The purpose of this paper is to scrutinize how Parks recalling, deconstructing and reconstructing African-American memories of the absences in American history through a black Lincoln impersonator named, The Foundling Father or The Lesser Known. Parks unearths and reconstitutes a significance for the historical event of Lincoln's assassination by repetitive mimicry and verbal puns. As a pun of the Founding Father, the Foundling Father reminds us of Abraham Lincoln, one of the most venerated figures in American history. In the first act, the black Foundling Father performs as The Great Man. This inverted minstrel show of the black Foundling Father performing a white Lincoln exposes the desire of the Foundling Father to insert his narrative within the history of America. With a series of assassinations, the African-American performers figuratively murder the power and control of the American myth. In the second act, his wife Lucy and his son Brazil dig relics from the past out of 'The great hole of history' instead of the Foundling Father. Digging and burial for African-Americans are their livelihood and their calling as well. As Parks pointed out, they should locate the ancestral buried ground, dig for bones and find bones because so much of African-American history has been unrecorded, dismembered and washed out. Parks leaves the possibilities of digging and burying on the black history through Lucy and Brazil.
This study investigates critical fashion and discusses its critical messages, as it challenges the existing system of the fashion industry. This study reviews the literature on critical art and critical design and analyzes exhibition catalogs, magazines, and websites related to critical fashion practices. Thereupon, this study assumes the two distinctive messages of critical fashion design: materiality and experience, and the redefinition of the ideal body. First, materiality and experience pursues a change in perceptions of clothing materials by way of deconstructing clothes and exposing the process of production. This type of critical fashion breaks away from the traditional sartorial conventions and articulates new structures and experiences through dematerialization. Second, the redefinition of the ideal human body attempts to subvert the stereotypes of ideal beauty and introduce a variety of beauty in the human body. This type of critical design reconstructs the human body through transformation, expansion, and deconstruction and is often liberated from the dichotomy of gender norms.
This paper is mainly associated with setting out an agenda for the transformation of security by creating a new framework for a security system, which can maximise its effectiveness. Noticeably, this research shows empirically that crimes are getting a major cost to organisations, which if reduced by security and investigations could reap substantial rewards to the finances of an organisation. However, the problem is that the delivery of security is frequently delegated to personnel (e.g. security guards) with limited training, inadequate education, and no real commitment to professionalism - 'sub-prime' security, finally causing security failures. Therefore, if security can be enhanced to reduce the crime cost, this will produce financial benefits to business, and consequently could produce a competitive advantage. For this, the paper basically draws upon Luke's theoretical framework for deconstructing 'power' into three dimensions. Using this three-dimensional approach, the paper further sets out a model of how security can be enhanced, utilising a new Security Risk Management (SRM) model, and how can this SRM model create competitive advantage in business. Finally, this paper ends with the six strategies needed to enhance the quality of security: refiguring as SRM, Professional Staff, Accurate Measurement, Prevention, Cultural Change, and Metrics.
탈구현상은 허구, 추상, 부재, 변형의 의미를 부각시키며 틀에 박힌 고정관념을 없애고 새로운 미의식을 추구하는 것이다. 이러한 현상은 1990년 이후 현대 패션에서 다양하게 전개되는데 마틴 마지엘라나 앤 드뮬리미스터, 레이 카와쿠보 등의 작품에서 잘 찾아 볼 수 있다. 이들의 작품은 변형과 왜곡, 부조화의 조화, 그리고 양면가치가 공존하는 미적인 특성을 지니고 있는데 이것은 미의 다양한 해석을 가능하게 하며 주관적인 미의식의 근거를 마련한다.
Using the premise that fashion and art reflects the characteristics of its times, this study examines the influence of Anti-form in fashion with a focus on physicality. This study combines literary survey and case analysis of both Anti-form in 1960s and 1970s and the fashion collections since 1970s when the influence of Anti-form began to appear in fashion. The influence of Anti-form focusing on physicality is summarized as deconstruction of garment and visualization of the physicality of material. Deconstruction of garment visualizes the invisible structures of garment by deconstructing, restructuring, and deforming the construction and the shapes of the garment, which is illustrated by visualization of design process, overlapping and fusing of materials, loss of stitches, and use of fabrics with flaws, questioning and destroying the sartorial conventions and aesthetic standards. Visualization of the physicality of material exposes the imperfect inside of garment which is concealed conventionally by presenting unfinished garments with minimized sewing procedure, crumpling and flattening fabrics, rubbing and fading surfaces, pulling threads, as well as using the selvages of fabrics.
20세기 후반을 거치며 환경 관련 이슈는 조경 이론과 설계에서도 중심 주제로 자리잡아 왔다. 환경에 대한 고려를 중심에 둔 이른바 생태적 조경계획 설계는 조경의 패러다임에 일대 전환을 가져오고 조경의 대사회적 역할을 교정했다는 평가를 받고 있다. 그러나 이러한 흐름은 동시대 조경 이론과 설계의 가장 첨예한 쟁점 중의 하나인 생태학과 예술 사이의 이분법을 심화시켰다는 비판에 직면하고 있는 것 또한 사실이다. 즉 생태적 조경은 환경적 가치 대형태 구축, 부지의 생태적 분석 대 창조적 표현이라는 이원론적 갈등 관계를 형성해 온 것이다. 이 논문은 이러한 양상의 생태-예술 이원론을 해체하고 대안적 조경의 지평을 구축하는 일이 현대 조경설계가 풀어야 할 최우선의 과제라고 파악한다. 이 논문은 특히 최근의 조경설계에서 실험되고 있는 경험의 구축, 변화와 프로세스의 고려, 일시성과 불확정성을 존중하는 태도 등을 통해 생태-예술 이원론을 해체할 수 있는 실천적 전략을 모색한다. 뿐만 아니라 그러한 전략에서 드러나는 대안적 조경미학이 최근의 환경미학과 공유하고 있는 이론적 지형을 검토함으로써 생태학과 예술의 접점을 가로지르는 조경설계의 새로운 좌표를 탐색한다.
This study aims to examine the background to the rise of Rei Kawakubo, a Japanese designer who achieved fame by suggesting the concept of deconstruction and recombination of clothes, and to look at environment of the time, the formative characteristics of her design and the Japanese aesthetic sense inherent in her design. As the method of research, collections that Kawakubo unveiled over the past 10 years starting in 2004 were examined, and a survey of the literature was conducted to describe the background of her growth and the Japanese aesthetic sense inherent in the design. According to the study, Kawakubo grew up in the ruins of a war, and went through a time of great tumult, when Western culture was mixing with Japan's traditional culture. She taught herself a method of creation involving the deconstruction of clothes, and their recombination. For this reason, her design from the beginning was inevitably focused on deconstructing clothes before they could be recombined. Through analyses of her collections, it was found that the formative characteristics of her design were characterized by asymmetry, incompleteness, humor and hybridity. Kawakubo created clothes under the influence of an ethnicity that was shrouded in individuality and a traditional aesthetic sense, and the formative characteristics of her design defined by asymmetry, incompleteness, humor and hybridity were closely related to the hybridity represented by Wabi (わび), Yugen (幽玄), Okashi (をかし) and Zakyo (雜居).
This study selected fashion brands claiming to advocate feminism to analyze their characteristics and female images. For the study's data, online foreign feminist fashion brands were sifted from March 2017 to January 2018 and 28 clothing brands were selected. The study's results show that feminist fashion brands aim at the demassification and individualization of fashion products to be more inclusive of individuals' physical characteristics and diversity. Additionally, feminist brands entice consumption through communication and participation in online communities and through the value of social coexistence. The essential female image produced by feminist fashion brands deconstructs a socially idealized female image and expresses a sense of self-body positivity. In turn, the concept of self-body positivity is communicated through natural images of independent women with distinct identities based on differences in race, culture, and sexual orientation. Moreover, feminist fashion brands produce social images featuring independent women using active wear to engage in social activities. Casual wear is also used to reflect active women, while mannish looks and power suits express women's social status and professional abilities. Ultimately, these offer functionally active and rational images, combined with female images featuring long hair and makeup. Yet another type of female image seeks to create a new vision of women as diverse due to their various cultures, countries of origin, races, and individual tastes. These new images express women's physical differences, distinct identities, and diversity while simultaneously deconstructing pre-existing forms of clothing.
The present study aims at exploring in detail the Buddhist worldview and aesthetics of humor in Jo O-hyeon's literary works. This includes the same context as an elucidation of the ways in which his poems closely correspond in expressive forms and thematic contents. It is because, in Jo's literary world, where short poems and prose poems form a contrast, the expressive forms and thematic contents sharply differ depending on the ways in which prajnapti (provisional designation) is either foregrounded or backgrounded. In his literary world, when such a view of language and a worldview based on prajnapti are foregrounded, works that either inherit or play a variation on the fixed structure of the sijo emerge; and when they recede to the rear and are backgrounded, verses in the form of the prose poem are formulated. In addition, in Jo's literary works, where such a worldview of prajnapti and an aesthetics of secular humor intersect together, the thoughts on bheda-abheda(difference-non-difference) and the madhyama-pratipad (middle way) are formed. Such thoughts have considerable significance because they not only harbor a possibility of deconstructing and overcoming the opposition of the sacred/profane but also present a vision of a new unity.
Near / Miss, Charles Bernstein's poetry collection, is replete with poems of distinctive styles and pluralistic forms in his idiosyncratic and artistic cosmos. With poetic antics, queerness, sarcasm, irony, and humor, the book showcases the motif of loss, chaos and trauma in postmodern America and the world. The multiplicity and multi-dimensional $M{\ddot{o}}bius$ effect in Near / Miss echo earlier Bernstein's poems, as well as poems by ancient and contemporary poets, with visual artists and musicians, and rabbis and Jewish philosophers. I argue that Near / Miss offers an apotheosis of echopoetics, which has been launched in his previous book Pitch of Poetry. Poems in the book reveal the dark and thick "pitch," namely the queer, the uncanny, the invisible, the disabled, the dispossessed, and the silenced poetic Other and make it explicit. The estrangement and alienation of $clich{\acute{e}}$ through diverse malaprops, mondegreens, non-sequiturs and fragmentations in Near / Miss aim at deconstructing the fixation of language so as to display the poetic Other. The motif of "nothingness" in echopoetics significantly multiplies its meanings. Nothingness mainly refers to the loss of origin, the defiance of tyranny, and the sublimity of the universe and the poetic Other. Melding his personal loss and misfortune, the current political discontent and the postmodern chaos in America and the world, nothingness in echopoetics resonates with American literary tradition and Zen with a healing and transforming power.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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