The Netherlands' contemporary Art Furniture has drawn large attention from design and art fields all around the world because of Dutch designers' intriguing themes and experimental approaches. Its successful achievement not comes from certain policies or personalities, but the result of ceaseless internal criticisms and self examinations. After World War II, Modernism was the most common notion of furniture design for mass production in the Netherlands like other nations, but Dutch designers and critics put modernist canon up for discussion since 1960s. They have searched counter modernist design for expression of human element and warmth using art works, craft, and Postmodernism theory, etc. Throughout design debate of modernism, free design, design as art and conceptual design, now we could observe Dutch designer's unique and distinguished Art Furniture in the influential places. By analyzing the development of the Netherlands' contemporary Art Furniture in chronological sequences, we could understand them better and learn something useful to Art Furniture in South Korea.
In February 1947, Christian Dior startled the world with his spring collection. He transformed the unflattering square shouldered outline of women's wartime fashion overnight. It was not only fashion that made a pivotal point for opulence and elegance, The style of architecture, furniture, glass, and silverware also made a radical change. The new style emerged after war called " organic modernism'. This study is to define the visual characteristics of fashion, architecture, furniture and craft after World War II and examine the social factors and aesthetics that generated a new style. The common asthetic characteristics are freedom, abstraction of symbolic from, asymmetry, and exaggeration of form. The social factors, values and aesthetics are economic reconstruction and renaissance of design , technical development and new materials, fredom and optimistic view after the holocaust of war, and organic aesthetics and humanism.
Architectural Monuments have to overcome the challenge of time due to physical properties. The fundamental issue must be grounded in an understanding of history and art to overcome this challenge and make themsustainable. Many efforts to preserve the monuments through the 19th century and at the beginning of the 20th century to record them in scientific form were successful. To be aware of the meaning of the art and not to be 'barbare' anymore was behind the promotion of these activities. Above all, the 19th-century French architect Viollet-le-Duc contrasted the concept of barbarism with the concept of art and tried to redefine architecture as art. The ritual to escape 'barbare' played an important role in the end. This consciousness was also at work in the propaganda for the preservation of medieval architectural monuments in France, led by intellectuals such as Rodin. Also, the concept of 'barbare' served as an important yardstick whenever the cause of their loss was questioned while important monuments were destroyed in the First World War. From the viewpoint of Germany, Dehio was the pioneer of the preservation movement and documentation of monuments. The principle he advocated was preservation, not restoration. The historian Pevsner, who moved to England, also surveyed monuments in various parts of England and left them in the same format as Dehio. These facts show that architecture as art plays a fundamental role in the history of human life.
The purpose of this study were as follows : 1) Investigate how to intluence Clothes with time background and trends of art-thought in the twenty century. 2) To understand chronologically how to change hair style Make-up and hair decor-ation. I. 1st and 2nd World War time(1920-1945) The women's social status and their sexual equality was promoted during in this time. 1) African Art Surrealism and Expression art were doninated. 2) The popalar trends were tutular silhoutte (Slim and long) boyish Style and military lookwere popular. 3) The popalar trends of were Eton Crop. short bob gaconne hair style cloche hat. page boy hair style were popular. 4) The trend of make-up which specially. emphasized eye make-up and imitated movie star make-up and make shining redish of lip and nails were popular. II. The stage of modernism(1945-1969) cold war time between communism and capi-talism and promotin of women's human rights were established in this time. 1) Pop art avantgrade art were catched up 2) The popular trends of were new look Kior's line silhoutte mini skirt and young fashion. 3) The popular trend of hair style was french twist. Pill Boxs hat curly bob style were prevalenced and they some what dwarfed hair style. 4) make-up natural make-up was popular. III. The stage of high economic development (1969-1990) Increased population economic development were tend to specialize with anti-social action such as Hippie and Punk groups. 1) Op art Androgynous post-modernism Punk and neo-modernism were catched up. 2) Clothes : classic style of reactionism layered look Punk-fashion avantgrade fashion and pantalon suits were prevalence. 3) Hair Style : Twiggy's short hair style the geometric hair cut natural long hair Spike hair unsex-hair style. 4) Make-up : diversified individuality were prevalence The result of this study indicated that the value's of recognize the importance of total fashion that is the harmonization of clothes hair style and make-up.
Samuel Eliot Morison (1887-1976) was one of the pre-eminent historians of his generation. He was not only a famous historian at that time, but also was promoted to the rank of Admiral in U.S. Navy Reserve. Fifteen volume History of United States Naval Operations in World War II was published between 1947 and 1962, was not only a comprehensive report on the Navy's projection of power over two oceans, but a classic of historical literature that stands as the definitive treatment of it subject. Although he was fifty-five when war come to America in December 1941. Samuel Eliot Morison was determined to play a role. A professor at Harvard at the time, he joined volunteering for duty in the Navy. An experienced sailor, Professor Morison had earlier sailed that same routes taken by Christopher Columbus while researching his biography, Admiral of the Ocean Sea, which appeared in January 1942 th much acclaim and later got a Pulitzer Prize. Thus Morison plunged into the war, crossing the Atlantic aboard a destroyer. He assumed himself as "Parkman on the sea", tried to follow Parkman's historiographic method, not only participatory history but also literary style. And during writing History of United States Naval Operations in World War II, He emphasized two principles, publicity and objectivity. In terms of publicity, he always worried about who read history and why. In his pamphlet, "History as a Literary Art", he asserted it is useless if readers do not read a history which historians wrote. So he thought historians have forgotten that there is an art of writing of history. Therefore, he built his narratives around brightly rendered visuals and used the present tense to describe actions he witnessed firsthand, he wrote of the U.S. combat in very vividly. But strongly driven by publicity, he sometimes lost his balance in writing the naval history. For instance, the naval history became the focus of criticism for its prejudiced comments about the commanders. Also some reviewers asserted he did not secure the objectivity on writing the naval history. Although he sometimes deliberately torpedoed the objectivity of his work for strengthening publicity, by writing an extensive U.S. naval history, he introduced maritime history and naval history to the public widely. Until in early twentieth century, U.S. historians usually had been focusing their effort to the traditional areas, for example politic, economy, and etc. His intensive effort on the operations of U.S. Navy in World War II aroused a public interest in maritime and naval history. In conclusion, through using literary style and realistic narratives, historian Morison wrote a naval history for all the people which could appealed to the public.
한국의 가면극은 대부분 세시풍속의 하나로 연행되었으며, 동제·줄다리기·지신밟기·횃불싸움·길놀이·사또놀음 등 여러 세시행사와 연계되어 전승되었다. 6.25전쟁 이후에는 이러한 세시행사와 관계없이 독립적으로 연행하기 때문에 원래의 기능과 의미를 상실하게 되었다. 또한 연행시간이 대폭 줄어들었기 때문에 연희내용, 노래, 대사를 많이 생략하고 있다. 북청사자놀이는 6.25전쟁 이후 사자춤이 한 마리에서 두 마리로 늘어났고, 애원성춤·사당춤·넉두리춤·칼춤을 새로 추가했다. 사자가 아이를 잡아먹던 내용도 토끼인형을 잡아먹는 내용으로 바뀌었다. 사자가면은 원래 여러 유형이 있었으나, 현재는 호랑이 모습의 가면으로 획일화되었다. 양주별산대놀이는 '애사당 법고놀이'에서 먹중 8명과 왜장녀·애사당 등 모두 10명이 등장하는 것이 이치에 맞는데, 현재는 이외에 말뚝이 가면을 쓴 배역이 등장한다. 현재의 연희에서는 성(性)과 관련된 노골적인 부분을 생략하고 있다. 또한 신할아비·미얄할미 과장에서 할미의 죽음 후에 예전에는 신할아비가 넋타령을 했는데, 최근에는 무당굿을 한다. 대사에서는 비속어와 육담을 대폭 생략하고 있다. 가면은 특히 연잎·옴중·샌님가면이 큰 변화를 보인다. 봉산탈춤은 6.25전쟁 이후 노장과장에서 가장 큰 변화를 보인다. 예전에는 소무가 두명 등장했으나 현재는 한 명만 등장하고, 신장수와 원숭이의 퇴장도 차이를 보인다. 예전의 가면들은 연희자가 내다볼 수 있는 구멍을 코 양옆으로 크게 뚫었지만, 현재의 가면들은 가면의 눈동자에 구멍을 뚫어놓았다. 특히 먹중가면이 큰 변화를 보인다. 봉산탈춤을 복원할 당시에 봉산 출신의 연희자가 적었기 때문에, 다른 해서탈춤의 연희자들과 함께 연희를 복원했다.
In this study I made an analysis on the background of creating of Minimal Art and thought of its artists during 1950~1960 and their works. Starting from the early Modernism that tried to depict the life of farmers and laborers in the chaos of war and viewing the art as the tools describing the life itself, minimal art took its root as furniture in ordinary life passing through the era of Surrealism and Dadaism. In 20th century, furniture designers were trying to seek new trend of modern furniture in the perspective of balance and immaculateness while excluding emotion and overall feeling through minimalism. These efforts result in the introduction of immaculateness and refinement in furniture design. Hence, this study is to represent a new trend of furniture design utilizing the margin of furniture in complex lives through formative characteristics that minimal art beholds.
The Bauhaus educational method gave the strong influences on Modern Japanese art and design education. In the 1920s and 1930s, Japan allied with Germany and Italy politically and tried to receive German system to be modernized. The reception of the Bauhaus and Moholy-Nagy's photographic theory was one of those activities at that time. Japanese intellectual class went to the Bauhaus and studied there; Ishimoto Kikuchi, Nakata Sadanosuke, Mijutani Takehiko, Yamawaki Iwao and Yamawaki Michiko(Yamawaki Iwao's wife). Especially, Yamawaki Iwao studied about the architecture at the Bauhaus, but his interest moved toward the photography and the photomontage based on Moholy-Nagy's theory. He studied at the photography workshop of the Bauhaus presented by Peterhans irregularly. Even though Yamawaki Iwao was an architect, he wanted to be admitted as an expert for the photomontage that he particularly studied at the Bauahus as a Bauhaus member. He had presented many articles about the photomontage at the photography magazines in Japan in order to introduce it to Japan since he returned in 1933. Thus, Yamawaki Iwao is the important person when we look back the Modern Japanese design and art history. In Japan, the art and design systems are managed by the Bauhaus educational system until now, and it has become a kind of cultural legacy in Modern Japan; The university of Tama and The university of Tsukuba are the representative educational systems which are based on the Bauhaus legacy. However, Yamawaki Iwao had been concealed as a photographer in Japanese design and photography history until the retrospective discuss named by 'Bauhaus syashin(Bauhaus Photographies)' at the photography magazine, Deja-vu in 1995 and the retrospective exhibition titled as 'Bauhaus syashin(bauahustofografie)' in 1997. This study rethinks of Yamawaki Iwao's historical position while looking at the term as 'Bauhaus Syashin(Bauhaus Photographies)' used in Japan. It is very important to bear in mind Moholy-Nagy's wide variety of approaches to photography at the Bauhaus, but it is impossible to name it 'Bauhaus style'. 'Bauhaus style' is the international style in architecture, but that was never a Bauhaus style in photography. Eugene J. Prakapas indicated that the vague term of 'Bauhaus Photographies' in his article in 1985 as well. This study considers the historical background for the mistake of the term of 'Bauhaus Syashin(Bauhaus Photographies)' in Modern Japanese history, while looking at Yamawaki Iwao's photomontage faintly entering on the historical stage again to discuss the reception of the photomontage from him. In particular, Some of Yamawaki Iwao's photomontage presented as the wall photography in Japan during the Second World War, that was related to the propaganda of Japanese government. It had not been known well in the modern Japanese art and design history because it was related to a declaration of the Second World War by Japan. However, the historical position of his photomontage is very important for Japanese history when we rethink of the reception of the Bauhaus and Moholy-Nagys' photographic theory to build up the Japanese modern history. In the result, this study wants to discuss that the mistake of the term of 'Bauhaus syashin(Bauhaus Photographies)' in Japan is related to the interpretation for the the historical position for Yamawaki Iwao's photomontage in the reception of Bauhaus and Moholy-Nagy's photography in Japan.
Even though Sino-American relations of the Donald Trump era were perceived as predominately confrontational, with a symbolic trade war between the two, the scale of economic interdependencies between the United States and China results in either a need for collaboration or in serious losses on both sides in the case of lack of cooperation. The paper aims at analyzing economic relations between the United States of America and the People's Republic of China at the time of the Trump presidency. Analysis is based on the complex interdependence theory of Robert Keohane and Joseph Nye. The main hypothesis analyzed in the paper states: Asymmetric interdependence between the People's Republic of China and the United States of America limits the scope, intensity and length of a trade war. For the sake of the paper, economic interdependence will be analyzed. Apart from the reference to the state of the art, the document analysis and descriptive statistics are to be applied in the paper.
This paper examines a number of Korean artists-Whanki Kim, Po Kim, Byungki Kim, Lim Choong-Sup, Min Byung-Ok and etc-working in New York in the 1960s and 1970s, focusing on their motivations to head for the U.S. and their life and activity in the newly-emerged city of international art. The thesis was conceived based upon the fact that New York has been one of the major venues for Korean artists in which to live, study, travel and stay after the Korean War. Moreover, the United States, since 1945, has had a tremendous influence upon Korea politically, socially, economically, and, above all, culturally. This study is divided into three major sections. The first one attends to the reasons that these artists moved out of Korea while including in this discussion, the long-standing yearning of the Korean intelligentsia to experience more modernized cultures, and American postwar cultural policies that stimulated them to envision life beyond their national parameters, in a country heavily entrenched in Cold War ideology. The second part examines these artists' pursuit of abstraction in New York where it was already losing its avant-garde status as opposed to the style's cutting edge cache in Korea. While their turn to abstraction was outdated from New York's critical perspective, it was seen to be de rigueur for Koreans that had developed through phases from Art Informel in the 1960s to Dansaekhwa (monochromatic paintings) in the 1970s. The third part focuses on the artists' struggle while caught between a dualistic framework such as Korea/U.S, East/West, center/margin, traditional/modern, and abstraction/figuration. Despite such dichotomic frames, they identified abstract art as the epitome of pure, absolute art, which revealed their beliefs inherited from western modernism during the colonial period before 1910-1945. In fact, their reality as immigrants in America put them in a diasporic space where they oscillated between the fixed, essentialist Korean identity and the floating, transforming identity as international artists in New York or Korean-American artists. Thus their abstract and semi-abstract art reflect the in-between identity from the diasporic space while demonstrating their yearning for a land of political freedom, intellectual fulfillment and the continuity of modern art's legacy imposed upon them over the course of Korea's tumultuous history in the twentieth century and making the artists as precursor of transnational, transcultural art of the global age in the twenty-first century.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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