Pliny the Elder said that multiple cultures agree that the painting began as a shadow trace. A daughter of Butades, the potter in Corinth, traced an outline around a man's shadow, and it was the very beginning of painting. In this anecdote, the profile, i. e. the portrait substitutes body of the absent lover. It makes the absent body present and replaces his place. In this context Hans Belting put the anthropological value to this visual practice. Human being made images to cope actively with the shock of death and the disappearing of body. With the aid of the representation of the bodily presence, the image struggles to resist the death. This paper is a study on the critical meaning of representation in the context of bodily survival by image. The representation is the paradoxical trick of consciousness, an ability to see something as 'there' and 'not there' at the same time. So the connection between image and the body would be suspicious. Although this relation was tight in the ancient shadow painting and the medieval effigies, the modern visual practice forsakes this connection and exposes the trick of representation. It insists that image was not real and even expels the medieval visual practice from the boundary of fine arts. The genealogy of the portraiture is formed by two different visual practices. The belief and the disbelief in the image are observed in the process of representation and anti-representation, and this ambivalence transforms the ontological meaning of portrait in the visual representation.
The purpose of this study was to provide basic information about the program space planning of skilled nursing facilities for the elderly in order to consider elderly health and diversity and to improve their rehabilitation ability. A mail survey was undertaken and 58 out of 78 facilities $(74.4\%)$ responded to the questionnaire. The answers of $56 (71.8\%)$ were used for analysis. The results of the study were as follows. Many programs, especially exercise, recreation, and facility events programs that require dynamic activity, were conducted in the lounge of the facilities because that area was wide with various equipments such as tables, sofas, and sound facilities, and did not require any huge movements of the elderly since it was very close to the elderly individual rooms. The art and human knowledge programs, managed with small groups, were peformed in separate program rooms or elderly individual room so that the elderly could pay attention to the programs. On the other hand, as for the design elements, the spaces for the art and human knowledge programs required good lightings and separate program rooms. The area of the spaces for the exercise, recreation and facility events programs was found to be the most problematic element, even though they were performed in the comparatively wide lounge. For future research, a field observation study is suggested to analyze the detail relations among the program spaces.
Present expression methods have close relations with popular culture in the active acceptance of various kinds of genre. Fashion illustration is no longer limited to sketching garments or technically explaining construction, it is accepted as an art that is expressed by the desire and consciousness of the artist. This study examines the expressional characteristics and effects of photo-image appropriation as an expression method in fashion illustration. The word 'appropriation' (to steal something) is used as euphemism and not meant to be derogatory. The methods of appropriation in art indicate that paintings are not inventions but are self-satisfactory creations that show that the idea of originality is false and that paintings should be uninhibited from the greed of the authority of the genius of artists. In postmodern paintings, the photo-image of appropriation are expressed through the methods of re-photography, photo collage, and photo painting. Photo-image appropriation methods in fashion illustration are re-photography, photo collage, image mixing of photography, drawing, and graphic expression of photography. Fashion illustrators are able to develop expression techniques for expanding a field of expression and enhance the ability of communication through the photo-image appropriation methods.
Purpose: The purpose of this study is to illuminate the relation between the aesthetics and qualitative nursing research, and especially to consider the aesthetical characteristics of phenomenological nursing research which may reflect works of art. Method: Based on Heidegger, Merleau-ponty and Gadamer' philosophical aesthetics, this study shows how aesthetical thought can be is applied to artistic creation and aesthetical criticism in the phenomenological research of nursing. Result: The result of aesthetical characteristics of phenomenological nursing research were as follows: 1) Poetical thought of the client's experience as the living is revealed as poetic expressions in forms of listening gazing, reflection and metaphor. 2) Literature works, paintings, poetry and fiction used as sources of lived-experience help to awaken insight into the essence of lived-experience. 3) Aesthetical evaluation of phenomenological product as art is related to the harmony as a whole, especially to the ability to do vicarious lived-experience of the client. Conclusion: In order to produce creative phenomenological works in nursing research, two suggestions are made: aesthetical thought and poetic language in phenomenological reflective writing which enables researchers to transmit the essence of the lived-experience.
With the trend of globalization more people are absorbing in the English learning programs. Not a few attend even the English-Korean translation training course to be semi-professional translators, but we English teachers have already experienced that it is not so easy to translate any language into another, and that it is far more difficult to translate poetry. Much time has been devoted to investigating the problems of translating poetry than any other mode. Poetry translation theory is concerned with the problem of faithfulness to the original poetry. To be a good translator we must fully understand the sound and sense of the original work. But when in translating English poetry into Korean we feel keenly our limits of understanding the sound and style of English poetry, and of expressing them into Korean. Even our sense-oriented translation is far from satisfactory. We often make quite a few mistranslation. Another immediate problem is that of alternation between word-for-word translation and free translation method, but first of all, we should have a perfect knowledge and understanding in English, and a good command of our mother tongue. We should also have a sound interpretation ability because poetry translation is based on the interpretation of the original, and on the shaping of that interpretation. Some doubts have been raised over the feasibility of poetry translation. They say it is not possible to combine in another language the emotion, the form, the style, the musical devices of English poetry. Yet the art of translation has been practiced everywhere in the world. Through this art we can share our experience and culture with foreigners and theirs with us.
This article is to understand the implications and ideological meaning of female normative beauty reproduced by the idealizing phenomena of the hyper-real body as a process of the normalization of the body projected in fashion magazines with a focus on the body created by the increased influence of mass media in consumer capitalism. This study conducts a literature research and semiotic analysis as the method of investigation and focuses on the body images of the beauty articles in Vogue Korea. The idealizing phenomena of the hyper-real body in fashion magazines emphasizes that the body is an exchangeable substance that can be disassembled to adjust to accord with the standards and norms of society, that the ability of individuals to manage their body is enhanced by a rise in social class, and concludes that the superficial alteration of the body image is related to the standard of a moral tendency where a young and slender figure is considered to be a well managed body image.
In spite of the rapid change of the technology, the university education cannot escape from the traditional form of classroom teaching. University education is assessed through listening the same content of lecture, completing the same assignment and test at the same time, same place. To prepare for the 4th industrial revolution, it is investigated to reorganize the curriculum(32.5%), strengthen the lifelong education(21.4%), expand the compulsory education(17.6%), expand the innovation school(13.7%), expand the educational finance(10.4%) as the field of education which need to be strengthen. The change of the education is essential to prepare for the 4th industrial revolution which creativity, collaboration, fusion, problem solving are the core ability. In this thesis, it is to be compared that the subjects opened in liberal arts of domestic and overseas university in this 4th industrial revolution and Basic Liberal Art Education Curriculum is promoted for the smooth management for preparing the future and taking the action to the change. Stereotyped and inflexible frame should be changed to 'Structure', 'Recognition', 'Attitude' for making the base of 'Diversity', 'Personalization', 'Flexibility' which are needed to uplift 'Imagination', 'Creativity' for education of the future and the new era.
This study was performed to develop the basic framework of multicultural art education programs for female foreign immigrants married to Korean males. First, these programs aim to lessen their cultural variance in acculturizing in Korea, and thereafter enhance their emotional stability and improve their creative ability to integrate cultural diversity into family life. The primary objective of this study was to offer a suitable education program and evaluation criteria for the program; the research has been done through person-to person interviews with 53 subjects using a series of questionnaires composed of 8 five-point Likert-Scaled items. As for the process of the interview, the subjects were asked about their satisfaction with each program item twice in order to comparetheir impressions before and after program participation. The satisfaction scores were analyzed using frequency distribution. In addition, the program effects were also evaluated by coordinators and developers from their subjective comments through periodical evaluation meetings. From the results, it is observed that art education programs are beneficial for improving female immigrants' emotionaland cultural integration. In addition, experts determined that the programs were helpful for improving their human relationship and acculturization in Korea. Finally, it is concluded that multicultural education programs are a primary fundamental infra-structural way of integrating diverse cultures and improving communication exchanges, and therefore, improve family stability among the multicultural families in Korea.
Fashion films with screen limits have a way of changing communication methods through sensorial organs in order to go beyond limits. This study shows that such change is possible if fashion films are based on haptic factors. This study examines haptic factors of fashion films from the three perspectives of filming factors of different shot size, synesthetic, and cinematic screen methods. First, when the subject to be emphasized is enlarging, the observer comes to project themselves to the situation and incurs a haptic sensation. Second, when associating an experience by personal recollection or social customs when more than two senses are stimulated simultaneously, haptic sensations, triggered by multiple senses, takes place. Third, a blurred image shows haptic sensations through inducing observers to see into the meaning of a shot. As a result, the senses of the observer enlarge and enhance a communication ability through absorbing and accepting a fashion film. Furthermore, fashion films are effective in understanding the cultural forms of the age.
This paper examines William and Ellen Craft's Running a Thousand Miles for Freedom (1860)-a narrative of the enslaved couple's escape from Macon to Philadelphia in the guise of a white male master and a colored slave. Expanding Judith Adler's notion of "travel as performed art," my reading of Running focuses on the Crafts' stratagems of transvestism-crossing boundaries not only of gender, but also of race, class, and disability. If travel can be understood as a form of performed art, then why not address a traveler as a performance artist? I present William and Ellen's role-playing in Running as performers of crossing borders and categories, or, as "fugitive performers," since the couple's story never reaches its final arrival but narrates an eternal run-away, far more than "a thousand miles to freedom." Using social stereotypes of race and gender to disguise, William and Ellen plot, write, choreograph, play, and recite on the moving stages and manipulate the others-especially white American audiences-who accompany the couple's run-away and those who were responsible for the cultural drama-a tragedy of American slavery. Becoming "fugitive performers," William and Ellen de-essentialize and debunk the nineteenth-century America's firm belief in distinct color line between black and white, and in the high yet unstable bars between male / female, abled / disabled, master / slave, and freedom / slavery. The Crafts alert their contemporaries and readers by presenting the complex and permeable boundaries of race, gender, class, social and cultural ability.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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