The following summarized argument is the comparative research of the characteristics of automatic techniques demonstrated in the mixed expression of foreign language and Korean language in Lee Sang's poetry. Our research examines the use of foreign languages such as French and English shown in Lee Sang's poems, and then, recognized the characteristics of the automatic techniques demonstrated by the parallel marks and signs of Korean language. The automatical technique's element that Lee Sang made use of is a language of loanblend, consisting of free use of French, English, Japanese and Korean. The mathematical and geometric figures such as numbers and shapes can be seen as an important poetic language. In Lee Sang's poetry, the French words "AMOUREUSES" and "ESQUISSE" and English words "I WED A TOY BRIDE" are considered as parts of Korean language. The use of foreign language is seen by the readers as encodes of a unacquainted language and it provides rhetorical characteritstics that gives off profanatory feeling about the poetry. The poet is seen to have created a new poetic language that excess the standards of the limitations that Korean and Chinese marks have through the application of polysems and poliphonyic effects that foreign languages have. The mathematical and geometric signs are Lee Sang's special experimental elements that can't be seen in other literary poetries. They are conversational and the requirements for the expression of abstract artistry and esthetics. The language used in his poetry are external to those traditional poetic languages and they mix freely with other poetic elements to become an automatic technique used in the writing. Lee Sang's techniques can be considered as the pursuit of defiance and departure, freedom about literature and artistry. Moreover, the avant-garde expressionism is the literary form that demonstrated the sense of inferiority, nervousness and loneliness risen from physical pain and the abnormal relationship with women in the poet's personal life. The technique shows the longingness of the the Western culture and literature that lay dormant in the poet's consciousness and it is also the expression of ingenious that created the new guide in the Korean poetic literature, exceeding the European surrealism. Lastly, the automatic technique images that are demonstrated by the mixture of the foreign languages and Korean language are the creations of an innate poetic language and poetic literature that can't be imitated by anyone in Korean literature.
Starting as a poet, I learned about the sounds of words with David Abercrombie. Then, remembering my background in physics, I moved to studying acoustic phonetics and speech synthesis. From there I learned about psychology and how. to test perceptual theories. A meeting with a physiologist led to work on the use of the respiratory muscles in speech. Later I landed in Africa teaching English phonetics and learning about African languages. When I went to UCLA to set up a lab I was able to find bright students who helped make computer models of the vocal tract and taught me linguistic theory. And I was able to continue wandering around the world, describing the sounds of a wide range of languages.
현대의 디자인은 자연과 생물 형태를 지닌 것에서 주로 시작되면서 점차 디자인 대상은 한계에 부딪혀 디자인은 형태에서 감성을 담는 것으로 변화하였다. 하지만, 개인적인 감성은 대중의 공감을 얻기는 어렵다. 따라서 연구자는 이미 대중적으로 사랑받고 있는 대상을 선정하여 금속조형으로 시각화 하고자 했다. 연구자가 선정한 시각화 대상은 한국인이 가장 사랑하는 시인인 윤동주의 '별 헤는 밤' 으로 시각화하기 위한 미적요소는 선행 연구된 문헌들을 통해 미적요소를 선정하고 이를 금속과 원석, 착색기법, 세공 등을 응용하여 제작하였다. 그 결과 윤동주 '별헤는 밤'의 시어 속에 내재된 감성을 객관적으로 이해하고 미적요소를 선정할 수 있어 감성적으로 객관성을 잃지 않았으며, 완성된 금속조형물 속에서 윤동주의 '별 헤는 밤'의 깊은 감성과 금속조형물의 아름다움을 함께 느낄 수 있었다. 이를 통해 무형의 대상을 형태화할 수 있는 가능성을 제시하는 계기가 되었다.
한 편의 시를 대하는 마음은 읽는 이의 감정상태에 따라서 작가가 전달하고자 하는 심상이 각각 다른 빛깔의 색으로 나타난다. 시는 세상과 작가의 세계를 이어주는 텍스트이자 하나의 다리이며 그 관계 속에서 활자를 통한 커뮤니케이션이 일어난다. 현대의 타이포그래피는 인터넷과 영상매체의 발달에 따라 그 응용 범위가 매우 방대하여지고 있으며, 표현방법 또한 다양한 소프트웨어의 지원으로 타이포그래피는 이미 움직이고 변화하여 마치 살아 숨쉬는 듯한 유기적 언어로 거듭나고 있다. 움직임과 시간, 공간을 연출하는 하나의 영상언어로서의 타이포그래피와 유사한 구조적 특성과 한글 글자체 고유의 조형성을 지니고 있다. 특히 기존의 시들이 의미를 함축하고 있으나 서술적 구조를 지니고 있음에 반해, 한글구체시에 나타난 활자는 한글의 고유의 조형성에서 빚어지는 다른 영역의 시이자 하나의 비선형구조의 타이포그래피적 형태를 보이고 있다. 이에 본 연구에서는 한글구체시를 한글 타이포그래피의 조형성과 함께 비선형구조를 분석하여 봄으로써 타이포그래피의 연구 영역을 넓히고, 문학의 시각화의 시도로서 그 의의를 찾을 수 있다.
This article proposes to stay away from contemporary critical arguments concerning Michael's value system, which is construed mainly from his choice between his patrimonial lands and his son Luke. Presuming that Michael's value system as have been argued so far could never be the poet Wordsworth's own concern at the time of the composition of the poem "Michael," this article proposes to get back to the all too real socio-historical situation of the early nineteenth-century England. Mere consideration of the socio-historical situation, when combined with a close reading of the poetic text (a close reading of both the poetic story and the poetic history from which the story may be said to have been constructed), directs us to the poet working on the simple paradigm of 'the country and the city at war with each other' but the victory having been given to the city already. The guarantee contract for a supposedly prospering nephew's debt and the letter from another prospering relative in London are undoubtedly the key elements that lead us to the war paradigm. Michael's family members, each and all including Michael himself, and all of their village people, have been imbued with the city's commercial values, which renders them all the more easier victims within the war context. Luke's defeat in the city is viewed as being really the consequence, rather than the cause, of Michael's defeat, which became apparent as soon as the news of the latter's financial disaster reached his ear. Michael should therefore be regarded as one of the typical English countryfolk of the time, with whom Wordsworth often, but not always, identifies himself. Insofar as the economic view or attitude is concerned, there certainly is a distance between Michael and Wordsworth, this article argues.
This paper aims at investigating Dorothy Wordsworth's later conversation poetry, which has not been the focus of critical discussions on her literary works. While many critics have been emphasizing Dorothy Wordsworth's journals and the tendency of self-effacement in her prose, this paper argues that her later poetry often reveals acute self-consciousness about the circumstances that condition this self-annihilation and searches for a creative way to endorse her own identity. In "Lines Intended for My Niece's Album," she expresses anxiety and uncertainty about the inclusion of her poetic piece in Dora Wordsworth's album, which contains poems by prominent male writers of the contemporary period. "Irregular Verses" presents Dorothy Wordsworth's self-conscious narrative of her girlhood and shows how her own ambition to become a "Poet" has been stifled by external circumstances, including the ideology that instills the idea of proper womanhood into aspiring girls. While these poems examine contemporary gender discourse and the frustrated poethood resulting from it, other poems activate conversations with William Wordsworth's poems and thereby provide a revisionary re-writing of her brother's texts. For example, in "Lines Addressed to Joanna H." Dorothy Wordsworth becomes "a woman addressed who herself addresses others." Her scrupulous approach to her own addressee refuses to subordinate the other to the self's will, and through this revision of "Tintern Abbey," Dorothy Wordsworth vicariously liberates her own self confined in her brother's poems. "Thoughts on My Sick-Bed," which echoes "Tintern Abbey" through borrowed phrases and direct address to William Wordsworth, foregrounds her own poetic identity in the form of the first-person pronoun "I." Dorothy Wordsworth's continual illness during this period of her life paradoxically allows her the time for personal reflection formerly denied to her in her busy life constantly occupied by physical and spiritual labor for others. Instead of earning satisfaction from the subsumption of her creative energy under William Wordsworth's poetical endeavor, Dorothy Wordsworth finally starts to affirm her own poetic identity that can properly express her inner vision and artistic talent. Although this final affirmation remains largely incomplete due to her later mental collapse bordering on madness, it powerfully conveys the hidden literary aspiration of the formerly frustrated female poet.
In The Great Hunger (1942) Patrick Kavanagh opens an Irish postnationalist discourse. Taking advantage of historical revisionism and postcolonialism, he not only demystifies a romantic nationalist ideology rooted in rural Ireland but also searches for an autonomous literary tradition free of the Irish Literary Revival, supposedly an outcome of a colonial influence. As a farmer-poet, Kavanagh deconstructs in two ways myths of rural areas, to which the Revivalists aspire. Contrary to Revivalism, he reveals that rural Ireland is not an idealized place where national identity arises and individual spirits are restored. It is instead a cruel place where farmer Maguire, deprived of health, wealth, and love, is tortured by hard labor in the field, moral regulations imposed by the Church, and his mother's domestic authority, all of which leave him unmarried until age sixty-five. Kavanagh also challenges the Revivalist tradition, led by W. B. Yeats commonly referred to as the poet of the nation, by indicting its reliance on former colonial authority and its lack of a sense of communal autonomy, both of which are diagnosed as "provincialism" by Kavanagh. Given that modern Irish literature has been strongly colored as nationalistic during the course of anticolonial resistance, Kavanagh's critique of the Revival in The Great Hunger, whose proponents blindly beautify the lives of farmers, runs directly against the grain of the founding ideology of the Irish nation-state. His voice, like that of a whistle-blower, disclosing the harsh realities of rural Ireland, ushers in a "post"-nationalist perspective on nation and national myths in Irish poetics.
In Christopher Marlowe's Cambridge days in the 1580s, the British forward wits were engaged in the curious pursuit of magic and occult philosophy in order to discover the mystery of things. Magic, together with judiciary astronomy, astrology, mathematics, and logic, was one of the most practical disciplines. Marlowe, Shakespeare, and Jonson demonstrate their deep interest in magic and its language of spell and charms in the light of their analogical application to the alchemical theatre. As Shakespeare says that the poet, the lover, and the madman are of the same because they give forms to airy nothing, a magical illusion is, for the three playwrights, similar to the theatrical illusion in that both magic and theatre work in and by a language and both give us sportive pleasures through the deceptio visus. However, while Jonson is rather puritanically antagonistic to the illusive language of alchemy and magic, Marlowe and Shakespeare are attracted to the rapturous nature of the absolute language of magic. Doctor Faustus' indulgence in magic stands for the Marlovian aspiration for the absolute language which allows no discrepancy between thinking and willing, conceiving and actualizing. His uses of spells, charms, anagrams, and magic books are transformed and translated in the play into an alchemical theatre. Faustus is dependant on and bound by his books of magic, as is the actor on the stage. Faustus is the poet condemned from the beginning. Though he is mistakenly thinking that it is he himself that manipulates Mephostophilis the magical agent, it is otherwise. Faustus is a shadow or an actor in the Elizabethan language. He remains a farcical figure during the twenty-four years which are given to him for his sensual dalliance. Marlowe never forgets through his farcical clowning to satirize such Catholic rituals as exorcism and benediction for their illusive theatricalism. The sports of Faustus' playacting and play-directing rise at the last hour to the height of a tragedy. Ironically Marlowe the playwright succeeds as a tragedian at the point where Faustus fails as a magician.
This paper attempts an allegorical reading of female sexuality in Henry James' The Aspern Papers, wherein the narrator reveals his obsession with the love letters of the dead poet, Jeffrey Aspern. Not only the old papers, but does he also fetishize female protagonists in order to maintain his belief in the "great poet." Discussing such fetishistic elements in the novella is in order firstly to reveal the self-splitting logic of phallocentric language, and secondly to analyze the limitation of such language, which resonates with the Freudian construction of female sexuality as critically presented by Irigary. The first part of this study explains the binary structure of The Aspern Papers crystalized in the symbolic courtship in the Bordereaus' garden. It also represents the psychological mindset of the narrator/protagonist: symbolically located "outside," the narrator describes the two Bordereaus as being closed "inside" in a dark mansion, concealing the precious papers from him and the public. In other words, the women are nothing but the obstacle for the self-elected agent, the narrator, from the publication of the language and ideas of the "great man". The women are associated with secrecy and surreptitiousness, while the man with transparency and the truth. Second part of this paper mimics this In/Out binary as a means to reveal insufficiency, if not impropriety, of the predominant discourse of female sexuality constructed and controlled from the male perspective. Employing Irigary's argument, this paper reads the female characters as allegory for female sexual organs, which explains the narrator's inevitable failure. That is, female sexuality is something that cannot be articulated by the intruding language of a masculine subject. since the female sex as such is not only plural but also harmonious and self-contained,
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[게시일 2004년 10월 1일]
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