This study emphasizes users' participation, a living-transforming visuality, as users have appeared to be a central element of landscape design but ignored before. Also this study tries to propose meaning of extended visuality in contemporary landscape design on the basis of visual criticism on simple perception-and contemplations convention-based landscape design. For these purposes, this study reviews characteristics of visual changes appeared in modern reductionist paintings. In other words, arts can be interpreted in polysemous ways through bodies' experience. Deconstructive concepts derived from the theoretical reviews can be categorized into three including the participation of the users' bodies from a contemplative point of view, textuality and intertextuality, and experiences from works. Those concepts were used to criticize the previous discourse on landscape designs and to analyze various issues in the theories, themes and techniques in contemporary landscape design. The significance of the expanded visuality in contemporary landscape design is that it brings the users' voluntary participation. This structure can serve as a tool to obtain the users' perceptive effects. At the same time, it can be regarded as a process of establishing the relationships between the users and the works. Thus emphasis is placed not only on the influences of the effects structure of the works themselves, but also on the many different dimensions related to the users' bodies. It implies that the meaning of design is not determined by the designer but a product resulted from the voluntary relationships between users and works. These findings lead to ambiguous distinctions between arts everyday life, and eventually to the end of the concepts of formative dichotomous aesthetics and their effectiveness. Finding of this study call for not only redefining the space where landscape design is created and communicated, but also reconsidering the concepts of landscape design and its ontological meanings.
Body painting according to physical types is a method to express the body as it exists in nature or as an active element of nature. There is a need to research physical formation that applies the trend of contemporary naturalism to the types of nature art by emphasizing the artistic value of body painting with natural environmental overtones. Importantly, body painting according to physical types attempts an intact reproduction of natural objects and the reflection of the beauty of natural objects in body painting. Thus, the purpose of this study was to analyze body painting according to physical types based on the types of nature art. The methodology of the study included theoretical and empirical review. Theoretical review examined the characteristics of physical formation in nature art and relevant nature art works and body painting of physical types through previous research and literature. The empirical review applied analyses to works extracted from web sites of body painting. The study included physical type cases extracted from body painting works from 2005 to 2015 in foreign web sites(www.ilovebodyart.com and www.angel cakebodyart.com). Body painting works were based on the characteristics of physical types. As a result, the body painting of physical types based on nature art is as follows. First, organic continuity with nature art through the artists'thoughts and beliefs. Second, the specificity of place that respects the natural phenomenon itself. Third, the creative diversity of formative shapes for the body. Fourth, the social implications of body painting with human empathy. Fifth, immediacy to embody the artistic will of the artist. Finally, the application of physical types according to affinity with nature, as well as an independent artistic entity.
본 논문은 외부 설치 금속조형물의 디자인 방법론에 대한 연구로부터 시작되었다. 디자인의 범위와 의미가 커지면서 외부 설치 조형물에도 디자인의 개념이 사용되고, 조형물에 주변환경에 어울리면서 설치환경의 이야기를 담고 있는 조형물 디자인이 요구되고 있는 실정이다. 이러한 개념은 전문가들 사이에서만 환경조형물이라고 정의되고 있다. 환경조형물의 개념은 아직은 대중적이지 않고 학문적 연구 또한 미흡한 상태이다. 이에 연구자는 외부 설치 조형물을 환경조형물로 정의하기 위해 굿디자인의 개념과 조건과 환경조형물의 개념과 역할을 이론적 배경으로 알아보고 굿디자인의 개념과 조건, 환경조형물의 개념과 역할에 대해 분류하였다. 이론적 배경을 바탕으로 굿디자인의 조건과 환경조형물의 역할을 활용하여 연구자의 디자인 전개 요소를 통해 금속환경조형물로 완성하고 연구작품을 제시하였다. 결과적으로 금속환경조형물의 디자인 방법론을 제시하게 되었고 다양한 환경조형물 디자인 연구가 지속되어 융합적 환경조형물의 다양한 패러다임이 연구되기를 바란다.
This study carried out to analysis the characteristics of periodic changes of landscape facilities with the apartment sites in Cheongju City. The construction periods were divided into the introduction stage (the 1980s), the development stage (the 1990s), and the maturity stage (after 1999). As for the apartment sites constructed in the introduction stage (the 1980s), their landscape facilities were restricted to play and resting facilities. Some of them even were constructed without rest facilities. Since the focus was on the affluent supply of houses in the 1980s, they put a greater emphasis on quantity than quality. Entering the development stage in the 1990s, they started to pave the sidewalks and driveways separately within the apartment sites and build parking lots underground. After 1999, they entered the maturity stage, where the outside spaces of apartment sites began to reflect environment-friendly designs and the initiatives to improve residential environments. The major causes behind the introduction of high-grade materials in landscape facilities in the open spaces of apartment sites are the upgraded level of living standards and the diversified patterns of activities taking place in the open spaces. The environmental formative works were placed alongside waterscape spaces to create a beautiful and harmonious landscape.
Museum Architecture, passing through modem times, have been requested to make changes in order to respond to the necessities of current times as well, so that they come to develop various kinds of programs other than a mere exhibition. That is, museum began recognizing the diversity of activities available in the spaces and the openness to the public. And tried to keep up with the changes by linking the museum buildings with local community in urban architecture as a result. Conversion design is methodology aims at reforming old buildings into a museum or revitalizing buildings of historical significance into exhibition center, so that it made possible to utilize the texts of historical, cultural cities, which in turn contribute to the diversity of urban architecture and protection of buildings in environmental crisis. In the sense, the paper analyzes the life-long contribution and dedication of Carlo Scarpa, an Italian architect, in the conversion of museum architecture, and studies the style, techniques, and features witnessed from his architectural works, and finally offers an insight and a directing post to take advantage of diverse ways likely applicable in our urban architectures. Scarpa's features in his museum architecture are classified as follows: First, contrasting expression of reiteration and side by side to express the continuity of time Second, he conveyed implicated meanings through inserting contracted factors of the locality and traditionality. Third, his interest in formative works and handicraft had an influence on shaping conversion space Finally, expression of accidentally to change of a point of view.
This study originated from following questions. What can we understand the conception of deconstruction, which has been the core idea of new discourses developed in various ways since modernism? How can this question be interpreted in landscape design? What is the conceptional frame of integration the prominent hybrid post-genre movements and phenomena? The frame can be epitomized with the deconstruction phenomenon. 'Deconstruction' is the core conception appeared in late or post-modern ages in the embodiment of modernity and can be viewed as an integrating or a hybrid phenomenon between areas or genres in formative arts. Therefore, the author regards the hybrid movements widely witnessed in the post contemporary formative arts as one of the most important indicators of de-constructive signs. It is safe to say that the phenomenon of this integration or hybridism, of course, does not threaten the identity of landscape design but serves as an opportunity to extend the areas of landscape design. One of the consequences of this integration or hybridism is the voluntary participation of users who have been alienated in the production of the meanings of design works and hybrid landscape design with the hybridization of genres that is characterized with transformation in forms. This view is based on the distinction between hybridization of interactions between the designer (the subject) and the user (the object), and hybridization of synesthesia. Generally speaking, this is an act of destroying boundaries of the daily life and arts. At the same time, it corresponds to vanishing of modern aesthetics and emerging of post-contemporary aesthetics which is a new aesthetic category like sublimeness. This types of landscape design tries to restore humans' sensibility and perceptions restrained by rationality and recognition in previous approach and to express non-materialistic characteristics with precaution against excessive materialism in the modern era. In light of these backgrounds, the study aims to suggest the hybrid concept and to explorer a new landscape design approach with this concept, in order to change the design structure from 'completed' or 'closed' toward 'opened' and to understand the characteristics of interactions between users and designs. This new approach is expected to create an open-space integrating complexity and dynamics of users. At the same time, it emphasizes senses of user' body with synesthesia and non-determination. The focus is placed on user participation and sublimity rather than on aesthetic beauty, which kind of experience is called simulacre. By attaching importance to user participation, the work got free from the material characteristics, and acceptance from the old practice of simple perception and contemplation. The boundaries between the subject and object and the beautiful and ordinary, from the perspective of this approach, are vanished. Now everything ordinary can become an artistic work. Western dichotomy and discrimination is not effective any more. And there is 'de-construction' where there is perfect equality between ordinary daily life and beautiful arts. Thus today's landscape design pays attention to the user and uses newly perceived sensitivity by pursing obscure and unfamiliar things rather than aesthetic beauty. Space is accordingly defined to take place accidentally as happening and event, not as volume of shape. It's the true way to express spatiality of landscape design. That's an attempt to reject conventional concepts about forms and space, which served as the basis for landscape design, and to search for new things.
The research purpose of this study, together with the study of Frank Stella's work and his expansion of the formative arts field, is to rediscover "Amabel" and to present a fresh perspective in evaluating and assessing environmental art objects. The results of this study can be summarized as follows. 1. The study investigated the effect how Frank Stella's work affected American modem art trends. 2. The study helped to re-evaluate Stella's work by examining its expansion into the plastic arts. 3. The study analysed the plastic works of Prank Stella and his effect on plastic arts within the modem art trend of America. In conclusion, Frank Stella played a leading role in today's American art style and had a potent influence on the trends of America's modem U. In recent years, his work has had an impacted on the design of parks and art galleries. America's industrial society is led by the growth of economic power and the development of science and technology. In America's architecture and landscape architecture, such new forms as minimalism functionalism, cubism and abstract expressionism, which have been influenced by art movements, emerged in California and the east coast. Influences of Stella such as these are the remedy for a vested stubborn concept of architecture and landscape architecture by introducing a sense of pictorial space in these fields. In landscape architecture, the introduction of art trends appears in several ways. Mainly the trend of Minimalist Art, influenced by Modernism, can be seen in much Landscape Architecture. Frank Stella contributed to the development of such minimalist art.
Korea has established a code for the economic and cultural industry that covers a wide range of classes unlike the old information era which was limited to the simple knowledge, technology, tools, morals, and customers that had been established in our society. On the other hand, 'culture marketing' is a series of marketing activities in which value-added items are created and shared. The combination of business management and culture seemed pretty awkward considering how rapidly the world was changing, however, the nature of today's culture has changed and the economic nature of culture products has resulted from those changes. In this paper, two authors who expressed the cultural identity in the culture products are studied through a comparison analysis; the author Min Yeongsoon expressed the identity confusion that she experienced in a foreign country and how she overcame homesickness in her work; and the author Kim Ata expressed his confidence in Asia and used his clear and loud voice to express the culture in his work. In addition, today's culture products are affected by the surrounding cultures such as the member's traditional society, environmental culture, and individual's culture. It is a good source for good works of art. In this study, the efforts of seeking the cultural identity, structuring the concept, seeking a new market and possibilities are used to make a consistent process in order to make a series of the systems required for planning and developing culture products.
예술을 논함에 있어 '과학의 진보'와 '인간의 정서'라는 두 가지 문제의 상충은 끊임없이 대두되었다. 과학의 편리성, 그 이면에 존재하는 인간본연의 감성인 '자연'은 점차 크게 자리잡아갔다. 20세기말부터 성행하던 다소 삭막하게 느껴지는 미니멀리즘을 벗어나 점점 인간과 자연이 하나가 될 수 있는 자연주의가 강조되었고, '자연'은 21세기를 살아가는 우리에게 주어진 가장 중요한 화두로 떠올랐다. 기계와 과학에 의해 삶이 양적으로 향상되어질수록, 삶의 질을 향상시키고자 하는 '자연'에 대한 향수가 인간에게 더욱 절실하게 되었다. 이에 '자연'을 좀 더 효과적으로 나타내고자 아르누보양식의 표현요소를 도입하여, '자연'을 현대적으로 표현한 조형적 특성을 연구하였다. 아르누보는 자연물의 유기적인 형태로부터 모티브를 찾아 이것을 양식화하여 장식미술로 적용하였다. 이는 과거의 양식에서 인용과 절충을 반복하는, 역사주의적 전통을 과감히 개혁함으로써 현대디자인의 문을 열었고, 더불어 미술을 모든 생활에 실용화하려는 점에서 커다란 역사적 의미를 갖는 양식이다. 신예술을 의미하는, 19세기말부터 20세기 초에 걸쳐 번성했던 아르누보는 한 세기가 지난 현재에 와서 재평가되고 수용되어 다양하고 새롭게 나타나고 있다. '자연주의'를 근본으로 하는 아르누보 양식은 현대에 오면서 내추럴리즘이 주류를 이루고, 여성스런 로맨티시즘이 유행하면서 패션, 가구, 유리 공예, 보석 공예 등의 다양한 장르의 예술에서 모티브로 부활하고 있다. 이에 본 연구에서는 아르누보에서 나타난 식물모티브를 적용한 다양한 분야의 아르누보작가들의 작품을 중심으로 형태적 요소와 표현요소의 특성을 다양하게 해석하고, 이를 바탕으로 나타난 공통된 조형미를 분석하고자하였다. 아르누보양식에서 나타나는 섬세하고 화려한 곡선의 장식미와 형태의 부드럽고 유려한 곡선표현의 효과적인 디자인적용가능성을 살펴보고, 이를 통해 창의적으로 분석된 조형이미지로의 아르누보 식물모티브를 디자인에 새롭게 시도하는 계기가 되고자 한다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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