• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제9권1호
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• pp.215-222
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• 2009

3D 애니메이션은 사실의 완벽한 재현이라는 큰 특징으로 종래에 불가능했던 이미지의 완성을 가능하게하며 보다 큰 환상을 창출한다. 사실의 모방에서 진일보한 창의적인 이미지의 제작은 내용의 중요성을 강조한다. 크리스 랜드레스는 이러한 기술적 만족도와 내용적 우수성 그리고 충격에 가까운 참신함으로 차별화된 3D 애니메이션을 제작한다. 그의 1998년도 작품인 빙고(Bingo)에서 매스미디어의 근원적 아이로니와 인간의 존재론적 고민을 부조리극 표현으로 풀어냄으로써 인간의 상황에 통찰력을 갖게 한다. 크리스 랜드레스의 3D 애니메이션은 이러한 점에서 미술사와 연극사를 넘나드는 폭넓은 포용과 테크놀로지의 확장으로 3D 애니메이션의 새로운 가능성을 보여주고 있다.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제10권10호
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• pp.161-171
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• 2010

피터 브룩은 흔히 현대 서구의 가장 중요한 연극 연출가로 일컬어진다. 그는 단일한 방법론에 구속되지 않고 여러 기법을 이용한 다양한 연극을 연출해왔다. 이러한 점은 그가 절충적인 모방자로 평가받게 만드는 요인이 된다. 하지만 그의 작업과 정신을 자세히 살펴보면 그의 열려있는 정신은 연극이 지니는 소통의 힘의 추구이며, 그 가능성의 타진임을 엿볼 수 있다. 이러한 그의 모색은 브리콜라주 발상을 노정한다. 브리콜라주는 "야생의 사고"에서 소개된 후 학술적으로 관심을 끌게 된 개념이다. 레비-스트로스는 현대 과학이 놓치고 있는 브리콜라주의 신화적 사고를 우리가 복원해야할 것으로 본다. 연출가 피터 브룩은 연극과 삶에 대한 넓은 시야를 바탕으로 그의 '빈공간'을 효율적으로 채워가는 열린 작업 방식을 추구해오고 있다. 브룩의 이러한 지속적인 시도는 브리콜라주의 신화적 사고가 지니는 긍정적인 가능성을 드러내며, 연극의 발전적 방향을 제시하는 고무적인 암시인 것이다.

• 한국콘텐츠학회논문지
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• 제20권9호
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• pp.648-658
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• 2020

본질적으로 뮤지컬은 다매체성을 지니기 때문에 뮤지컬 음악을 감상할 때 복합적인 감각을 통해 체험하게 된다. 그러므로 뮤지컬 음악을 분석하기 위해서는 그 음악과 직접적인 연관을 가진 가사, 무용, 무대와 같은 다양한 매체와의 상호작용에 주안점을 두어야 한다. 본 연구는 텍스트와 음악의 결합 양상, 움직임과 음악의 결합 양상, 시각적 요소와 음악의 결합 양상을 종합적으로 고려할 수 있는 개념적 혼성 이론(Conceptual Blending Theory)을 통해 뮤지컬 <웨스트 사이드 스토리>의 음악을 분석한다. 뮤지컬에서 가사와 음악의 상호작용으로 만들어지는 결과물, 안무와 음악의 상호작용으로 만들어지는 결과물, 무대와 음악의 상호작용으로 만들어지는 결과물을 탐구함으로써 작품의 예술성과 내재되어 있는 가치를 증명할 수 있다. 또한 개념적 혼성 이론을 적용한 음악 분석을 통해 통합적 해석의 과정 및 체계를 발견할 수 있다. 따라서 개념적 혼성 이론은 뮤지컬 음악 분석 방법론으로써 충분한 효용성을 갖게 된다.

• 한국연극학
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• 제52호
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• pp.229-270
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• 2014

Ostermeier's Hamlet has no particular contemporary reinterpretation. Alternately devoting to show retrospect in illusion and existence through revenging actions. However, Shakespeare's metaphorical and implicative language is dissipated and the style of the play is not an illusive space-time, but a tragic theatrical production that uses rough language to express the depth of the story. The Perfomance of Hamlet is a sensuous jumble up of a diverse range of mass media. The double roles that the actors carry out give an affect of isolation between the audience and the play itself showing both empathy and liberty. Ostermeier's Hamlet distinctively shows a post-modern performance through the prominent elements of dirt, the use of mixed genre, theatric emphasis, making an image and the fulfillment of acting. Nonetheless, Ostermeier's performance stays off the point on the breakup strategy of the post-modern drama without suspending the narrative of Shakespeare's Hamlet. Besides aiming to show a performance centered by the imagery of physical expression, his performance shows New Realism in the 1960's, showing everyday life. Ostermeier thinks, that theatre helps give contemporary people an accurate reality check in the constant unstable periods of time. Therefore, Hamlet shows post-modern physical expression and outspoken dramaturgy using the effects of mass media in New Realism without breaking up realistic narration. With being the aberration of the Castle Helsingor, the main character Hamlet, expresses lunacy and can be considered as metaphor for young adults whom are broken down and isolated from the economic system. He is a substitute for those who experience agony, anger, torment, etc. and other suppressed emotions in everyday life. With the method of direction in the portrayal of Hamlet show signs of succession in the abundant popularization of the classics by communicating with the audience by following the trend of modern mass media and audio-visual perception; emphasizing the point of the philosophical topic 'life and death,' 'life and theatre,' and 'illusion and reality.'

• 한국연극학
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• 제49호
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• pp.171-208
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• 2013

Site-specific performance is always the real on-site work taking place at the site. Hence, it deals with the reality, in other words, the time of creation and formation. And it creates value and meaning through the interaction and continuous direct communication process between the performers, audience and the local residents. In this performance, the audience's status as the passive observer changes. They become the co-agent who actively lead and complete the performance through their own experience. We have examined the The Working Methods of Site-specific Performance and Aesthetics of Effect through four Korean performances ; Marie, An aesthetic experiment of site as the storyteller; Heterotopia and Urban Movement Research or Play: We Will Move Your Sofa, as performances which have Revealed history, politics, institution engraved in the site ; A Song of Mandala and Miracle, as a ritualistic site-specific performance at the historic site. Some remarks on Site-specific performance ; First, In Site-specific performance, the habitus peculiar to the stage art and the mode of reception are changed. Second, a new mode of theatrical communication requires creator and audience to have a sharp aesthetic sensibility and to change one's perceptual habit. Third, Site-specific performance can act as a demonstration for the viewpoints of political activism through what could be called a dramatic close-up effect. Fourth, Site-specific performance also has the risk of merely becoming an unfocused and scattered performance or degenerating into a pseudo-sightseeing. To avoid this, an in-depth study of the site and its socio-cultural context, and the clear motivation with which one is trying to reveal and tell from the site must be indispensable. As the co-agent, the audience should also be aware and think about what the given performance signifies today.

• 공연문화연구
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• 제18호
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• pp.223-255
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• 2009

이 글은 현전하는 인도 최초의 연극론서인 "나띠야 샤스뜨라"의 규정을 중심으로 인도의 전통연극과 무용에 계승되어 온 신체표현기법인 앙기까 아비나야의 전통성과 정체성을 고찰한다. 이를 위해 마르기와 데시, 나띠야다르미와 로까다르미의 양식구분 개념, 아비나야의 분류, 앙기까 아비나야의 의의와 중요성, 기원과 형성과정, 범주와 종류, 계통성과 지역적 차이를 살펴본다.

• International Journal of Advanced Culture Technology
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• 제9권1호
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• pp.58-63
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• 2021

This research aims to reconsider the necessity of an alternative way(s) for contemporary actor training and acting in discussing and articulating Diderot and Suzuki's concepts and approaches for acting/training. First of all, the physical body, assumed and conceptualized by Diderot is beyond our control by means of a type of radical body/mind dualism, and is based on the concept that body and mind are separate. In contrast, Suzuki's notion of acting/training is raised by his concern about the role of an actor's body in the constitution of an actor's bodily experience against the imitation of the West-oriented theatre/acting/training. The descriptions of the two theatre artists' notion of acting/training gives us insight into the place and role of contemporary theatre as a practical root to encounter and communicate between a doer and a spectator where an actor's body must appropriately be attuned and cultivated towards the cultivation of bodily attributes which are foundation but usually neglected by actors/directors/practitioners particularly in Korea. Especially, misunderstanding of a specific training sources/approaches, namely 'scientific system' and the 'method' have taken us away from the potential possibilities of the lived oneness. Here, the 'possibility' refers to the primary bodily functions within a specific context or being in the here and now rather than attempting to copying, imitating and/or adapting a specific cultural source(s)/approaches/techniques as we have faced with through the previous century. We reconsider and argue that a potential way to correspond the nature of theatre/acting/training is that how to meet the demand of contemporary spectators which in turn intensifies an actor's stability, sustainability and hopefully professional identity in this contemporary era.

• 한국엔터테인먼트산업학회논문지
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• 제14권3호
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• pp.307-322
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• 2020

강량원 연출의 공연들에서는 배우들의 신체행동연기는 대부분 단순하고 반복적이다. 이러한 연기는 관객의 감각적 지각을 유도하면서 관객에게 특정한 육체적 감정을 갖게 하는 효과를 거둔다. 대사가 주는 기호적 의미에 더해서 관객의 감각에 직접적으로 자극을 줌으로써 관객은 무대공간에서 만들어지는 분위기에 힘입어 수행적 공간의 조성에 동참하게 되며, 따라서 자동형성적 피드백-고리가 만들어지고, 의식된 지각의 도움으로 의미의 창발을 경험하게 된다. 창발적 의미는 상상, 회상, 연상 등에 의해서 불쑥 솟아오르는 것이며, 이는 결코 의도적으로 생산된 것이 아니다. 그리고 관객은 재현적 지각과 현존적 지각의 교차에 힘입어 공연에 함께 동참하는 가운데, 특히 신체행동연기의 현존성의 영향을 받게 된다. 본고에서는 2010년대 이후에 공연된 극단 동의 주요 공연 네 편에 대한 연구를 통해서 각각의 공연이 가진 개별성뿐 아니라 전체 공연을 아우르는 공통성 역시 확인하였다. 이로써 강량원과 극단 동의 연극미학이 가진 변별력을 발견하게 되었다.

• 트랜스-
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• 제12권
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• pp.107-140
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• 2022

본 연구는 공연의 기획·제작과정의 전반을 책임지는 공연 프로듀서 관점에서 이머시브 공연의 프로듀싱에 관하여 연구한다. 이를 위해 이머시브 공연의 개념에 대해 고찰하였고, 이를 바탕으로 본 연구자가 책임 프로듀서로 참여한 이머시브 공연 <위대한 개츠비> 국내 공연의 프로듀싱 과정을 단일 사례로 분석하였다. 이를 통해 프로듀서 관점에서 기존 프로시니엄 무대에서의 일반 공연과 이머시브 공연 프로듀싱의 차별점과 프로듀서로서 주목해야할 이머시브 공연의 특성에 관해 실증적 분석을 하였다.

• 영어영문학
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• 제56권2호
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• pp.237-253
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• 2010

In Christopher Marlowe's Cambridge days in the 1580s, the British forward wits were engaged in the curious pursuit of magic and occult philosophy in order to discover the mystery of things. Magic, together with judiciary astronomy, astrology, mathematics, and logic, was one of the most practical disciplines. Marlowe, Shakespeare, and Jonson demonstrate their deep interest in magic and its language of spell and charms in the light of their analogical application to the alchemical theatre. As Shakespeare says that the poet, the lover, and the madman are of the same because they give forms to airy nothing, a magical illusion is, for the three playwrights, similar to the theatrical illusion in that both magic and theatre work in and by a language and both give us sportive pleasures through the deceptio visus. However, while Jonson is rather puritanically antagonistic to the illusive language of alchemy and magic, Marlowe and Shakespeare are attracted to the rapturous nature of the absolute language of magic. Doctor Faustus' indulgence in magic stands for the Marlovian aspiration for the absolute language which allows no discrepancy between thinking and willing, conceiving and actualizing. His uses of spells, charms, anagrams, and magic books are transformed and translated in the play into an alchemical theatre. Faustus is dependant on and bound by his books of magic, as is the actor on the stage. Faustus is the poet condemned from the beginning. Though he is mistakenly thinking that it is he himself that manipulates Mephostophilis the magical agent, it is otherwise. Faustus is a shadow or an actor in the Elizabethan language. He remains a farcical figure during the twenty-four years which are given to him for his sensual dalliance. Marlowe never forgets through his farcical clowning to satirize such Catholic rituals as exorcism and benediction for their illusive theatricalism. The sports of Faustus' playacting and play-directing rise at the last hour to the height of a tragedy. Ironically Marlowe the playwright succeeds as a tragedian at the point where Faustus fails as a magician.