This article analyzes film performances in the Korean movie market utilizing three-stage models that incorporate available information in three different stages of the movie life cycle, i.e., at the time of its release, at the end of the first week, and at the end of its life cycle. Based on the premise that the performance of a movie is affected principally by factors of scale, evaluation, and competition, we attempted to ascertain the effects on these factors on performances, and how they differ in different stages. Also, by analyzing domestic and foreign movies released in Korea separately, we were able to compare the different effects of the three factors on the performances of the two categories of movies. Additionally, our movie performance models incorporated herding behavior among the customers. Our results demonstrate that herding is prominently observed after the first week only for domestic movies. In general, the scale factor has been shown to be most important for movie performances in all stages. For foreign films, it is particularly critical for the first week and total performances. Whereas the evaluation factor influences domestic film performance more strongly at the screen choice stage, it affects the performance of foreign films more strongly in the later stages of the life cycle. As compared to foreign films, domestic film performance appears to be more sensitive to the competition factor. We also discuss the effects of covariates such as genre and symbolicity on movie performance.
This study analyzes and compares the meaning and the value of storytelling with characteristics of the Playback Theatre, which is an improvisational play. On one side, the Playback Theatre, invented by Jonathan Fox in 1975, is an improvisational and communication-based theatre format; and it usually brings in the storytelling of audiences and often entails no play script. On the other side, storytelling requires imagination and creativity; presupposes the sympathy between the speaker and the listener. In fact, this theatre format is utilizing the educational and healing effects of verbal cultures, group sacrificial ceremonies, and/or psychodrama; and it is contextualizing them in our modern society. The Playback Theatre provides the audiences with opportunities to share their own stories within the play itself. The actors first listen to the stories of audiences; and then make them into a play impromptu, right in front of the speaker(s) and other audiences. For this very reason, it is called a "play-back". In this process, the individuals and the community are invited to experience the educational and healing effects.
As a film maker, Lee Chang Dong stands out from most Korean film makers who work within the trappings of genre films. To be sure, Lee has also used the trappings of genre films, such as noire and melodrama, but primarily as a tool to communicate with film audience. In his most recent film "Poetry", Lee seems to have even stripped even the minimal trappings of genre film. Lee commands the audience to self-reflect and work towards their own conclusions by denying them the illusory identification on screen. In this way, Lee's works are counter cinema. Lee achieves a distancing effect using such filmic apparatuses as hand-held camera, fantasy, mise en abyme, and returned gaze. Through these filmic apparatuses, Lee exposes the re-presentation of text and compels his audience to see the historical and political contexts of the text. In this study, I make the case that Lee Chang Dong's film making is an act of repetition compulsion that cultivates ethical reflection, through symbolization of the invisible realities.
The most prominent phenomenon in performing arts in recent is the social sharing of art products. As a result of the city's reinterpretation of each local government, production of performances, activation of performances outside the theater, and performances performed in streets and specific spaces and public spaces deviate from traditional theater-based performance forms through social communication and expansion. Also, it is seen as an effort to expand the delinquency of the act. Furthermore, it can be said that this proves the publicity of contemporary performing arts. I will research the audience and learners through the Opera Estate festival, a recent exhibition in the Balsano del Grappa, Italy, which is based on the site-specific performance form that has been actively conducted several years ago.
This study explores mime elements of court Hagmu(鶴舞) in literature and what is expressed in the practice of current Hagmu and examines what has been changed while others are kept intact. The content of Hagmu is that "attracted by lotus flowers in a pond, cranes dance around and peck at them, when the blossoms open wide with a girl [dancer] inside, upon which the surprised cranes fly away." The dance consists of 4 steps: the first step is for the entrance of cranes; in the second step the cranes dance moving across jidang(池塘) and the north; in the third step the cranes are curious about the lotus calyces, yeontong(蓮筒); and the cranes withdraw in the fourth step. The literature suggests that the dancing courses on the stage are limited to the east, the west, the south, and the north. The movement is limited to naeson (內旋) only in mujin(舞進) and mutoe(舞退). Furthermore, the gaze is only allowed toward the north and jidang. Motions are limited to naejog(內足), oego (外顧), and naego(內顧). However, the mime elements of current Hagmu are attributed to the effort of translating crane's life into a realistic story. It relates the life of cranes to that of human beings and implies love in it. Finally, the court Hagmu has entered the real world out of the literature, enriched with new elements. Under the transition from literature to practice the diversity of expression is added while the elements related with court codes such as courses, movements, directions, and motions are kept intact. These limitations, however, are coupled with the sensitive 'love' and the exposure of dancing instruments intrigues audience and creates dramatic effect. In conclusion the significance of mime elements in court Hagmu is in enhancing communication with audience.
There are many cases that messages of boring contents of most contents with public interests appear on the surface. Audiences don't think these contents are interesting. It is true that animations cannot be generally boring when delivering messages of public interests. was produced to focus on making audiences experience that a global warming story, the boring and textbook contents is interesting. And it was composed by the multiform story to realize narration through audiences' participation by utilizing the characteristics of live windows, not just watching the animation. This paper examines the differences between theaters and live window through the case that was produced and examples which utilized interaction for audiences' participation based on this. It analyzes the differences between environments according to characteristics of places and audiences in the differences between the theaters and live window, examines the examples to utilize interaction focusing on the process that narration is gradually changed as response to user environment design and interaction for unspecified individuals, and suggests direction that animation should move forward as public art based on the results to show the animation in Millano Piazza. According to the characteristics of live windows, the audiences of are people in the streets who are heading for different destinations, not the ones who come to theaters to watch the animation. Showing the animation with narration to them was a new attempt. When it began to show it in Millano Piazza, the audiences were very satisfied with the experiences that the stories were changed as they participated in it by themselves and naturally thought of global warming problems. You cannot know how the message of change people's habits and thoughts for the present, but this attempt was an opportunity that animations play the social role. Many animations are being produced in the world. Most of them are being done to aim at theaters, TVs, and film festivals. They should meet audiences through more various methods. One of them is animations as public art. And can be the new attempt in this sense. And in the future, animations as public art should make efforts to show you interesting experiences that you can share thoughts to be able to live together. As art of various media is changing to the one which considers public interests, animations can be new types of public art by integrating them with various technologies.
The number of French movies imported to and released in S. Korea is constantly increasing. All French movies released in Korean theatres, however, are not a great success. For the domestic film market and audiences, the idea French cinema is generally equivalent to 'diversity cinema' or 'arthouse films' is common notion. In this respect, French movies introduced throughout the country would be culture product into which one can read other cultural significances different from that of domestic cinema, and also serve significant cultural value to understand diversity in cinema, for domestic audiences. However, it could be said that French movies, in common with Hollywood films, obey rules in the film industry and needs for audience trends. In this content, what the researchers want to do is to analysis the tendency of the domestic audience reception and main causes of commercial success in the domestic film market, analysing Taken produced in France. The analysis, most of all, suggests the consideration for the film industry beside the notion of cultural diversity in cinema, as imported films are released in the domestic theatre. For this, the study examines the promotional strategy the french cinema perceived generally as the arthouse film applies extensively, analysing on Taken, and inquires into factors of commercial success, using SWOT Analysis. This study, the first of all, (briefly) examines what audiences consider when they choose a film to watch, articulating (generally) the choice-and-consume modality of the domestic audience. And then, it examines dominant factors Taken was a commercial success in domestic film market, even though the film is a french film, using SWOT Analysis. On the basis of SWOT Analysis, finally, this study draws up promotional plan for Taken, and shed new light on dominant preconditions, when the foreign cinema would be imported from the now on.
This study examines the multi-functionality of the cultural facilities and explores the architectural characteristics of cultural facilities in city environment. For this purpose, 1 examine the major cultural facilities in USA and Singapore. Recently, the inter-cultural communication methods have been diversified and the cultural facilities need to be designed to effectively accommodate the public's interests in these activities. It is also necessary to reexamine cultural facilities' functions in terms of how the multi-functionality facilities reflect the surrounding environment. This study also sheds a new light on the meaning of the relationships between cultural activity, and the cultural facility design. For this, I primarily look at the various design categories of cultural buildings and their main functions. Finally, I demonstrate how both cultural activity and cultural facility design elements are embodied in the city environment.
In this study, it is recognized that the new social media has a great social impact and influence, and contemporary dance works that attempted to combine dance and media based on 'interview' are able to bring the value of dance art in a unique way. Currently, many art groups and choreographers are gradually awakening to the audience's thoughts by carefully studying new choreography techniques and forms in order to reach the audience effectively. These changes are meaningful and valuable as contents that will lead to diversification according to technological progress, industrialization of the 21st century, development of dance audience, expansion of stage, and enjoyment of dance arts. Therefore, it will be an inquiry study which analyzes through the literature and images of domestic and foreign dance works using interviews as a material, and finally examines what kind of choreography is used as the interview material in dance works and suggests its effectiveness.
Animation is a popular art in the form of enlightenment that intimately approaches people of various ages and makes them reconsider the social problems they have ignored. Therefore, this paper analyzes how the character setting and formative symbolism in "The Willoughbys" raise awareness of social agendas. The previous studies found that the modern society needs to be aware of child abuse and various types of family, and examined that color and formativeness of animation induce psychological and behavior change from the audience. The work shows emotional abuse and neglect as characters, and presents the subdivided form of the family. The rainbow symbolizes diverse family members. The agents with visual characteristics express the modern principle-based secondary perpetrator along with apathetic neighbors to urge a change in audience perception. This paper insists the value of animation when it is essential to raise public awareness prior to the construction of a welfare society and support system.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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