Many cities are utilizing their cultural capital as a means for urban regeneration and tourist attraction. Museums form an essential component in these culture-based urban regeneration efforts, the Guggenheim Bilbao being a frequently cited example of success. The United Arab Emirates (UAE) has benchmarked the Bilbao case study as they were looking for alternative income-generating industries in the post-oil era, embarking on a city-building project on the Saadiyat Island where resorts and cultural institutions of massive scale are being constructed. The Louvre Abu Dhabi and the Guggenheim Abu Dhabi were pursued under this scheme, aiming at attracting tourism and elevating their status in the region as a cultural capital. This study examines the political, economic, and cultural background behind the Saadiyat city project and the pending issues behind the construction of the Guggenheim Abu Dhabi. This study purports that besides funding and an ambitious plan, social and cultural developments in the region over time will be essential for a successful localization of a Western brand museum in the region.
This research aims to identify current issues of arts education programs which have designed for North Korean Refugee Youth in South Korea and then navigates further steps to better serve the group. The purpose of study also pertains to the '2010 Seoul Agenda: Goals for the Development of Arts Education' announced at the Second World Conference on Arts Education, particularly, to the third Goal indicating how arts education practices can contribute to resolving social and cultural issues and promoting social cohesion and intercultural dialogues (UNESCO, 2010). This research engages with critical theory approach and adopts qualitative content analysis for collected documents and interview data. Based on the findings of this research, interview participants found its need of current arts education program for North Korean refugee youth become more value-driven and participant-centered. Currently, those programs available seem to incline to helping their adjustment to the South Korean society through arts-related activities, such as enhancing Korean language skills and learning Korean culture. Rather, it has been addressed that providing emotional and psychological supports and opportunities to search their own 'voice(s)' should be core objectives of the arts education programs. Moreover, when it is offered, arts educators and administrators need to make sure that participants can feel safe and secure as being present at the space for programs in order to express and encounter their true inner voice(s).
Journal of the Korean BIBLIA Society for library and Information Science
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v.18
no.2
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pp.125-140
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2007
Cultural contents should provide all the people web services to ensure accessibility without any obstacles as a core resource of nation including a code linking people and people beyond time and space. This study achieved that automated measure including 11 checkpoints and manual analysis including 11 criteria and 26 checkpoints of three areas in selected five web sites such as Culture Portal. Art Road, Korean Patterns, MFM, and e-Museum supported by Ministry of Culture & Tourism. As a result, web accessibility level of cultural contents analyzed it staying at the beginning level. This study Provided the directions in order to improve accessibility of cultural contents through showing real cases to practice for improving web accessibility.
This study aims to understand the process of valuing contemporary artworks by young and emerging artists via online art platforms. This paper conceptualizes Bourdieu's theory of cultural capital, which theoretically guides us for conducting a case study of Saatchi Art. This article mainly collected data by interviewing seven Korean artists who were selected by our case with the supplement information carried out direct observation and document reviews. By analyzing the gathered data, the key finding of this research is that the selection of artists in Saatchi Art's curatorial program implicitly admits and guarantees the value of their artworks. By doing so, it contributes to building symbolic capital for the selected artists. This article also contends that such construction of the artists' symbolic capital results from the accumulated symbolic capitals of the founder and curator of the online platform. The theoretical contribution of this paper is to expand previous research on valuing artworks in the offline art world into the online one.
This study investigated the relationship among type of museum space, number of visitors, and number of collections. Museum space has been sorted in various ways(e. g. Seo, 2008; Lee, 2008; Ambrose & Paine, 2012), but this study adopted Lord et al. (2012)'s typology, which has public/non-public and collection/non-collection space, considering that Korean museums' space fits their typology. Using 853 museum data our regression analyses show that public-collection space is positively related to the number of visitors is bigger, while non-public-collection space is positively related to the number of collections. This study has academic and practical implications by showing there are differential relationship among those physical museum characteristics and museum performance.
Maker culture in Korea began to receive public attention after the 2012 Maker Fair Seoul. Central and local governments took note of this trend and subsumed makers' culture into its policy domains such as Creative Industry, Creative Cities, 4th Industrial Revolution, and the all-encompassing Creative Economy. Creative Economy was a public policy discourse formed in the public sector for the purpose of overcoming economic depression and revitalizing the economy. Under Creative Industry and Creative Economy, creativity and culture/arts are deemed indispensable but at the same time objectified and alienated as their ultimate value are recognized only as the basis for economic production. In this article, makers' culture itself goes through the same process of objectification and alienation that creativity and culture/arts suffered as the relevant policies were pursued under Creative Economy. The authors attempted to corroborate this through the case of Makercity Sewoon, and found that the Seoul City's urban development plan surrounding Sewoon Plaza proceeded in a direction destructive to the local technological ecosystem and therefore conflicts with the pronounced goal of leading 4th Industrial Revolution by encouraging and nurturing makers' culture. Makercity Sewoon, although packaged in a discourse of Creative Economy and Creative City, betrayed the same problem of alienating arts/culture and labor that the previous discourse showed.
Living culture emphasizes cultural activities in daily life based on local characteristics, and aims to integrate art with daily life to communicate with others through activities of local residents. In this process, the values that individuals and society should have, are evoked and restored. In order to understand the context and processes in which the values of the living culture are expressed as local culture, we analyzed the case of 'Gosaek Nongak(community band music, dance and rituals in Korea) conservation association' in Suwon area and tried to diagnose how art and daily life are integrated and restoring community life in the actual field. For this purpose, phenomenological research was conducted through literature review participatory observation, and in-depth interviews to categorize the social impacts of living culture activities and public support due to individual, community, and local influences. We found that public support for living culture led to increased artistic development and human interaction in the community, and that individuals who are thus empowered to seek artistic experience and actively interact with other people, emerge as vital subjects and practitioners of culture and arts in their local community. Furthermore, we found that the activities of living culture facilitated the formation of local identity for members and local residents. Through living culture activities, members and local residents became more aware of being members of the community and found value and meaning in participating in daily life and cultural activities.
The purpose of this study is to understand the impact of the subscription economy on the contemporary art market in terms of creation, consumption and distribution of artwork. To accomplish the aim of this study, we conducted a case study of Artnomic Gallery K borrowing the theoretical perspective from Alexander(2003)'s Modified Cultural Diamond model. In this paper, we collected data through reviewing the secondary document and conducting in-depth interviews with 10 experts and consumers in the art market. As a result, the subscription economy eases the traditional art trade, which is heavily focused on a small number of market arts, by encouraging artists to create various works. The transition to subscription in the purchase of art contributes to lowering the barriers to entry into the art market by reducing the financial burden on consumers in terms of consumption. In terms of distribution, this founding of this article shows that the experts of Gallery K are the main actors in selecting the works that consumers subscribe to. Therefore, in this study, it is of academic significance to discuss that the filtering effect of the distribution system emphasized by Alexander(2003) is effective even in the art trading system to which a new form of economic activity - the subscription economy - is applied.
This study aims to find out how the photographing affects the satisfaction of visitor experience in the art gallery. We surveyed the visitors who visited the exhibition hall. In order to see if the selfie photographs positively affect the visitor satisfaction level, one-way ANOVA was conducted and the mediating effect of the flow and the moderating effect of narcissistic tendency and involvement was examined. As a result of study, First, in the relationship between photography and satisfaction, the group who took a photo but did not take a self-shot showed higher satisfaction than the group who did not take a photo and self-shot in the exhibition area. This result shows that photographing the art work in the exhibition hall gives experience-based satisfaction to the visitors, but self-shot does not show positive effect on the satisfaction. Second, the hypothesis that the flow degree will play a mediating role of the visitor's experience-based satisfaction in the relationship between art work photo-shot and self-shot type in exhibition hall was rejected. Third, the positive effect of involvement was shown only in the groups that did not take self-shot but took pictures in the exhibition hall. This shows that the satisfaction of the self-shot visitor is not affected by the degree of involvement of art. The results of this study are expected to help determine the policy for permission to take photographs in art galleries.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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