People have more expectations for arts and design and accordingly, various artworks were combined with fashion to meet the consumer needs. As people live a decent life, the development of leisure activities and industry has a much effect on apparel. With this phenomenon, a free and active casual look is making progress centering around the practical apparel, pursuing diversified efficiency irrespective of a season and considering sensibility not formality. In this study, paintings of Henri Matisse were analyzed in every respect and were applied in apparel design with diverse color arrangement and a motif originating in the phenomenon of modern fashion design which leads to the integration of arts and design. Painting image and color of Henri Matisse were used. Sportive casual and cultural casual was used in design as well. Originality of its color in the paintings which were used an a motif is coming from Gauguin and Gogh. Henri had influenced to the next generation with pursuit of violent color. The following conclusions were drawn from this study. First, the color of Henri Matisse's paintings has a strong contrast effect. It combines notable violent color with a simple yet decorative motif. Therefore color from Matisse's paintings suit for apparel of marked individuality with its free color arrangement. Second, free and active image in Henri Matisse's paintings is easy to express efficiency and popularity. It accords with the feature of casual wear. Third, through adding a flowing curved line in Henri Matisse's paintings to materials and applying various colors putting into a curved line image to a rib section, a decorative effect which goes with the whole shape is obtained. This study presents possibility of emergence of unique design using free color arrangement and motif from the image of paintings and aims development of modern fashion design in accordance with modern fashion giving importance to the difference and sensibility by integration of modern garments and artworks.
The purpose of this study is to investigate and analyze the compositional elements of plan of art museums by selecting architectural works, which have strong symbolic meaning when evaluating value, from architectural works by Louis Kahn. First, the centrality of artworks, which are being displayed at the Yale Art Gallery, is complex. It includes three patterns of Void (spatial) Centrality+Symbolic Centrality+Functional Centrality among the five patterns suggested in this study. Second, the ratio system of interior space, which is expressed in the extension of the Yale Art Gallery, can be classified into the floor and walls. The floor used the square 1:1 ratio system. The ceiling used the grid patterns of equilateral triangles (regular tetrahedrons). It was applying a geometric ratio system when creating forms by using one side as a beam and the other sides as decorations of the ceiling. Third, the contours of interior space, which were expressed in Kahn's works, used the method of forming separate space according to the contouring rule (structural unit) defined by columns, and they were used in constructing the entire space through the integration of separate spaces. Fourth, according to the characteristics that were expressed by artworks displayed within the Yale Art Gallery Extension, the concept of accessibility was not as clear as that of residential buildings, because an approach of respecting existing architecture and context was used, rather than the starting point of interior space, or differentiated circulation, which has the function of a determined position.
Contemporary Korean art in the 1960s and the 1970s reflects the social and political contexts in Korea from the 5 16 revolution through the Yoo Shin period. This paper investigates whether art has been free from power or not. It examines the power embedded in contemporary Korean art in the 1960s and the 1970s. This paper examines the historical moments of the Korean Art Exhibition, focusing on the complications between the abstract and figurative artworks of the 1960s. One of the significant art exhibitions since the 8 15 liberation of Korea, the Korean Art Exhibition witnessed conflict among Korean artists who wanted to have power in the art world of Korea. Institutional contradiction based on factionalism and conservatism prevailed in the Korean Art Exhibition was attacked by the avant-garde young artists in the 1960s. With the contact of Abstract Expressionism, young artists' generation participated in the The Wall Exhibition. This exhibition challenged and established moral principles and visualized individual expression and creation similar to the Informal movement in the West. In the world of the traditional painting of Korea, the Mook Lim Exhibition of 1960, organized by young artists of traditional painting, advocated the modernization of Soo Mook paintings. Additionally, abstract sculptures in metal engraving were the new trends in the Korean Art Exhibition. In the 1970s, the economic development and establishment of a dictatorial government made the society stiffen. Abstract expression died out and monochrome painting was the most influential in the 1970s. After the exhibition of Five Korean Artists, Five White Colors in the Tokyo Central Art Museum in 1976, monochrome paintings were formally discussed in Korea. 'Flatness' 'physicality of material' 'action' 'post-image' 'post-subjectivity' and 'oriental spirituality' were the critical terms in mentioning the monochrome paintings of the 1970s. 'Korean beauty' was discussed, focusing on the beauty of white which was addressed by not only Yanagi Muneyoshi but also the policy of national rehabilitation under the Yoo Shin government. At this time, the monochrome paintings of the 1970s in Korea, addressing art for art's sake, cutting of communication with the masses, and elitism, came to be authorized.
This paper focuses on the dating and provenance of two paintings, Climbing the hill and View from St. John's Fort by the prominent Singaporean artist Liu Kang (1911-2004). Climbing the hill, from the National Gallery Singapore collection, was believed to have been created in 1937, based on the date painted by the artist. However, a non-invasive examination unveiled evidence of an underlying paint scheme and a mysterious date, 1948 or 1949. These findings prompted a comprehensive technical study of the artwork in conjunction with comparative analyses of View from St. John's Fort (1948), from the Liu family collection. The latter artwork is considered to be depicting the same subject matter. The investigation was carried out with UVF, NIR, IRFC, XRR, digital microscopy, PLM and SEM-EDS to elucidate the materials and technique of both artworks and find characteristic patterns that could indicate a relationship between both paintings and assist in correctly dating Climbing the hill. The technical analyses were supplemented with the historical information derived from the Liu family archives. The results showed that Climbing the hill was created in 1948 or 1949 on top of an earlier composition painted in Shanghai between 1933 and 1937. As for the companion View from St. John's Fort from 1948, the artist reused an earlier painting created in France in 1931. The analytical methods suggested that Liu Kang used almost identical pigment mixtures for creating new artworks. However, their painting technique demonstrates some differences. Overall, this study contributes to the understanding of Liu Kang's painting materials and his working practice.
Purpose: Pediatric palliative care is a rapidly developing multidisciplinary approach that supports children with life-limiting conditions and their families. However, there is limited evidence on how to effectively support bereaved parents and siblings. The purpose of this study is to explore the therapeutic impact of art therapy for bereaved families, in accordance with John Bowlby's four-stage theory of mourning. Methods: This single-case study employed the consensual qualitative research method. Art therapy records of bereaved families were reviewed individually, and records from one case were selected. Verbal statements made during the art therapy sessions and photocopies of the artworks were analyzed to understand the mourning process of the family. Results: A total of 113 statements and 12 artworks from 19 art therapy sessions were analyzed. As the art therapy progressed, each family member exhibited a pattern of engaging in more positive and healthy conversations in daily life, demonstrating the final stage of mourning: reorganization and recovery. The family dynamics also revealed that they reconstructed their inner world and redefined the meaning of loss, which is the final stage of mourning. The art therapy provided a safe environment for the family, allowing them to fulfill their wishes and regain the strength needed for recovery. Conclusion: This study suggests that art therapy supports bereaved families in alleviating their psychological difficulties, engaging in a healthy mourning process, and functioning as members of society. Further research is needed to better understand the effect of art therapy as a bereavement support tool in pediatric palliative care.
이번 연구의 목적은 소설적 분석 방법론인 단성성과 다성성을 인터랙티브 예술 작품에 적용해 관객의 의도와 행동의 의미를 분석하는 새로운 미학적 방법론을 만드는 것이다. 단성성과 다성성은 러시아의 미학이론가인 미하일 바흐친의 개념으로, 주로 문학에서의 화자의 목소리들을 분석하는 방법론으로 사용되었다. 실제 단성성과 다성성의 분석 방법론을 적용해 총 9편의 인터랙티브 예술 작품을 분석한 후 단성성과 다성성에 따른 인터랙티브 예술 작품의 콘텐츠 형상화와 관객들의 경험을 분석했다. 그 결과 다성성의 인터랙티브 예술 작품에서는 비제어형과 제어형의 형태가 나타남을 발견했다. 이러한 사례 연구를 통해 아티스트와 연구자들은 인터랙티브 예술 작품에서 단성적, 다성적인 관객들의 의도와 행동을 분석하고, 이를 통해 더욱더 의미있는 인터랙티브 예술 작품을 제안할 수 있다.
본고에서는 한국의 여성 화가 천경자(1924-2015)의 여성 회화를 중심으로 작품 속 표현된 메이크업의 양상에 대해서 살펴보았다. 천경자는 한국 근대 전통적인 동양화적 중심의 틀을 벗어나 채색화를 구축시킨 대표적인 여성작가로 자신만의 독창적인 기법으로 여성을 주제로 한 작품세계를 펼친 작가이다. 특유의 특징적인 소재의 여성과 꽃을 통해 화려한 색채를 표현하여 자신의 내면세계와 사회에 전달하고자 하는 의미를 분명하게 표현한 것이 특징이다. 여성 인물화를 통해 작품 속 표현된 메이크업에 대해 알아봄으로 다채롭게 표현되는 여성의 메이크업과 인물화 그림을 통해 연관성을 알아보았다. 작품의 특징적인 메이크업의 양상을 통해 표현된 색채와 회화 속 내포된 의미도 살펴본 것에 의의가 있다.
정원박람회에서 정원을 감상한다는 것은 자연에 대한 아름다움과 함께 조형예술로서 정원의 내면에 숨겨진 작가들의 개념과 아이디어들을 감상하는 데 의미를 가진다. 본 연구는 정원에 표출된 조형 매체를 통하여 작가의 의도된 표현 특성을 파악하는 데 목적을 두고, 2018 태화강 정원박람회에 전시된 정원 중 총 20개 작품을 대상으로 공간에서 전개되는 시각적 서술의 조형 구조를 파악하였다. 이것은 조형 구조가 조형 매체와 조형 언어를 통하여 내용과 형식으로 전달되는 특성을 반영한 것이다. 작품에 대한 분석은 정원에 표현된 서사구조로부터 조형 구조인 시각언어와 공간 언어를 통하여 매체의 표현 특성을 파악하였으며 결과는 다음과 같다. 첫째, 상호텍스트성을 통한 매체 이미지는 다수의 작품이 '도형적 이미지(figure image)'를 통하여 메시지를 전달하고 있다. 즉 개념은 매체를 통하여 '실제 대상의 유사성'으로 전달되며, 이에 따른 '의미와 의미작용'을 기대하는 것이다. 둘째, 정원에서 상징성을 보여주기 위한 기호(sign) 특성은 '도상(icon)', '지표(index)', '상징(symbol)'으로 구분하여 추출하였다. 그 결과 대부분의 작품은 '도상'과 '상징'을 통하여 이미지와 의미 사이의 공통된 특성을 표현하고 있다. 셋째, 조형 원리에 따른 공간 구성요소들은 '주체적(dominant)'인 역할과 '종속적(subordinate)'인 역할의 요소들이 개념전달을 위한 주요 인자로 도출되었다. 또한 '중첩에 의한 공간 구성'과 '투명에 의한 공간 구성'을 통하여 개념적 층위를 강화하고 있음을 알 수 있다. 넷째, 매체의 공간 점유유형은 중앙홀형, 통로형, 개실형 등이 주를 이루며, 개실형의 경우 특정한 오브제가 아닌 공간 전체영역을 개념화한 특징을 가진다. 동선의 유형은 순회형, 통과형, 회귀형의 순으로 빈도가 도출되었다. 이와 같은 정원디자인에 나타난 시각적 서술의 표현 특성에 대한 연구는 향후 개념의 시각적 연출을 위한 공간설계 기법의 기초자료를 마련하는 데 의의가 있다.
As our world is becoming more and more globalized, nations tend to turn their interests towards their unique legacy and traditional culture. This research is intended to re-illuminate the Korean beauty through the Lotus Pattern, a traditional factor, from the Chosun Dynasty, and at the same time, analyze how its peculiar representation and figural elements can be reflected in modern fashion designs. The results will be an essential factor in creating exclusive and original designs. Research method was theoretical research from documents and to refer to positive data on preserved relics, and research contents consists of analysis on the use of lotus patterns in artworks that were exhibited during 2000 to 2008 by Korean and foreign artists. Results showed that lotus patterns that were used during the Chosun Dynasty are categorized by shape, composition form, and structural form. Applying these results, a total of 8 works were designed and created.
“The ultimate aim of the anthropology of art [fashion] must be the dissolution of art [fashion].” Alfred Gell, Art and Agency (1998) This study aims to rethink fashion by examining issues that have emerged out of recent writings in the anthropology of art. Since their inaugural coinciding, sound discussions have emerged between the anthropology of art and the art world, addressing such subjects as: ‘artworks and artefacts’, ‘Western and non- Western discourse’, and ‘art and agency’ (Gell 1992; 1993; 1996; 1998). This study is comprised of a series of discussions, the subjects of which follow: the relationship between fashion and art; art and the anthropology of art; and in parallel with this, examining the possibility for an anthropology of fashion. This study employs a qualitative approach based on the discussion of relevant literatures dealing with fashion, art and art theory for its methodology, followed by a brief examination of a case of the Vivienne Westwood exhibition at the Victoria and Albert Museum in terms of an empirical account.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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