1960 년대에는 키네틱아트와 함께, 네온, 형광등 등을 이용한 라이트아트가 등장했다. 빛과 공간예술(light and space art)도 더불어 함께 등장했다. 키네틱아트 연장선상에 있다고 할 수 있는 라이트아트가 예술의 전자화 경향을 보여주고 움직임을 중시하고 있다면, 빛과 공간예술은 좀 더 심리적인 측면을 강조하고 움직임 그 자체보다는 현상적 경험을 중시하고 있다. 일반적으로 라이트아트는 시각적인 유희성으로 끝날 수 있는 반면, 빛과 공간예술은 유희성과 함께 빛과 공간을 시각으로 경험하며 많은 심리 변화를 느끼게 해준다. 본 논문에서는 이러한 라이트아트의 단점을 보완한 본인의 작품을 바탕으로 LED 의 색 변화가 사람의 심리에 미치는 영향과 사운드를 이용한 LED 컨트롤 방법을 연구하였다. 자칫 라이트아트에서 느껴질 수 있는 기계적 느낌과 차가운 느낌을 염두 하여 관객이 자신으로 인해 변화하는 빛을 시각으로 경험하여 작품과 하나됨을 느끼게 하는 것이 본 작업의 목적이며, 그러한 본인의 작품을 기반으로 관객이 생성하는 사운드와 함께 이루어지는 상호작용적 요소와 색채심리를 접목시킴으로써 사람의 감성에 자극을 줄 수 있는 방법을 모색하고자 한다. 그 결과 기존의 빛과 공간예술의 개념에 상호작용적 요소를 접목하여 관객의 심리에 영향을 주는 미디어 아트의 또 다른 형태를 제시하였다.
Light is the essential and symbolical entity In architecture. But the meaning of light has been changed as time has passed, and today it has plural meaning and more sophisticated role. Since 1960's 'Light and Space Art' has accomplished many successful experiments through light and space as artistic media, and they have changed the understanding of light from the electrical source to the phenomenological energy and sensual medium. And also the role of space in their works takes the more human-oriented field constituted from the coherent relationship of internal parts including human being. Light could be 'an object' and 'material' under 'Light and Space Art' artists' persistent efforts. They revealed another realm of spatial experiences such as extension-the metaphysical space, heterogeneous relationship-the complex space, and dematerialization-the illusionary space. The secondary and inclusive effects by 'Light and Space Art' can be found In the phenomenological architecture, the post-modern architecture, and the immaterial tendency of contemporary architecture. However, the more close connections between 'Light and Space Art' and the specific architectures are still left as a portion aside for the further research.
The analysis category of Art to Wear was text analyzed from the research material of 100 projects put together by fashion specialist. The conclusion of Art to Wear was comprehended the general features of it were compared and analyzed from a semiotics context. According to this analysis, the formative features of modern Art to Wear is categorized into three different dimensions from a semiotics light. The formative features of modem Art to Wear in the light of syntactic dimension was divided as an open constructed shape of Space Extension, non-typical Deformation, Geometrical Plasticity. The formative features of modem Art to Wear in the light of semantic dimension express symbolic meaning through metaphorical sign. These sign reflect the body image of the life and death and its objective of Abjection, Hybrid of discultural appearance and the image of Hyper-reality, which are features used to comprehend the inner meaning. The formative features of modem Art to Wear in the light of pragmatic dimension divided the artist emotion and meaning system delivered by Emotive Image, the Phatic Image that arouse inner signification and the Poetic Image which contain artistic and aesthetic meaning within it.
In his non-hierarchical approach to art making, Robert Irwin questions how art is made. In the process, he seems to come down on both sides of the Modernism versus Postmodernism debate. Insofar as he wants to advance the avant garde tenets of modern art, he can be thought of as a modernist. But insofar as he denies Modernism's claims for transcendental status, he can be thought of as a postmodernist. Irwin's light and space environments, in particular, are conditioned by their basic attachments to their surroundings. They reveal the commonplace, but largely overlooked, richness of visual perception. By encouraging his viewers to open their eyes, Irwin wants them to engage in an act of looking, one that manipulates the basic syntax of seeing. This paper discusses Irwin's contributions to the art of his time (basically the transitional period between Abstract Expressionism and Minimalism) using as an example a light and space environment he created as the backdrop for the "First National Symposium on Habitability." This work was later reprised in 1980 as an independent installation. These works are examined to show how Irwin's art displaces modernist notions of authoritative (and authoritarian) quality with postmodernist ideas of direct (and demotic) value.
The purpose of this comparative study is to analyze the characteristics of art museums of Louis I. Kahn. Kahn's main architectural thoughts of 'what it wants to be' and 'how it was done' act as a basis for this research. 'What it wants to be' means the existence of architecture and relates to the concept of 'room'. 'How it was done' shows the tectonic aspects of architecture and construction process to enhance its presence. Detailed items from these two thoughts applied to clarify the order in dynamics, the visualization of construction process, and the relationship between structure and light in the space of Kahn's art museums. Yale university art gallery was the first major project of Kahn and he showed tectonic characters through tetrahedral concrete slab. The unity of structure, space and light can be found in the Kimbell art museum through the vaulted structural unit. Yale center for British art is the best example of the concept of 'room' and 'tectonic' because it clearly shows the unity of spatial and structural system, and their relation to light. As a result, this study tries to find out that Kahn had consistently developed his thoughts of'room' and 'tectonic', and tried to keep them in his art museum designs.
Museums have developed various needs of the visitors and exhibits over the past two centuries. Currently, they have multiple functions of display, conservation, research and public education about artworks and cultural events. Therefore, exhibits should be displayed in various ways so that visitors can feel inter-relations with exhibits. The exhibition areas of museums should be provided with the stable lighting environment for visitors and artworks. For the study, I selected four museums, which were the Seoul Museum, the Mimesis Art Museum, the Seoul Museum of Art in Nowon and the National Museum of Modern and Contemporary Art in Gwacheon, and I measured illumination levels of the selected Museums, and then, I surveyed the visitors' responses on the lighting conditions of them. According to the results, the measurements of the illumination levels in the four museums showed that the illumination levels of them were effectively controlled to display the art works. However, the illuminance levels at some areas that drew the natural light as lighting source were much higher than recommended illumination values for museum. In the mean time, the answers of questionnaires showed that the natural light were so effective to light the museums although the natural light provided some areas with high illumination levels.
Stage lighting system is very important in theater. Because basic of performing art. Recently, The stage lighting system is very close with a performing arts. The performance arts is to have an easy communication between actors and audience. All activities related to performance art take place between the stage light and auditorium. Therefore, when constructing theater the best conditions of the stage light system should be considered for the smooth progress of play. It will be method of solution that basically facility in the performance art hall. The results of this study can be used for suggesting an operation and system improvement for stage lighting system in performance art hall. Recently, changes in the progress of plays have required the perfect stage light system. As a result, performance art hall are the most advanced stage lighting system technology of changed. The following procedures were taken for this research-the literature on the development of stage lighting system and equipment, structure, and the dimmer and computer console system has been reviewed theoretically Most of all, Cheonan City Hall Bongseo Hall and CMB EXPO art hall is important a sample of lighting system. The result of this study presents operation and system improvement stage lighting system in theater, below to operation and system improvement at stage lighting system local self-government corporation performance art hall are inconsistent stage.
본 논문에서는 디지털 논리회로의 동작 원리에 대한 이해를 돕기 위해, 스위치 기반 LED (Light Emitting Diode) Art 논리 회로 구현 방법을 소개한다. 브레드 보드를 이용한 디지털 논리회로 실습은 국내 교육과정의 고등학교 및 대학교 수준의 해당 학과에서 필수 교육과정으로 지정하고 있다. 하지만 실제 실습에는 기초적인 구현 예제가 부족하고, 이에 따른 결과로 복잡한 디지털 논리회로 예제를 통한 학습으로 디지털 논리회로의 기초 동작 원리에 대한 이해를 방해하는 문제점을 갖고 있다. 따라서, 스위치를 이용한 기초적인 실습예제이며, 다수의 출력 장치 신호들을 동시에 제어하는 논리회로의 필요성을 이해할 수 있는 LED Art 회로 구현 방법을 제안하고 시험하였다.
The expansion of media art has not only developed the digital technology but also given lots of environmental evolution to improve various fields of design as the main topic of the 21st century. The purpose of this study is aimed at proposing the new design that integrates fashion accessaries with media art technology. This will be done by understanding the social environment in digital ages and studying technology of design based on a variety of literature about changes in our society, neo value, vision, culture and art with fundamental notion of media art. First stage for this study, put an idea into just fashion accessary design because it is not sufficient to incoporate fashion and media art technology. The presented OLED(Organic Light Emitting Diodes) in this study is a kind of display to be in a limelight in the next generation and can be applied to various field of design. media art simultaneously moved into the scope of artistic debates. As a result, we can found that the use of audiovisual introduced numerous new aspects to the conceptual and aesthetic engagement with questions of conception. Today, the presented forms of art and inter-action from the closed -circuit work to interactive media art installations to open process-exist as parallel possibilities.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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