Today, boundaries between genres are collapsed and there are mutual convergence and consilience in each field of the society. In art and design, new concepts for the convergence of art and design, such as graft of 'art and design' and 'technology and art', 'art design', 'commercialization of art', etc, are suggested. Especially, furniture is changed from the furniture as a living tool whose purpose is practical properties to the furniture combined by artistic properties and emotional factors with a concept related to the convergence of art and design, such as 'design as an art', 'useable art', etc. For the evidence, Artfurniture which was treated as just a part of decorative arts is focused by expressive media of the convergence between art and design and it became a genre of independent art. In addition, it is approaching to people as 'furniture as an art' and 'art as furniture'. Popularization of art and art of design are generalized and now, it's meaningless to divide the boundary between art and design. Before the discussion about convergence of each concept in non-boundary phenomena of art and design, it should be grasp essentials of art and design and understand the boundaries. The exploration of the essences and roles will be the first step to find new value through the convergence of art and design. Therefore, this thesis intends to grasp the stream value of two concepts have been changed by examining periodical situation, market changes, etc. from division between previous art and design to modern times, based on them, analyze roles of art and design in modern artfurniture and interpret relations between art and design for current time.
The purpose of this study is to examine the art nouveau fashion represented in the end of the twentieth century. The characteristics of art nouveau are naturalism, medievalism , exoticism, and decadentism. The influences of art nouveau were seen in the fashion of the late nineteenth century : S-curve silhouette and organic curve motives printed on hems. Art nouveau has reappeared in modern fashion trends such as romanticism , decadence, ecology, ethno, and fusion. To sum up, art nouveau fashion at the end of the twentieth century is classified into four shapes. First, art nouveau appears in naturalism. Influenced by the arts and crafts movements and naturalistic trend, it has reappeared at the end of the twentieth century in themes like 'art & craft'. This expression technique is to objectively nature and to represented art nouveau textiles. Second, S-curve silhouette appeared at the end of nineteenth century's fashion with the art nouveau influenced rejection of the bustle style. At the end of the twentieth century, the design , emphasizing the hip, is represented in fashion collections as a phenomenon of romanticism . Especially the art nouveau silhouette of the end of the twentieth century does not represent S-curve silhouette. But , it emphasizes the hip only. Third, Art nouveau exoticism by symbolism is influenced by Chinese and Celtic art, the Middle Ages, and the exoticism that appeared in fashion at the end of the nineteenth century : harem style, kimono style, and turbans. Exoticism at the end of the twentieth century is expressed by optical flower prints and successive floral print arrangements as seen in the themes of ethno and fusion. Fourth, one of the characteristics of art nouveau, decadence is influenced by the pre-raphaelite brotherhood. This is expressed in the images of vampires, and symbolism expressing grotesque insect motives and decadent successive curves. At the end of the twentieth century decadence is represented in fashion ; grotesque insect motives, tatto looks of organic curve motives celtic hair style, see-through fashion, grotesque make-up . Besides hair style techniques, decadent expressions applying art nouveau paintings also appeared. Finally , art nouveau fashion represented as a fashion trend at the turning point to the new millennium is one of great significance as an organic, an environment-intimate and continuance-possible design in a future.
In the Korean literature, records of systematic gold thread manufacturing such as gold foil(金 箔匠), gold foil bonded with fabrics(付金匠), gold foil bonded with paper materials(金箋紙匠), refining gold(鍊金匠), cutting gold(裁金匠), and making gold thread(絲金匠) can be easily found. We can infer from these literatures that the Korean people used to make gold threads. However, is not existent the gold thread making technique. Thus, a research was done using 67 pieces of gold thread artifacts used in textiles craft of Korea, China and Japan. The purpose of this research was to identify the characteristics of the Korean gold thread by studying the artifacts' form classification, gold foil, glue and the base. First, gold thread is divided into flat gold thread and wrapped gold thread. Wrapped gold thread was made in more various methods such as with a paper on the flat gold thread, metal thread and wrapped gold thread with gold foil on top. Compared to the flat gold thread, wrapped gold thread uses a thread that has a thinner and wider. Through this analysis, even making of the base of the gold threads was different according to the type. Secondly, we looked into the characteristics of materials according to form structure of the gold thread. After analysis of experiment results, we could know that to attach Korean gold thread, glue and the mixture of materials such as Red soil(朱土) was also added. The kinds of the base of gold threads were identified as paper, leather and intestines. Among those materials, for paper, Korea's Dakji, China's Sangpiji(桑皮紙) and Jukji(竹紙) and Japan's Anpiji(雁皮紙) seemed to have all been used, so because of the difference among countries, we can prove that Korea has also produced gold thread. By looking at the research, the base of gold threads and making features hugely vary according to the area.
Government policy supporting the fashion industry in Korea has focused on the future development of rising fashion designer's brands, and as a part of this support, several Fashion Creative Studios are presently operated. The purpose of this study is to identify the meaning of these facilities and suggest development strategies for their effective utilization. This paper presents a conceptual understanding based on a literature review, and deduces the direction of Fashion Creative Studios through an exploratory analysis of various case studies and in-depth interviews with five designers, who have graduated from the Seoul Fashion Creative Studio. The results are as follows. Firstly, fashion educational institutions have to provide sufficient information about the Fashion Creative Studios to students. They can also consider adding short-term residencies to the curriculum in which students prepare collections or portfolios for the studios. Secondly, Fashion Creative Studios are required to intensify business and marketing programs to increase real-world support. It would be helpful to provide 1:1 management programs with several segmented stages for the design brands, or connect them to investors who could provide financial support and business expansion. Thirdly, Fashion Creative Studios need to find a way to strengthen textile differentiation and craft characteristics to increase designer brand competitiveness. Broadening participation with textile designers, connecting with experts and ateliers, and promoting collaboration with artists and artisans in the Arts Creative Studios can be further examined to this end.
The article deals with issues related to the tradition of carpet production on the territory of Kazakhstan where, for the most part, tribes engaged in nomadic livestock raising lived. Analyzing the technological component of this traditional craft, the author focuses on the main factor that influenced carpet weaving along with arts and crafts-the nomadic method of production of the Kazakhs. The study of the ideological component that accompanies the process of making various types of carpets allows us to conclude that it has a sacred meaning and subordination to myth, rite, and ritual. At the mythmaking level, the process of making carpets, like any other activity among nomads, personified the process of creating the world, the marriage of Kok-Tengri (Heaven) and Zher-Su (Earth), and the creation of the Cosmos from Chaos. The process of carpet weaving, as well as the process of making felt, symbolized the act of creation, the marriage of Heaven and Earth, and male and female principles. The study of various types of ornaments that Kazakhs and their ancestors used to decorate carpets allows us to conclude that the ornament applied to carpet products was the bearer of the most valuable information about the mythological worldview of the people. Carpets in their structure reproduced the structure of the Universe, which has a binary, ternary, and quaternary system. The ornament has turned into a kind of coded text, reflecting ideas about the cosmogonic structure of the Universe and an awareness of the harmony of the world. The location of Kazakhstan on the northern routes of the Sogdian Road (Great Silk Road) allowed the spread of various ideas, due to which carpet weaving was influenced by other peoples in technical and stylistic design.
Suhainmyuldo (樹下人物圖) is a type of picture which expresses a person under the tree and is known to be brought to the Korean Peninsula from the Middle Asia. The origin of this kind of expression is assumed to be from Iykshini (or Iygsha), the fairy of tree, in India and the 'Tree of Life' in Western Asia which influenced on the craft art design of Chinese art. However, Chinese art had already developed the motif of this kind in its unique way; for example, Jookrimchilhundo (竹林七賢圖: seven wise men in bamboo forest) in the Six Dynasty. There are only two items of female dress and its ornament from the 4th to 6th century Suhainmyuldo of the Goguryeo ancient tomb mural: one from the Jangchun Tomb No. 1 in which a female figure is portrayed as a part of living genre painting and the other from the Anahk Tomb No. 1 with seven female figures in a painting which is one of the earliest Suhainmyuldos, presumably from the 4th century. These two paintings must be considered in parallel with the origin of Suhainmyuldo. The mountain wizard's dress and Men's dress and its ornament in Suhainmyuldo from the 4th to the late 6th century Goguryeo ancient tomb is mostly joint adjust in which its collar is connected by a line and almost all the wizards are wearing Sang (upper garment). Most mountain wizards are wearing black feather shaped jackets and upper garments. One noticeable observation is that the mountain wizards of Mooyongchong, Tongu Ohgoibun Nos. 4 and 5 are completely different from one another in terms of ways to dress each wizard's official hats and shoes.
Namdaemun Market is located in the heart of history and has the volume and the budget for nearly half of the total Namdaemun. But it has been undergoing the crisis of stagnation without reviving the merit of only the 'jewelry' wholesale industrial cluster in the nation. The purposes of this study were that analyzed the status and design of jewelry in Namdaemun and identified the characteristics of successful domestic jewelery brands and then the revitalized the way of the Namdaemun jewelry industry. Problems being currently facing the Namdaemun jewelry shopping are most likely caused by products' design did not respond to changes quickly, while China's jewelry products are in leaps of the quality and the affordable jewelry market in Korea has lost the large number of the customers by china's cheap jewelry products. The most feature of successful domestic jewelry companies, Red Eye, Naughty Cat and Jackie Moon. put the most effort to unique design development and then constantly develope new designs to meet the diverse needs of consumers. It is a conclusion that the Namdaemun jewelry market need to produced under the name of brand not by the traditional whole sale market style. Development unique jewelry brand requires a high-end commercial strategy of the logo, packaging and interior. The high-end quality require for the advanced designs as well as the study of new materials needed for the advanced materials.
본 논문은 코로나19로 인해 갑자기 수행된 비대면 수업을 진행함에 있어 이제까지의 수업모형으로는 한계를 느끼고 특히 예체능 계열에 속하는 디자인 전공자들의 이론과 실기수업방법의 비대면 수업 방법을 제안하기 위한 목적으로 수행되었다. 이를 위해 연구자는 온라인 수업을 비롯한 쌍방향 수업, 플립러닝 등의 다양한 기존 스마트러닝 방법을 고찰하고 이제까지 연구된 사례를 바탕으로 각 연구들의 단점을 보완하면서 실기교과를 효율적으로 운영할 수 있는 방법을 제시하였다. 수업방법설정, 수업진행, 평가, 사후관리 등의 4단계로 수업모형을 설정하고 이를 디자인전공자 대학생에게 수업한 결과 수업방법과 진행에 있어서는 효율적 진행이 가능했으나 평가와 사후관리에 있어서는 비대면 수업으로는 한계점이 있었다. 따라서 향후 평가와 사후관리 즉 실기 완성도의 고취를 위한 구체적인 실기수업방법 연구가 요구된다.
본 논문은 다원화하고 있는 현대 도예에 분야에서 퍼포펀스와 융합한 작품들에 주목하며 도예 퍼포먼스 작품이 담고 있는 수행적 표현과 의미를 연구 및 분석하였다. 이에 미켈 바르셀로, 요제프 나즈, 이강효, 테리 프레임, 제이제이 맥크라켄의 도예 퍼포먼스 작품들을 분석한 후 퍼포먼스의 수행성과 효과에 대하여 알아본다. 연구 결과 도예 퍼포먼스는 점토를 이용한 신체적 행위를 통해 일반적인 도예 작품에서 보여주는 표현 형식과 제작과정을 넘어서는 확장성을 보여준다. 또한 행위자의 실시간 공연으로 사건을 만들어가는 과정적 체현으로 작가와 관객이 서로 관계하는 열린 구조를 통해 기존과 다른 방식의 해석과 이해를 할 수 있게 하였다. 타 매체와의 융합적 시도는 현대 도예에서 탈경계성을 함의하며 새로운 영역으로의 확장 가능성을 보여준다. 이것으로 공예적 특성이 강한 도예 분야의 관념적 틀을 깨는 긍정적 영향을 기대한다.
본 연구는 창업의 지각된 가치와 지각된 위험이 예술전공 대학생의 창업의도에 미치는 영향을 알아보고 부모·형제의 창업경험과 세부전공에 따른 창업의도 정도의 차이를 분석하였다. 연구결과 창업의 지각된 가치는 창업의도에 유의한 영향을 주는 것으로 나타났으며 창업의 지각된 위험의 구성요인 중에서 재무적 위험은 창업의도에 유의한 영향을 주지만 사회적 위험요인과 경력 위험요인은 유의한 영향을 주지 않는 것으로 나타났다. 또한, 예술계열의 세부전공 중에서 공예전공 대학생은 다른 전공에 비하여 창업의도가 높은 것으로 나타났고 부모·형제의 창업을 간접적으로 경험한 대학생이 그렇지 않은 대학생에 비하여 창업의도가 높으며 부모·형제의 창업경험 유무는 창업의 지각된 가치와 지각된 위험이 창업의도에 미치는 영향관계에서 조절효과를 갖는 것으로 나타났다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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