Film was invented by human's desire to copy the real world, starting in the late 19th century. Since the birth of cinema, It was given mission to replay of the real world. On the other hand, cinema was regarded as a fictitious art form. Although the invention of film brought about experience of replaying of the real world it has been reproduced reality with creative story. And it also has been represent reality with sense of reality. Cinema's way of reproduction implied conflicting concept of mimesis. Triple Mimesis of Paul Ricoeur was an idea expanded into an analytical concept from that simple concept of mimesis. The purpose of this study was to examine the prefiguration of shown behavior in Columbine High School massacre based on Triple Mimesis of Paul Ricoeur. It also was to examine a form of representation on cinema which is 'Elephant' and studied how the form of representation on Elephant could interpret by audience. It could be define the relationship between reality and reproduction through this esthetic study. This paper attempted to build the method communication between the originator and audience with a whole analytic process of time and story on the cinematic representation.
The history of war is the interesting theme to every group because it presents the identity of nation and social aspects of the age. The war was a subject matter in culture industry, and the war films represented a battlefield with various phases. Thus, it provided important description to understand our society. The purpose of the study is to identify the phases and representation of war in films through analyzing a pattern of war films. For the comparison study on a type of war and its social effect, we need to approach the concept of inclusive representation. Thus, I categorize war films to suit the subject of research and select the objects among the various war films. On the basis of these films, this paper studies how the representations and phases of war is reflected and described in contents of films.
A new relation between technological changes and arts is begins to create by the modernization of the West. Because the arts in the past that were enjoyed by specific individuals and small number of people are now massively produced via technological development, public acceptance of such arts is now possible. In this study, movement between each frame, which can be the core in animation, is investigated. We can see that the animation's cinematic movement cannot be identified with motions reproduced in live action films, let alone the motions in real world, no matter how the reproduced motions in animation are faithfully made. In the end, while crating the detailed expressions of movement of animation, along with cinema factors, and the continuity of such expressions, we can gradually exert the power of animation art form with enlivened reality that only animation has.
It seems that there has been a tendency of faction film which reveals imagination of state/nation. As typical examples, & would show the relationship between some factional imagination and the project of blockbuster. In this regard, I've researched the tradition of cinematic representation of state/nation and some historical aspects which reveal the being of official films ruled by oppressive political intention. As a kind of discourse dealing with state/nation, & have specific strategy of representation. The analysis about that process might enable us to understand what is nationalism and what is the nature of ideological discourse consumed by faction-related products.
The purpose of this study was to concentrate on macroscopic discussion about how the recurrence of actual case in move is accepted ideologically. When considering the characteristic that non-visual factors are embodied when movie image reflects a certain target, the issue of recurrence has always caused discussion. Regardless of its independence or dependence, one individual's experience can be similar to sensual recognition but it can't be identical. Therefore, 'the truth recurred by movie' can't be real 'truth'. When director expresses the target, the aesthetic intention gives an effect to audience's emotion and recognition, Therefore, the study tries to review whether the movie truth drawn by movie can reach the possibility of epistemology agreement.
Proceedings of the Korea Contents Association Conference
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2013.05a
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pp.85-86
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2013
이 연구는 더글라스 서크(Douglas Sirk) 감독의 <천국이 허락한 모든 것> (1955)과 이용주 감독의 <건축학 개론>(2012)에서 집에 대한 '재현' 공간을 고찰하였다. 두 멜로드라마 장르 영화는 등장인물들이 대사로 직접 표현한 수 없는 것들을 가구, 소품 등의 미장센, 특히 리모델링을 하는 집을 통해서 보여준다. 집은 욕망을 스타일과 형식을 통해 산출한다는 점에서 멜로드라마 장르의 공간을 특징짓는 서술적 사건과 모티프를 담고 있는 구체적 장소의 역할을 한다. 이러한 맥락에서 이 연구는 멜로드라마 장르에서 집과 풍경들이 어떻게 영화적 공간(cinematic space)을 구성하고 그 재현공간이 갖는 사회적인 의미를 고찰한다.
Journal of the Korean Institute of Landscape Architecture
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v.41
no.2
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pp.1-10
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2013
This paper aims to make an aesthetic inquiry into representing modes of wilderness in western films. The western film was the first genre in earnest about natural landscape, covering vast areas of America from the East to the West. It adopted representative modes suited to physical characteristics of landscapes which produced aesthetic characteristics. In western films, wilderness was represented at a distance from the camera lens as a setting and an object of contemplation. In eastern forest landscapes, western films adopted the visual model of Hudson River School's landscape painting which expressed the transcendental sublime. The western semiarid region reproduced the warrior's gaze shot from a high angle, and, in this visual mode, wilderness was expressed as a demonic landscape derived from Burke's definition of the sublime. On one hand, the western desert was represented as a place of hardship shot at a low angle which expressed the vastness, unevenness and limitlessness of the desert owing to the absence of horizon. On the other hand, the mesas of Monument Valley have sublime characteristics of size and time. In western films, they play the role of an emblem by rising from the limitless desert on the horizon. The prospect-refuge relationship, the desire to see without being seen, is discovered in the representative mode of wilderness in western films. In this context, this study hopes to discover the archetype of landscape representation.
This paper focuses on Alain Resnais's representative works (1955), (1959), and (1963), and analyzes how he implements a representation of memory though cinematic apparatus. These three films deal with horrific memories that seem impossible to reproduce aesthetically such as the Holocaust, the Hiroshima Atomic Bomb, World War II, and the war in Algeria. The reappearance of events that stripped humans of even their minimum dignity can naturally be associated with ethical issues. These events can never be reproduced because they cannot be explained in the human language. It is also impossible to reproduce in a way that doesn't invade other peoples' sufferings, nor displays the pain of others as spectacles. Alain Resnais was a director who realized that if factual representation was not possible from the beginning, truthfulness would have to be approached through cinematic form. Therefore, he tries to overcome these problems through cinematic forms. First, he shifts to action films to avoid the obscenity of documentary. shows the records of camps captured by German forces in the past, while shows the pain of others in a fictional form of representation. Next, he describes how the trauma affects the identity of the main character through a flashback in , but also shows a main character who is experiencing trauma without a flashback in Flashbacks have the effect of showing the effects of trauma on the main character, but at the same time they involve the obscenity of enjoying the suffering of others. Nonetheless, the absence of flashbacks highlights the impossibility of representation. This is because it is not silent in the impossibility of representation but is constantly approaching. The attitude that repeatedly circles around impossibility is an ethical form that maximizes the impossibility of representation. In conclusion, this is the ethics of representation that Alain Resnais showed in his films.
This paper examines how the cinematic representation of the Japanese military "comfort women" stimulates 'imagination' in the realm of everyday life and in the memory of the masses, creating a common awareness and affect. The history of the Japanese military "comfort women" was hidden for a long time, and it was not until the 1990s that it entered the field of public recognition. Such a transition can be attributed to the external and internal chronopolitics that made possible the testimony of the victims and the discourse of the "comfort women" issue. It shows the peculiar status of the comfort women history as 'politics of time'. In the same vein, the cinematic representations of the Japanese military "comfort women" can be found in similar chronopolitics. The 'comfort women' films have shown the dual time frame of the continuity and discontinuity of the 'silence'. In Korean film history, the chronotope of the reproduction of "comfort women" can be divided into four phases: 1) the fictional representations of "comfort women" before the 1990s 2) documentaries in the late 1990s as the work of testimony and history writing, 3) melodramatic transformation in the feature films in the 2000s, and 4) the diffusion of media and categories. The purpose of this article is to focus on the first phase and the third phase in which the issue of 'comfort women' is represented in the category of popular fiction films. While the "comfort women" representations before 1990 were strictly adhering to the framework of commercial movies and pursued the sexual exploitation of "comfort women" history, the recent films since the 2000s are experimenting with various attempts in the style of popular imagination. Especially, the emergence of 'comfort women' feature films in the 2000s, such as Spirit's Homecoming, I Can Speak, and Herstory, raise various questions as to whether we are "properly" aware of issues and how to remember and present the "cultural memory" of comfort women. Also, focusing on the cinematic representation strategies of the 2000s "comfort women", this article discusses the popular politics of melodrama, the representation of victims and violence, and the feature of 'comfort women' as meta-memory. As a melodramatic imagination and meta-memory for the historical trauma, the "comfort women" drama shows the historical, political, and aesthetic gateways to which the "comfort women" problem must pass. As we have seen in recent fiction films, the issue of "comfort women" goes beyond transnational relations between Korea and Japan; it demands a postcolonial task to dismantle the old colonial structure and explores a transnational project in which women's movements and human rights movements are linked internationally.
The purpose of this study is to examine cinematic representations of places in the Korean War films on the event of 1950 'Incheon Landing', focusing on the place representations. 'Incheon Landing' of September 1950 provided a turning point for the Korean War, and the event can be interpreted totally different from the South Korean and the North Korean perspectives. Two films on the same event of the 'Incheon Landing' - a South Korean film, "Incheon Landing Operation"(1965), and a North Korea film, "Wolmido"(1982)- were selected as major sources of analysis and comparison. each director has different intentions. One film was taken from the landing army's viewpoint, whereas the other film was taken from the defender's viewpoint. As a result, one film emphasized the battle as a spectacle of glorious victory from the landing army's viewpoint, while the other film glorified those soldiers killed in the battle as heroes from the defender's viewpoint.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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