Haizi, who ended his life with suicide on the railroad at the age of 25, is a poet who implemented his unique poetic world alone without belonging to any of the existing Chinese poetry schools in the 1980s. The process that Haizi reveals self-inside through a poetic work is rather to hide self-inside paradoxically, too. Accordingly, even a work of figuring out the real intention, which is hidden in poetic dictions that he selected, will be meaningful. In this sense, this study tried to inquire into the poetic imagination and self-image that were revealed in poetry focusing on "Spring, Haizi of 10 People", which is a work of having his name as topic, with having been written at the time of suicide, among Haizi's many poetic works. In addition, it figured out Haizi's private conscious world through analyzing the poem titled "Facing the sea with spring blossoms", which was created ahead of death same as "Spring, Haizi of 10 People". Thus, the aim was to look back on significance of his death and to broaden the width of understanding about Haizi's poetry. As for Haizi, the death can be regarded as the completion of 'performance,' which is a kind of Haizi's own final art form. Hence, Haizi's suicide needs to be seen from the perspective dubbed the continuity of creation through this performance, not the discontinuance of creation caused by 'intended death' that the poet himself selected. In the wake of pursuing the poetic world of a gifted poet Haizi, who died early, that this study examined, there will be any poet of Korea who is recalled naturally. One poet will be first recalled Yi Sang, who is a poet and a novelist of having been broadly known. Another poet is overlapped Gi Hyeong-do, who had been active as a poet and a journalist of having been dead after living in the similar period to Haizi. A comparative analysis among works by these Korean and Chinese poets has similarity beyond the temporal space. A research on this is thought to have value of being considered a little more deeply and generally hereafter. Still, this study mentioned only possibility of a comparative research on this.
This paper aims at investigating Dorothy Wordsworth's later conversation poetry, which has not been the focus of critical discussions on her literary works. While many critics have been emphasizing Dorothy Wordsworth's journals and the tendency of self-effacement in her prose, this paper argues that her later poetry often reveals acute self-consciousness about the circumstances that condition this self-annihilation and searches for a creative way to endorse her own identity. In "Lines Intended for My Niece's Album," she expresses anxiety and uncertainty about the inclusion of her poetic piece in Dora Wordsworth's album, which contains poems by prominent male writers of the contemporary period. "Irregular Verses" presents Dorothy Wordsworth's self-conscious narrative of her girlhood and shows how her own ambition to become a "Poet" has been stifled by external circumstances, including the ideology that instills the idea of proper womanhood into aspiring girls. While these poems examine contemporary gender discourse and the frustrated poethood resulting from it, other poems activate conversations with William Wordsworth's poems and thereby provide a revisionary re-writing of her brother's texts. For example, in "Lines Addressed to Joanna H." Dorothy Wordsworth becomes "a woman addressed who herself addresses others." Her scrupulous approach to her own addressee refuses to subordinate the other to the self's will, and through this revision of "Tintern Abbey," Dorothy Wordsworth vicariously liberates her own self confined in her brother's poems. "Thoughts on My Sick-Bed," which echoes "Tintern Abbey" through borrowed phrases and direct address to William Wordsworth, foregrounds her own poetic identity in the form of the first-person pronoun "I." Dorothy Wordsworth's continual illness during this period of her life paradoxically allows her the time for personal reflection formerly denied to her in her busy life constantly occupied by physical and spiritual labor for others. Instead of earning satisfaction from the subsumption of her creative energy under William Wordsworth's poetical endeavor, Dorothy Wordsworth finally starts to affirm her own poetic identity that can properly express her inner vision and artistic talent. Although this final affirmation remains largely incomplete due to her later mental collapse bordering on madness, it powerfully conveys the hidden literary aspiration of the formerly frustrated female poet.
오랫동안 동양 문학에는 비극이 존재하지 않는다고 생각되어 왔는데, 이는 행동을 모방하고 극적 구조를 지닌 고대 그리스 비극을 비극의 유일한 기준으로 삼았기 때문이었다. 이 글은 이러한 고정된 기준에 대해 의문을 제기하면서 한국의 비극 작품들이 지니는 특징을 밝히고, 이를 통해 비극이라는 장르에 대한 새로운 이해를 도모하는 데 목적을 두었다. 2장에서는 극과 서정의 장르적 성격을 살펴 다음과 같은 가설을 수립하였다. 즉 어떤 작품이 고통을 당하고 있는 작중인물과, 그 작중인물을 바라보며 관찰하는 자가 분리되어 있는 극적인 구조를 가지고 있고, 작중인물에 대한 관찰자의 연민이 드러난다면 서정적인 담화양식을 가지고 있다 하더라도 '비극'이라고 불릴 수 있다는 것이다. 3장의 논의를 통해 한국의 서정시 중에는 시적자아가 고통스러운 교착상태에 빠진 작중인물과 관찰자의 역할을 동시에 수행하면서, 관찰자가 작중인물을 연민하는 구조로 되어 있는 비극 작품이 존재함을 확인할 수 있었다. 한국 비극의 특징들은 비극에 대한 새로운 기준을 제시하는 근거가 될 수 있으며, 서구의 비극 개념으로는 이해하기 어려웠던 현대 비극을 이해하는 데 유용한 실마리를 제공한다.
This research understands semantics-system in contemporary space design as a poetic form. It provides that the possibility of various interpretation of space and makes to escape from insipid formal logic of compulsion uniform meaning. In order to unfold this argument, poetic semantics system has to be revealed using conversion of articulation factors in text of space(semantics and syntax). First of all, after setting up the articulation system of space language, we have to understand the conversion of articulation factors that generate a new grammar breaking up the rule of old syntax. And the various expression of form in Contemporary Space design focuses on a poetic expression, that is, the abstraction system fused by space factors(conversion of articulation system). In this method of research to recognize the subject of space in architecture, the importance of interpretation has to be highlighted, as the importance of language is emphasized that intermediates between object and interpretation. The reason to recognize Contemporary space design as a text is that it is a gathering of symbol as a object of interpretation and a mediator. The important issue of this study is to research how and what to transmit by poetic semantics system in contemporary space design. It brings about a poetic problem what it intends to becomes(the problem of meaning operation) in a narrow sense and a interpretational problem what it intends to do(the problem of communication). When we define interpretation the technique of defining a text, it involves the premise of inevitableness of multiple understanding, or the possibility to Interpret variously. In the end the ambiguity of poetic language and the infinity of moaning process as the moaning expansion system in contemporary space design is the flexible measure to solve the self-criticism.
This essay addresses the missing conversation in Keats studies by showing how an enduring mystery of Romantic writing—the medium of poetic process and the physical conditions of enunciation—remains a central question in the Hyperion fragments. It is my argument that the tropes of material textuality prevalent in the Hyperions represent a bold cultural statement in which Keats reacts to the major premises underlying the Romantic culture's notion of poetry as abstraction: the Romantic notion of literary (re)production as a product of the activity of a mind. Keats's self-conscious, symbolic representation of the mechanics of poetry-making can be read as an investigation of the ways in which the Romantics were aware of and even eager to articulate the instabilities of their position on the relations between words and things. This essay does not focus exclusively on the physical embodiment of Keats's work as such, so much as the second-generation Romantic poet's contribution to the Romantics' self-conscious and critical understanding of the depiction, perception and ideologies of their poetry and its mediation.
본고의 목적은 퇴계의 청량산시에 나타난 유산(遊山)체험의 시화(詩化)양상 및 그것의 의미를 밝히는 것이다. 이를 위해 그 양상을 소재적 측면, 대상 제시의 방법, 대상 인식 및 지향으로 나누어 살핀다. 퇴계가 자신의 청량산 체험을 시화한 작품은 약 50여 수이다. 이들은 55세(1555년)와 64세(1564년)에 각각 지어진 것으로, 창작 시기에 따라 차별성을 띠고 있어 주목할 만하다. 먼저 소재적 측면을 살피면, 1차 체험에서는 청량산 자체보다는 청량산에서의 행위를 시적 소재로 주목하고 있다. 이때 청량산은 자신이 머무는 탈속의 공간으로서 중요한 의미를 지닐 뿐이다. 반면 2차 체험에서는 청량산 자체가 시적 대상으로 주목을 받고 있으며 관련 경물 하나하나가 시적 소재로 다루어진다. 이러한 차이는 시적 공간의 제시방식과 연계된다. 1차 청량산 체험을 다룬 시에서 시적 공간인 청량산은 추상적이고 통합적이다. 여기서 청량산의 특성은 부각되지 않으며 차갑고 험준한 이미지로 부각된다. 2차 청량산 체험을 다룬 시에서 시적 공간은 구체적이다. 청량산의 각각 경관이 분절되어 독립적인 공간으로 제시된다. 이러한 시적 소재와 공간 제시는 청량산에 대한 인식과 지향으로 이어진다. 1차 체험을 다룬 시에서 청량산은 속세와 떨어진 고독의 공간으로 인식되어 충실한 자기성찰을 지향한다. 반면 2차 체험에서 청량산은 다른 이들을 떠올리고 함께 공유하는 대상으로 인식된다. 이를 통해 시적화자는 유산체험의 충족감을 느끼고 타인과의 소통을 지향한다. 이상의 시화양상은 퇴계의 시적 특성과 지향을 텍스트를 통해 세밀히 고찰하였다는 의의가 있다.
William Shakespeare's dirge, "The Phoenix and the Turtle," is still a crux in the Shakespearean canon and interpretation. The poem is still believed a dark allegory dealing with some arcane and obscure courtly matters and politics. However, we cannot recover its allegorical significance. This interpretive situation enforces us to read the poem as a self-conscious artwork in terms of its paradoxical language and meta-poetic metaphors. Paradox, as a subspecies of metaphor, challenges categorical and judgmental absolutes, and produces a sense of wonder in reconciling the logically contradictory opposites. In this poem the urn containing the ashes of the phoenix and the turtle is the icon of the mysterious unity of art, born of the wonderful marriage of male and female. Shakespeare's poem demonstrates in itself the magical power of poetic language in transforming an elegy into an epithalamion. The union of the phoenix and the turtle defies the singularity of their respective entity, and at the same time it retains their distinctive particularity of the two-ness. This neo-Platonic mystery of the "married chastity" is a paradox which confounds reason and verifies the poetic truth of imaginative intellect. The marriage of Christian perichoresis is crystallized in the artwork of the urn, which is admired at by posterity, though the marriage was issueless, due to its passing virtue. "The Phoenix and the Turtle" depicts the metaphor-making process and its effect, the poem.
이 글은 현대시조의 다양한 주제 양식에 대한 관심에서 시작하여 시조의 제재를 시인의 자아, 혹은 인간사의 내면에 깃든 근원적 문제에 천착해 주제로 형상화한 작품을 세 가지 영역으로 나누어 살펴보았다. 첫째, 자아성찰과 시인의 자의식과 시인의식을 주제로 다룬 시조에는 메타시조 형식의 시, 시 쓰기에 대한 '시론'격의 작품 등이 있다. 시인 자신이 자아에 대한 인식이 치열할수록 현실적 자아와 이상적 자아 사이의 갈등을 통해 '부끄러움'을 느끼지만 이를 극복하고 의미 있는 시를 창작하고자 하는 진지한 자세와 시인의식 이 주제로 표출된다. 둘째, 인간이 직면할 수밖에 없는 죽음의 문제를 다룬 시조는 죽음의 타나톱시스(Thanatopsis: 사관(死觀))를 표현한다 그러나 죽음에 대한 철학적 성찰과 깊은 담론보다는 직정적인 감정과 죽음에 대한 단상들이 표현되고 있어 이러한 주제에 대한 형상화는 운문보다는 산문의 영역에서 보다 효과적으로 표현될 수 있음을 알 수 있다. 그러나 죽음에 관한 다양한 제재가 시조의 영역에서 주제화되는 것은 현실적 삶의 태도를 돌아보고, 생의 깊은 이면에 깃들인 인간의 본질적 문제에 관심을 갖게 한다는 점에서 의미 있는 일이다. 셋째, 인간과 신에 대한 근원적 문제를 제기하는 주제의식은 주로 기독교적 세계관을 토대로 창작된 작품을 통해 나타난다. 이러한 주제를 다루는 시조의 경우 속악하고 부조리한 현실의 삶을 방관하는 신의 의지에 대한 항의와 불만, 이기적 욕망으로 인해 고뇌하는 인간의 모습을 그리고 있다 그럼에도 불구하고 기독교적 사유를 바탕으로 쓰인 시조에는 역설적으로 신의 섭리에 대한 순명이 나타난다. 이러한 유형의 시조는 기독교 세계관과 종교적 신앙을 주제로 표현할지라도 시인이 지닌 자유로운 시 정신과 창작태도가 있다면 생경한 종교적 언어에 함몰되지 않고. 호교적 신앙시로 축소되지 않을 수 있다는 가능성을 보여준다. 위에서 살펴본 몇 가지 주제들은 우리 시조의 관심을 피상적인 현실의 문제를 넘어 생의 깊은 국면으로 전환해 그 이면에 깃들인 인간의 자아의식과 고독, 삶과 죽음, 절대적 존재에 대한 물음 등을 다루고 있다는 점에서 시인의식의 지평을 넓히고 현대시조의 주제 의식을 심화하고 있음을 알 수 있다.
This essay reconsiders the subject of Romantic self-consciousness in a post-de Manian perspective. Self-consciousness is an attribute of Romantic lyricism whereby the poetic speaker I remains conscious of how (s)he feels or lives here and now. This self-reflective feature of Romantic poetry has been controversially interpreted either as self-centered solipsism or as self-expressive objectivism. The question is stirring more disputes among Romantic critics after the advent of New Historicism and Feminism. These two historicistic approaches reprove Romantic poetry for a lack of the sense of history and ascribes it to Romantic self-consciousness. They argue that Romantic poets in general displace historical materiality into an object of internal consciousness, so negating absurd social realities "merely to gain their own immortal soul." This essay targets to overcome this negative stance on Romantic self-consciousness with a "subversive" return to Paul de Man's criticism of Romantic internality.
Robert Lowell is one of the major poets in the modern American poetic world. His major work, Life Studies, is a representative of confessional poetry. It presented American spiritual civilization and universality for life from the late 1950s to 1960s. It dealt with the subject of the poet's private life under the psychological pressure. Lowell described his distinctive vision of the relationship of painful world and suffering self in his poetry. An important feature of his confessional poems was the criticism on modern civilization by means of characterization. Life Studies was written as a kind of therapy to overcome his early trauma, as well as the social problems of contemporary Americans which Lowell was confronted with. Through his personal experiences, Lowell exposed and judged the collapse of traditional value and moral confusion in the society. Therefore, he is a poet who opened his own world of poetry with his poetic achievements.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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