Ukiyo-e is the representative genre-painting of Japan, dominant during the 17th century Edo-Period (1503-1867). Ukiyo-e is mainly focused on expressing the lives of geishas, sumo wrestlers, and kabuki characters, who were the center of the Japanese amusement culture, and gained popular acceptance in Europe when it was first introduced in the late 19th century in the form of Japonism, having significant influence and impact on the impressionist artists of the time and on the design of western cloths. In this papers, we will be primarily conducting a historical study on the development of the Ukiyo-e, a representative genre-painting of Japan, and conduct a in-depth analysis of pattern expressed in the Kosode of women, represented through various different works of art. In order to conduct a thorough analysis of pattern expressed in Ukiyo-e, we collected over 255 pieces of materials from existing foreign paintings as well as museums in the National Museum of Tokyo, Edo Museum, and the Harajuku Museum of Ukiyo-e. This papers seeks to analyze and classify patterns expressed in the works of Ukiyo-e and research the characteristics express in the pattern to contribute to the development of fabrics in the modern fashion design industry.
Dahoe is a traditional Korean term for cords and Dongdahoe for round cords. The main purpose of this study is to analyze the structure of a semi-automatic loom depicted in the paintings of Jun Geun Kim, and verify whether it actually worked or not. Jun Geun Kim is a genre painter of the late Joseon Dynasty. His nom de plume is Gisan and he drew genre paintings for foreigners who visited Korea in the late 19th century. These paintings are important in understanding the lifestyle and custom of the times. His paintings at the Staatliche Museen zu Berlin in Germany and the British Museum in England both depict a semi automatic loom that operates two looms at the same time. This is a unique loom that is not found in any other country and currently no artifacts of such loom exist in Korea. The study went through the following steps: We first analyzed the structure and the operating mechanism of the loom in the painting. The structure of each parts and their roles were also analyzed. Then a loom that was similar in structure and size was made to check if it was operational. The loom depicted in the paintings had some problems, and adjustments to fix the said problems were made accordingly. Wood was primarily used to make the $80{\times}90cm$ loom. The loom was used to make Dahoe and the study confirmed that there were no differences between the handmade Dongdahoe and the Dongdahoe made with the semi automatic loom.
The Chosun Dynasty in the $18^{th}$ century was a period of revival for science, art, and culture, bringing about Silhak(practical science), a new trend in the history of Chosun thoughts. In the history of fine arts, realistic landscape paintings and genre paintings were popular as realism became prevalent. From the aspect of food culture, in particular, the luxurious and elegant Korean-styled food culture was completed during this period. Iwanwasuseoksihoedo was painted by Jeong Hwang (1735-1800) in 1789, depicting a banquet on an elder's $60^{th}$ birthday. It is classified as a genre painting in the late Chosun Period but it contains things that comes into our heart, which are white porcelain with blue celadon pictures, white porcelain bowls, busy atmosphere of a banqueting house where food is being carried in a hurry and elders' serene appearance. All these things show the abundance of life, the room and comfort of old ages, and the beauty and relish of life in the well-arranged living ground. Hoehonyedo was painted on an elder's $60^{th}$ marriage anniversary by an unknown artist presumably in the $18^{th}$ century is a painting as realistic as a documentary photograph. The work gives viewers pleasure and comfort because it describes not a mighty clan but the superb later years of an official who had lived right and upright life. In the aspect of food culture, it displays the food culture of the splendid sixtieth marriage anniversary of a Korean official through noble etiquette among family members, seat planning, unique table culture and high quality tableware including white porcelain with celadon pictures and pure white porcelain.
This paper is about bridegroom's wedding robe, danryung(團領, a kind of official uniform) which can be found in the scenes of wedding ceremonies such as Chohaeng(初行, a ceremony that the bridegroom goes to the bride's house for wedding) and Hoehonrye(回婚禮, a ceremony that celebrates the $60^{th}$ wedding anniversary) in the genre paintings from the $18^{th}$ century to the $19^{th}$ century. In the documents of the $18^{th}$ and the $19^{th}$ centuries containing the wedding information of that period, danryung was described in various red tones ranging from Ja(紫, purple), Gang(絳 crimson), to Yeonhong(軟紅, pale pink). Similarly, red danryung(紅團領) was seen most frequently at the Chohaeng sights of the genre paintings. On the other hand, it was often depicted that the bridegrooms put on various colored danryungs at Hoehonrye. This was because bridegrooms at Hoehonrye wore their full dress according to their official ranks. In the genre paintings of the 18th century, all bridegrooms wore simple danryungs without hungbae(胸背, official insignia panel) except those in Hoehonrye painting where officials used hungbae. On the contrary, hungbae was discovered in the $19^{th}$ century Chohaeng paintings even though it was not precisely painted. This change of the bridegroom's danryung with hungbae attached was related to that of the official uniform system itself, in which black danryung with hungbae was exclusively used for officials. Afterwards it became the basis of the blue danryung of the present day.
'Fantasy', the central notion of this essay, is discussed here more as a new paradigm in order to describe the structure of a work of art than as a stylistic characteristic proper to a specific genre of art. It means the whole situation and experience produced by two connected terms 'corporeal subject - screen'. Roland Barthes explained the 'semiographic painting' by Andre Masson as a field in which happens a certain connexion between the impulse of subject and the image, which views the painting not as a physical object but as a 'cinematic screen' ; painting may be redefined as a dream or a fantasy of the corporeal subject. And such an idea of 'art as fantasy' is closely related to the recent theoretical attempts consisting in abolishing the vision-centered conception of art since Renaissance. In this essay, the notion of fantasy as an aesthetic model is sketched by means of the Freud's notes on the fantasy 'A child is being beaten' and Lyotard's more advanced analyse on its attributes and operations. In Lyotard's analysis, fantasy is defined as a 'bloc' or a 'matrix-figure' featuring simultaneous conversion between the active and the passive, sadism and masochism, and coexistence of imcompossible meanings. In this sense, fantasy may be given to us as an analogical model from which we can outline the aesthetic characteristics of electronic media art involving virtual reality and interactivity.
최근의 VR 기술을 애니메이션 영역에 적용하는 것은 필연적인 추세로 보여진다. 이러한 VR 기술을 기존의 수묵애니메이션에 활용하면 평면적인 예술 작품이 새로운 서사방식과 시청각 언어를 갖추어 새로운 애니메이션 장르로 갖추게 될 것으로 보인다. 하지만 새로 개발하는 것이 아닌 기존의 평면적인 수묵 이미지를 360도 화면에 배치하기 위해서는 기술적으로 많은 어려움이 존재하는데 기존에 제작된 수묵 애니메이션의 배경 수묵 이미지에서 거리의 깊이에 따른 레이어 추출과 360도 공간에 이들을 깊이에 따른 곡면에 배치를 통해 VR 공간에 깊이감을 부여하는 VR수묵 애니메이션을 제작해 보려하였다. 본문에서는 기존의 수묵화 이미지에서 원경, 근경, 중경 레이어를 추출하는 과정에서 발생하는 문제점을 살펴보고 이를 해결하기 위한 접근 방법들을 찾아보고 제시해보려 하였다.
21C는 디지털 시대로 3D문화의 발전과 예술문화의 발전으로 예술영역이 다양해지고 있으며, 바디아트의 한 분야인 바디페인팅 또한 3D와 접목되고 3D로 표현되는 UV바디페인팅은 시각적으로 가장 극대화 되는 한 장르이다. UV바디페인팅은 단파장과 장파장의 원리를 통해 입체적으로 보여지는 빛을 결합한 과학적인 페인팅기법으로 8가지 색상으로 일반 수성물감보다 색이 한정되어 있다. 본 연구에서는 바디페인팅에 대한 이론적 고찰과 UV바디페인팅의 특성을 파악하여 시각적 효과의 이론을 정립하고자 한다. 또한 연구자가 제작한 점, 선, 면의 UV바디페인팅의 작품을 제시하여 3D원리를 통한 시각적 효과에 대한 결과를 분석하였다. UV바디페인팅은 발광물감을 이용한 페인팅 기법으로 블랙라이트로 인해 UV물감이 발광하고 단파장과 장파장의 원리를 통해 3D로 표현되며, 일반 바디페인팅과는 달리 점과 선에 의한 디자인 형태에 따라 입체적인 작품의 효과를 얻을 수 있었다. 효과에 나타난 특이점은 점, 선, 면 중 점과 선에 의한 페인팅이 3D효과가 더욱 뚜렷하였으며, 면에 의한 페인팅은 3D효과보다는 인체의 움직임으로 모티브 자체의 변형이 이루어짐을 알 수 있었다. 따라서 UV바디페인팅 3D시각적 효과는 디자인에 의해 다양한 표현이 연출되어진다. 본 연구를 통해서 바디페인터들의 실무적인 기초자료로 활용되기를 기대하며 추후 이에 따른 지속적인 연구가 이루어지기를 바란다.
In this dissertation, the analysis of the study of female customs from late Joseon Dynasty and their genre painting to research humors and its aesthetic senses in that certain era. The purpose of the genre paintings is to look at general populations in an objective point of view and endeavor better value of public life style to embody clear understandings of humanity. The artists such as Hong-Do Kim and Youn-Bok Shin expressed their arts based on reasonable reality with sarcastic but humorous and creative ways to criticize the society's problems with clear statements. Therefore, the formative characters are realism, exaggeration and coloring of the whole arts that represents as innovative and original genre of it's time. Hong-Do Kim and Youn-Bok Shin expressed the women in society as open minded with versatile and refined looks in their paintings as the reality was repressed and closed mind for women figures in late Joseon Dynasty. The female customs in the paintings has both suppression and expression in their dresses and exaggerated shapes of accessories and the use of color were also found. All of these elements has the aesthetic values of satirized eroticism, the hint of next evolution of the late Joseon Era under the conservative disposition of social characters and freedom of expression of playfulness. These elements were new developments and a step forward of female 'sex' and expression of satirized eroticism. The exaggerated and distorted forms and accessories demonstrates unbalanced and asymmetrical elements in humorous characters and they include spontaneity. Also, using the five traditional color schemes of Korean art displays humor in playfulness of an art with splendid and purity, duality of positiveness and artless, smart and elegance looks.
Capriccio which has emersed in Italy of the 18th century is a new genre of the landscape painting. This genre represents reality, but it is very artificial product correspondingly its concept and character. It's birth place is distributed on various regions in Italy, but the main stage was Rome. Till the middle of the 18th century Rome was the Holy city of the Grand tour, the home of the Neo-Classicism and furthermore the field where archaeology and art history began to be instituted. On such historical situation the Capriccio came out and was recognized as the best popular genre in the visual art. It was favor of the art collection with the antiquity together and reflected the consciousness of the contemporary to the ancient. This study will examine the phenomena in the newly-developed archaeology and with few representative works of Giovanni Paolo Pannini as central term consider the Capriccio and the archaeological connotation. The systematical and institutional archeology which appeared at the age of the Enlightenment, on the contrary to the critical theories at the same time against capriccio, because it was regarded by them as paradoxical and too much sensitive, utilized it as a theoretical method very actively. Some among Historians and archaeologists did it, especially Francesco Bianchini distinguished the capriccio from simple imagination and made it a capacity of the knowledge. And through it he wanted to find out the historical truth. The visual art was influenced and encouraged by such attitude of the archaeology. However it's output spreaded out in various courses. While Giovanni Battista Piranesi, the best known Capriccist of the 18th century, tried to revive the antique through the epical value and his own imagination, Pannini gave priority to the strict historical research. In the such context Panni succeed Giovanni Battista Nolli who made the great map of the city Rome. Their Capriccio profited motive and was inspired by the historians and archaeologists such as Bianchini and Muratori. The Capriccio reflects not only the academic and popular interest for the antique, but also influenced on the upcoming scientific archaeology vice versa. It caused by their reasonable Interpretation and restoration of the antique through the visual medium. Finally as archaeological landscape Pannini's Capriccio is a historical case, in that the Capriccio applied the theoretical method of the archaeology to make art. It served as a momentum for the connotation to the archaeological thought.
현재 우리는 창작도구로서 컴퓨터와 창작자로서 컴퓨터 사이에 서 있다. 또한 포스트 시네마적 상황이라 할 수 있는 새로운 장르의 영화들이 등장하고 있다. 본 논문은 AI 시네마의 출현 가능성을 진단하고자 한다. AI 시네마의 가능성을 확인하고자 영화 창작의 필요조건이라 할 수 있는 스토리, 서사의 창작, 이미지의 창작, 사운드의 창작이 인공지능에 의해 가능한지 사례조사를 통해 살펴보았다. 먼저 AI 페인팅 알고리즘인 Obvious, GAN 및 CAN의 시각이미지 생성을 확인했다. 둘째, AI 사운드, 음악은 이미 인간과 협력하여 유통 단계에 들어섰다. 셋째, AI는 이미 드라마 대본을 완성 할 수 있고, 빅 데이터를 활용한 자동 시나리오 제작 프로그램도 인기를 얻고 있다. 즉, 우리는 필수적인 영화 제작 요구 사항이 AI 알고리즘으로 충족될 수 있음을 확인할 수 있다. 마노 비치의 'AI 장르 컨벤션' 관점에서 웹 다큐멘터리와 데스크톱 다큐멘터리는 포스트 시네마로서 AI 시네마의 대표적인 장르라고 할 수 있다. AI, 웹 다큐멘터리, 데스크톱 다큐멘터리가 존재하고 있는 환경이 동일하기 때문이다. 본 논문은 포스트시네마의 창작자로서 AI에 대한 연구를 통해 4차 산업혁명시대 영화라는 매체가 개척해야 할 새로운 길을 제시하고 있다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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