• 한국연극학
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• 제52호
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• pp.159-188
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• 2014

Under the influence of postmodernism, modern writing tends to refuse an immediate conveyance of messages achieved by linear, unified writing. Such writing does not attempt any social participation and has no leading ethics, offering diverse perspectives. It simply relies on material property ignoring the 'here and now'. This discussion depends on the sensuous immediacy of works that are pure and uninterpretable, causing the "death of author" phenomena. Although the time was late, since the 1990s, discussion and work on deconstructive theater has been executed in the Korean theater world. This deconstructive work was achieved when lineal narratives were shattered through the shocking insertion of fragmentary episodes and imagery. Moreover, such plays were shocking presentations of severance in conversation; lack of communication; loss of pride and love; and a world devastated by violence and madness. In the 2000s, such a movement helped form a new paradigm in the theater through reinterpretation and parody of traditional dramas, while drawing general attention to postmodern theater. However, as the problems of postmodern theater are perceived through study, the limit of plays with a postmodern tendency is pointed out: such plays merely display 'deconstruction'. This thesis will examine reflective thought on postmodern theater seeking "deconstruction without alternatives" and the aesthetic concept of "le politique" by Jacques Ranciere. It will also look through the overlap of images as interval-estrangement, "lettre morte", and simulacre representing mise-en-scene aesthetics weaving "political writing". This study is meaningful in that it tries to extend the new aesthetic horizon of Korean theater, examining in 2009 and by Koh Sun-Woong in 2011, directed by Park Chung-Hee in 2010 and directed by Park Keun-Hyung in 2009.

• 기록학연구
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• 제20호
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• pp.115-150
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• 2009

연극은 무대 위의 공연자에 의해 공연되는 동안만 존재하다가 공연이 끝나면 사라져버리는 휘발적인 특성을 가지고 있는 예술이다. 작품 자체의 무형적 성격 때문에 이를 기록으로 수집하는 것 자체가 불가능할 뿐만 아니라, 공연을 준비하는 과정에서 생산되는 자료도 단명자료의 성격을 가지고 있어 관리하지 않으면 바로 사라져버릴 가능성이 높다. 이러한 문제의식에서 시작된 본 연구는 연극의 행위과정을 분석하여 생산 가능한 기록, 그 기록이 생산될 수 있는 지점, 생산주체를 파악하고 각 기록의 수집방법을 제시하는 것을 통해 연극의 기록화 방법을 제시하고자 한다. 이러한 방법의 제시는 연극 공연이 끝난 후에 관련 기록을 수집하는 것을 넘어, 연극의 기획 및 준비단계 이전에 기록화 계획을 수립하여 수집활동을 진행하는데 도움을 줄 수 있을 것이다.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제19권11호
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• pp.507-515
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• 2019

인공지능 시대에 탄생한 '로봇배우'가 연극의 특성(종합성, 현장성, 이중성, 계획성)에 미치는 긍정적인 영향은 '로봇'기술자들과의 협업이 이뤄지므로 종합성이 확대되며, 인공지능에 의한 반응이 가능하므로 매 공연에 다른 현장성이 유지되고, '로봇배우'가 '로봇'의 역할을 맡는 '로봇' 소재 작품에서는 한층 강화된 일루전 제공이 가능하다. 하지만 연출자의 독단으로 종합성이 축소되고, '인간배우'가 흘리는 땀이나 숨결까지 '로봇배우'가 해낼 수는 없기에 현장성의 질이 다르며, '로봇배우'에 대한 관객의 입장에서나 '로봇배우' 자체의 입장에서나 이중성은 불완전할 수밖에 없다. 또한 계획성의 범위 내에서 이뤄지는 즉흥이 돌발적 반응으로 전개될 위험성이 크고 그로 인해 '인간배우'의 연기가 제한되는 한계에 봉착할 수 있다. 이와 같은 연구 결과를 토대로 '철학''과학' '예술'이 나란히 인공지능의 발전을 예측하여, 앞으로 나아가야 할 예술·연극의 방향과 정체성을 재정립하는 연구가 필요한 것으로 사료된다.

• 대중서사연구
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• 제25권4호
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• pp.73-108
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• 2019

본고는 'SF연극'의 역사와 현재를 논의하고자 하는 시도이다. SF연극은 대중에게 여전히 생소한 장르로, 연극이라는 장르의 특성상 무대는 과학적 상상력을 펼치기에 적절치 않은 공간으로 인지되었다. 연극에 과학적 상상력을 결합한 작품들이 빈번하게 공연되고, SF연극에 대한 인식이 확립되기 시작한 것은 2010년 이후로, 연출자들은 사실적 묘사를 포기하면서 기술의 진보 속에서 고립되는 인간의 심리와 세계의 부조리에 몰두하게 됐고, 이것이 오늘날 한국 SF연극을 개괄하는 바탕이 됐다. 이를 감안하여, SF연극에 대한 연구사와 개념 변화로부터 출발해 식민지시기부터 현재까지 SF극의 공연 현황에 대해 살펴보았다. 현재 SF연극에 대한 함의는 만들어지는 중이며, SF연극의 역사를 검토한 결과 다음의 문제점을 발견할 수 있었다. 첫 번째는 과학적 개연성이나 합리성과 관계없이 미래 사회를 배경으로 하거나 기술의 진보를 언급하면 모두 'SF연극'으로 명명되기에 과학적 상상력이 부재하다는 것이다. 두 번째는 융합을 강조하는 시대에 과학과 무대를 접목했다는 시도 자체가 높이 평가 받으면서, 소재의 진보성에만 천착하고 세계관은 여전히 퇴행적인 경우가 두드러진다는 점이다. 세 번째는 여전히 극본이 SF의 고전이나 일본 원작에 기대어 있는 경우가 많다는 점이다. 그럼에도 불구하고, 장르물에 대한 젊은 창작자들의 다양한 시도가 새로운 소재를 원하는 동시대 관객과 호흡할 수 있다면, 한국형 SF극의 저변은 보다 긍정적인 의미에서 확대될 수 있을 것이다.

• 한국실내디자인학회논문집
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• 제29호
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• pp.195-202
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• 2001

The stage facilities in the western culture originates in the scientifically planned Open Air Theater built in BC 3C and magnificent theaters built in the era of Rome. These buildings are the remains that reveal popularization of the play. Furthermore, the facilities continued to flourish in the medieval to the Industrial Revolution as stage art actualizing designers' imagination. Diverse systems developed in industrial technology have been transferred to the stage, and the balance between industrial and cultural art has been endeavored to be achieved. The conversion methods of the stage has been developing in various forms. Domestic stage setting arrangement techniques and material exploitation have also been developing. Therefore, in reality, it is very difficult to grasp the definite trend. Additionally, as for the stage system in Korea, plays are dependently directed by directors and stage artists. It is concluded that the current state should be understood based on actual examples to meet solve these problems. The purpose of the study is to provide basic data for stage facilities planning. To do this, how the stage system of large performance halls can be used in accordance with performance condition of the grounds in Korea and frequent scene changes is given a special attention. With this background, the surroundings of the stage and conversion system are examined.

• 한국의류학회지
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• 제34권2호
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• pp.336-344
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• 2010

Stage costumes are characterized by the importance as a medium of total visual expression on a synthetic art and need to be designed more effectively. This study followed the stage costumes of the play 'Long long time ago whuo-ee whuoee' which participated in the China-Japan-Korea University Theatre Festival. By consisting of the framework of a Korean story that tells and expands the visual expression province by the access method of a producer, the unique costume in the play was created by the dyeing of the traditional hangi. First, the use of hanji in theater represents originality and a fresh variation with the formative beauty of stage costumes in accordance with hanji that conforms to the recreation of tradition. Second, the dip dyeing technique made it possible to express colors limitlessly and the airbrush dyeing technique along with dyeing twice could account for the weak points of the color. As a result, the color brought effect as expected. Third, the weak points were supported by a Jumchi technique that created the fibroid material tangled with stronger adhesion in the creation of a hangi costume. In addition, dyed hangi was attached to the outer fabric. It allowed the costume to have a unique texture that was both soft and tough. This enforced the visualization of the costume and durability to prevent possible damage by the performers. Forth, pieces of hanji were attached to the damaged parts of the costume after re-visiting the dress rehearsal. As a result, the stage costumes represented the shabby clothes that express the social class of the characters. A new understanding of the excellence of traditional hanji was found and confirmed the possibility of it as a material for stage costumes through the study.

• 한국인터넷방송통신학회논문지
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• 제20권1호
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• pp.61-67
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• 2020

게임은 여러 장르가 있다. 액션, RPG, FPS, 시뮬레이션 등 다양하며 그 중 스토리를 중심으로 흘러가는 게임은 마치 한편의 영화를 보는 것과 같은 느낌을 주는 게임 장르다. 인터넷 게임 방송인은 스토리형 게임을 방송할 때 영화관에서 영화를 상영하는 것과 비슷하다고 볼 수 있다. 영화관과 다른 점은 시청자들에게 직접 플레이를 보여줌으로써 스토리에 일정 부분 관여할 수 있다는 점이다. 방송 소재로써 스토리 게임은 좋은 수단이지만 게임 제작사 측면에서 스토리가 인터넷 방송으로 공개되는 점은 게임을 구매하지 않고 스토리를 즐길 수 있어 판매수익에 부정적인 영향을 끼칠 수 있다. 본 연구는 저작권이 문제될 수 있는 스토리형 게임을 제작자와 인터넷 방송인 간의 조정 현황을 분석하고 같이 나아갈 방법을 제시하고자 한다.

• 복식
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• 제54권3호
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• pp.65-71
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• 2004

Surgical operating gowns are worn by doctors and nurses in operating theater to address dual function of preventing transfer microorganisms like bacteria and body fluids from the operating staffs to patients. and also from patients to staff. They must allow necessary mobility without rubbing and must resist tearing. These gown must be designed to fit a diversity of body shapes and sizes with a limited range of sizes as hospitals will stock limited quantities. Also they must proper in various operating situations. In order to suggest improving design features of surgical gowns, it has been done to analyze current situation of medical uniform manufacturing and wearing. Surgical gown were made with plain fabric of cotton 100% and had a little size system without sexual division. Many doctors were unsatisfied with surgical gown size and wearing comfort. Surgical operating gowns need continuos research for new material and design as surgical situation, and new sizing system.

• International journal of advanced smart convergence
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• 제8권3호
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• pp.167-176
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• 2019

Building skins are expanding even beyond theirfunctions as a simple boundary between the exterior and interior and into the realm of linguistic functions thanks to the development of media art. LED has been used as material on outer walls following the advancement of building materials, so the outerskins of large buildings are evolving into a messenger of language capable of communication. In big cities, buildings send out video images to enable communication between people and architecture, which plays a huge role in determining the identity of a building beyond simple advertising. Such media fa?ade technologies can be understood based on the concept of outerskin change, which refers to the idea that animals change the colors or textures of their skins to show their various states. In addition, various message delivery functions in human clothes should be included in such a discussion. We need to research on the possibilities of seeing media facades for their information delivery function and expanding them into information delivery between buildings as well as just between buildings and people.

• 공연문화연구
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• 제36호
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• pp.693-724
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• 2018

이 글은 굿의 공연화 방법을 모색하기 위하여 시작되었다. 그 방법을 찾기 위해 먼저 지금까지 이루어졌던 굿공연을 정리해야 했다. 무엇보다 공연의 미덕은 '다양성 창출'이라고 생각하기에 기존의 공연 문법을 정리하고, 이와는 다른 길을 모색하기 위함이었다. 그러나 1980년대부터 본격화된 굿공연을 정리하는 것은 생각보다 쉽지 않은 일이었다. 기존에 한 번도 정리되지 않았기 때문이다. 그러기에 본 연구자의 직 간접적인 경험에 의거하여 중요한 공연들을 시대순으로 정리해보았다. 무엇보다 공연을 가능케 하는 것은 그 공연의 기획자(때론 개인이 아닌 그룹일 수 있고, 때론 기관이다)이기에 이들을 주목하였다. 전국민속예술경연대회, 공간사랑, 굿학회, 마당세실극장, 서울놀이마당, 국립국악원이 굿공연의 중심 공간 및 기획 주체였다. 굿공연사 기술은 그 자체로 가치있는 작업이다. 그러나 이 작업은 개인의 노력으로 하기에는 방대한 작업이며, 그 가치의 확산을 위해서는 공공프로젝트로 진행해야 한다. 이에 본고는 이에 대한 필요성을 제기하고 있다. 한편 본고는 앞서 말했듯이 굿의 공연화 방법을 모색하기 위한 전제조건으로 굿공연사를 기술했다. 시론적으로나마 굿공연사를 정리하니 대부분의 공연이 굿을 하는 이들이 공연 주체가 되었고, 그로 인하여 굿공연의 방식은 원래의 굿을 그대로 시간에 맞추어 실연하는 방식을 크게 벗어나지 못함을 알게 되었다. 이에 굿을 소재로 다른 방식의 공연을 하는 마당극패 신명과 연희패 The광대의 작업을 소개하였다. 이를 통해 총체적으로 얽혀있는 굿의 공연요소들이 잘 가공된다면 굳이 '재현'의 방식이 아닌, 새로운 공연으로의 소재나 메타포가 될 수 있을 것으로 기대하였다.