simulation predicts that balanced systems will be achieved in some years if public R&D budget is kept up. Although the contraction of private R&D is by no means desirable, it is the right time for the Korean government to expand public R&D. Public R&D should be considered not only a remedy for market-failure but also a shock-absorber against cyclic instability. This is why the balance between public R&D and private R&D is emphasized.
Qi Baishi is a prolific master of modern Chinese painting in the 20th century and a profound influence on modern Chinese painting. With a lifetime of diligence and pursuit, he brought the development of traditional Chinese literati painting to the palace of world art. Qi Baishi's paintings have very different styles and rich connotations. There is a childlike "Plantain Crowd", which is childish but full of interest. There is also a simple and old-fashioned "Peony" in the late years, vigorous and powerful, moving heartstrings. There is also the irony of the present world, refuting the ugly "Tumbler", which is thought-provoking. Of course, the most worthy of study is Qi Baishi's landscape paintings. His landscape paintings surpassed their era and have unique historical value in the transformation of modern Chinese landscape painting. He was one of the pioneers of the transformation of Chinese landscape painting in the 20th century. In this article, through the research and collation of Qi Baishi's landscape paintings, the characteristics of Qi Baishi's landscape paintings and their surpassing of the times are discovered.
Near / Miss, Charles Bernstein's poetry collection, is replete with poems of distinctive styles and pluralistic forms in his idiosyncratic and artistic cosmos. With poetic antics, queerness, sarcasm, irony, and humor, the book showcases the motif of loss, chaos and trauma in postmodern America and the world. The multiplicity and multi-dimensional $M{\ddot{o}}bius$ effect in Near / Miss echo earlier Bernstein's poems, as well as poems by ancient and contemporary poets, with visual artists and musicians, and rabbis and Jewish philosophers. I argue that Near / Miss offers an apotheosis of echopoetics, which has been launched in his previous book Pitch of Poetry. Poems in the book reveal the dark and thick "pitch," namely the queer, the uncanny, the invisible, the disabled, the dispossessed, and the silenced poetic Other and make it explicit. The estrangement and alienation of $clich{\acute{e}}$ through diverse malaprops, mondegreens, non-sequiturs and fragmentations in Near / Miss aim at deconstructing the fixation of language so as to display the poetic Other. The motif of "nothingness" in echopoetics significantly multiplies its meanings. Nothingness mainly refers to the loss of origin, the defiance of tyranny, and the sublimity of the universe and the poetic Other. Melding his personal loss and misfortune, the current political discontent and the postmodern chaos in America and the world, nothingness in echopoetics resonates with American literary tradition and Zen with a healing and transforming power.
This paper is a kind of interdisciplinary studies which connect a Western film criticism with a criticism of minority literature in America. My purpose in this paper is to put on the table such a sensitive issue as racial representation and representativeness in Clint Eastwood's revisionist Western, Unforgiven. We admit generally that Western films have contributed to the white American myth-making of how the West was won. Yet, since the mid-1960s, a growing number of revisionist Westerns were produced so as to raise a question about the conventional way of looking at what happened in the American West. In order to analyze the problem inherent in the way of seeing, I pay attention to how the director Eastwood (re)presents a character named W. W. Beauchamp in the film. Presumably, what the character Beauchamp misses in the West can be overlapped with what ordinary film viewers miss in the genre of Westerns. Given this, interrogating both what Beauchamp sees and what he misses within the movie, I attempt to disclose how much of the West has been unseen from his biased viewpoint. By doing so, I argue why it is important to focus on some passing scenes that touch on the irony of a Native American train passenger, the gaze of the mute Native American housewife, the abrupt disappearance of Asian American men, the lynching of African-American ex-cowboy, and the self-determination of the saloon prostitutes. Then I hope that, conservative and mainstream though the director is, his way of revising the Western is not quite far from my minority-conscious critical position.
Mickey Mousing perfect match between animation sound and image was an aesthetic in the field of animation, but since the 2000s, works such as and released by producers such as DreamWorks and Pixar have expanded the perfection of synchronization to irony. It also influenced the identification system of sentiment. It is time to view the directing attempt of these elements as a factor that changed the new paradigm of narrative, and related research is needed. In this study, the scene of was analyzed as a case study for the synchronization of animation sound and image components and the boundary direction on the recognition of identification between reality and fiction. Aesthetic recognition of the research work is based on the premise of real time and space perception, and the audience can recognize in the conceptual world as an integrated art by playfully producing fictional time and space. The direct antithesis of synchronization and identification was drawn to maintain the curiosity of the next scene by repeating selective concealment and disclosure of information in the direction of conveying an unfamiliar and heterogeneous feeling to the audience.
Luis Humberto Crosthwaite, as a witness to the accelerated changes in Tijuana since the 80's, has built a chronicle of the city based on nostalgia, fantasy, popular language, music, and criticism of the inequality between both sides of the border, but above all, on humour and irony. Among the gallery of characters that populate his stories, the common resident of the border has a special place. Here we are not talking about the passing person or newcomers, but of those who have shaped their social and personal identity from a long every day relationship with the city and the borderline, which makes up what we will call the border-being. In this work, we dialogue with the psychoanalytic concept of border personality or borderline disorder, which refers in a general way to subjects with a deep fracture between the self and the being, which prompts a psychotic search to reconcile this division. In addition, we will engage in an interdisciplinary dialogue to analyse how Crosthwaite characterises the fracture of the border-subjects in some of the stories of the book Instrucciones para cruzar la frontera, to point out the psychosis caused by the sociocultural tensions of life in a border city like Tijuana.
Heracles has been adored as one of the bravest mythical heroes all times and all places because it was thought that he protected his people and lands from invasion, plunder, or enslavement. However, I argue Heracles should be criticized as a war machine of violence and murder. War is homicide itself, which means humans kill humans, unlike other violent and sensual animals such as dogs, apes or pigs. It is ironically ambivalent to celebrate an excellent hero in homicide in this age of nuclear weapons. This irony leads to S. Freud's 'Death instinct' or Malcolm Potts's 'war genes'. Unlike Freud, Malcolm Potts insists that humans' war genes can be changed into peace genes because they were just remains of Stone Age. According to Apollodoros' myth or Euripides' tragedies, he was mad enough to kill his own sons and wife after he had murdered the king Lycos in Thebes. Though Rene Girard says that his madness was derived from contagion of violence and blood, I think that his madness came from horrible experiences of cruel wars as well as Hera's maltreatment in his childhood. It will be demonstrated to be war neurosis, that is, PTSD(Posttraumatic Stress Disorder). In a different way from the modern media in which Heracles is being glorified as a purest macho and war machine, his old myths show the ambivalence of his violence and murder, and his daily misfortunes owing to his madness. In this sense, his myth is a kind of warning to the humans not to kill each other, or to stop wars.
This is the deconstruction of functionism and means the complex phenomenon of disharmony such as the reputation of purity, search for history, irony and so on. The perceptional system of post modernist and deconstructionist philosopy, that allow us to have the critical angle of view such as the deconstruction of the existing foundation and the absence of the meaning of the reasoncentered thinking of the west, is shown to be grafted into design, fashion and so forth. These elements are taking root as the style of the end of the 20th century. The deconstructional fashion revolting against the existing regime has been reconstructed and created a innovative aesthetic sense by going so far as to address the way that doffing is formed, the way to handle materials and physiological and psychological elements. The deconstructional fashion depicted on new interpretation of the body proportion with planeness and specificity while ignoring three-dimensionality , structuristic rationality
The visual humor can be regarded as an original source for creative ideation. There are several types of humor. for example,'wit, satire, irony and so on. These can be motivations of developing an up-to-date idea. Wit differs from most humor in being purely intellectual, rather than relying on incongruities that come up naturally in many situations. The humor of words contains pun, hyperbole, repetition, and comparison or contrast. Especially in case of pun, it can be most important type of humor for making analytical and humorous effects visually. Pun, meaning the humor of double meaning, furnish us with much of our humor. The concept of pun is the most valuable for creating the visual humor by substituting, combining and manipulating symbols. There are essentially three distinct categories of puns : the literal pun, the suggestive pun, and the comparative pun. All types of puns belong to one of these three groups. The definitions are simple to understand and easy to apply for creating the visual humor, In order to develop a better conceptual model, (this researcher) reexamine the concept of humor, the relationship of humor to various types of message processing, and the relationship of humor to various aspects of message. This thesis. is primarily concerned with basic theories of humor such as concepts of humor, types of humor and analysis of humor. And this contains the research of humor's communications effects and theory of humor response with literature reviews. Modem theories of humor response generally fall into three major schools : Incongruity theories, Superiority theories and Arousal (Relief theories. Together these three approaches address the cognitive-perceptual, affective-evaluative and psycho-dynamic dimensions of a subject's humor response. The literature research of humor and humor response theory in communications and visual communications can help the visual application of humor concepts and usefulness of visual humor appeals. This research agreed that the humor and visual humor must be very effective at being as a means for the advertising expression, not for the purpose itself. In addition, this research is aimed at studying significations and usefulness of visual humor through semiotic approaches in the near future. Then it can be essencial research for the appropriate situational uses of humor related to media, product, and audience factors, such as nationality, age, standard of living, sexuality, and so on.
As a fresh trial using humorous items to escape from economic recession and uncertain state of mind regarding politics and society, fun is emerging as a keyword in design area. This study classified various use of fun reflected in modern fashion design according to the theme, and analyzed the mod of expression to identify formative characteristics. Through these processes, this study built conceptual structure of fun in fashion design. 412 fashion designs which represent fun were collected from 2001 $S/S{\sim}2005$ F/W collections. Data were analyzed and categorized. Results showed that the theme of fun in the modern fashion design could be classified into humor, kidult, irony, satire/parody, storytelling, and play. The design elements mainly used were color silhouette, letter, object, and drawing, while the design principles were distortion/exaggeration, incongruity, and repetition. In addition, these expressions were related to the traditional humor theory: incongruity-resolution, superior, and relief theories. The fun in modern fashion design has such value as affirmation, warmness, entertainment, youth, contradiction, surprise, deviate, allusion, attack, and description, Finally, in regard to the subject, the fun provides active experience like play as well as passive acceptance.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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