• 사상체질의학회지
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• 제11권2호
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• pp.39-50
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• 1999

지금까지 동무 이제마는 의학자 및 사상가로서의 측면에서 집중적으로 연구되어져 왔다. 그러나 본 논문에서는 동무의 이러한 면모 이외에 그가 지은 한시를 분석하여 동무가 문인으로서도 훌륭한 자질을 갖고 있었으며 독자적인 문학세계를 구축하고 있던 인물이었다는 사실을 규명하고자 한다. 문인으로서의 동무의 진면목이 밝혀진다면 이는 동무 연구의 새로운 경지를 개척하는 것이 될 것이다. 필자가 접한 동무의 한시는 모두 20수이다. 동무는 23세부터 35세까지의 청장년기에 한시를 주로 지었으며 44세이후 격치고를 저술하면서부터는 한시를 그다지 많이 짓지 않은 것으로 보인다. 동무가 지은 한시는 크게 두 영역으로 나눌 수 있는데 하나는 삶과 방랑의 과정에서 겪는 일상사를 형상화한 것이고 또 하나는 자신과 주변 인물들의 행동거지를 경계하는 자경시이다. 동무가 삶을 노래한 시는 4수 뿐 이지만 이 시편들은 모두 압운을 정확하게 지키고 있으며 시를 지을 당시의 내면심사가 곡진하게 표현되어 있고 수사적 표현도 세련되어 있어서 동무의 한시 문학 세계가 일정한 수준을 갖고 있었다는 사실을 확인시켜 준다. 그리고 그의 자경시는 한시의 정형성을 완전히 지키고 있지는 않은데, 이것은 당시 조선후기의 문단에 팽배해 있던 조선시의 자각과 일맥상통하는 것으로 주목된다. 특히 자경시는 그 내용이 동무의 사상과 유기적으로 연결되어 있어 동무의 사상이 시의 형태로 표현된 것으로 인정할 수 있겠다. 동무는 그의 한시를 통해 다정 다감하고 솔직한 인간적 모습을 드러내고 있다. 이러한 동무의 면모는 전혀 새롭게 밝혀지는 것으로써, 저명한 의학자요 유학사상을 바탕으로 한 사려 깊은 사상가로서의 모습 이외에 진정한 인간적 실상을 나타내는 것으로 의미 있다고 하겠다.

• 건축역사연구
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• 제3권2호
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• pp.67-90
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• 1994

Soshaewon(瀟灑園) is the historical relic No. 34, and located in the upper part of Kwangju-dam in Damyang. It is a Byulseo-garden(別墅庭園), a retreated garden near residence, that is constructed by Yang San-Bo(梁山甫, 1503-1557) in 1530's. That is to say, Soshaewon is a space of life that is situated near the village called Changam-chon(蒼岩村), and a place to study, lecture and importune among literary men. Therefore, we can see that it is of great significance in the architectural, landscape architectural, and literary aspects. This paper is based on the 'Pictorial Map of Soshaewon(瀟灑園圖, 1775)' and 'Forty- eight Poems(四十八詠)' composed by Kim In-Who(金麟厚) in 1548. The 'Pictorial Map of Soshaewon' which describes a vestige of Soshaewon makes it easy to understand the composition of space, by offering the important clues to the prototype of Soshaewon. Moreover, 'Forty-eight Poems' are very valuable references from which we can consider an ideal and internal meaning of Soshaewon. In this paper, the central objective is to observe the consitituents of architectural space of Soshaewon; architectural, stone-built, water-spacial, landscape architectural, external- garden and behavioral elements. The research on Soshaewon is to be processed gradually in the future, but this paper is limited only to the areas presented in the 'Pictorial Map of Soshaewon' and "Forty-eight Poems."

• 영어어문교육
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• 제12권4호
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• pp.277-290
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• 2006

This study is to find out the meaning of the death in Donne's "Holy Sonnets" and divine poems. Death issue is the important theme and is used frequently in his poems. He expresses an assertion of faith about the defeat of death and wishes to gain new birth and eternal life through death. Ironically death must be died for rebirth and an inevitable death. Death is another way to get new life and return to Christ. Many readers think that "Hymn to God my god, in my sickness" is Donne's most distinguished achievement in his divine poems. The poem shows that death must be accepted willingly because it is only through death that man can reach heavenly bliss and gain new life. He develops an antithetic parallel between two hills and two trees. Paradise and Adam's tree which brought death into the world are related analogically to Calvary and the Cross, which brought resurrection and eternal life. Death and resurrection are shown to be conjoined in the poem. To sum up, Donne tried to pursuit death for rebirth and modeled after Christ's death and Resurrection.

• Annals of Clinical Neurophysiology
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• 제5권2호
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• pp.210-213
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• 2003

POEMS syndrome is a multisystem disorder associated with polyneuropathy, organomegaly, endocrinopathy, a monoclonal protein(M-protein), and skin change. Recently we have had the opportunity to attend one patient with clinical features similar to this syndrome. He was a 46-year-old man who had a progressive polyneuropathy, swallowing difficulty, hepatosplenomegaly, hypothyroidism, IgA ${\lambda}type$ monoclonal gammapathy, specific skin change and ascites. His symptoms such as low extrimity pain and weakness, swallowing difficulty were improved by high-dose 7S-IgG. Thus, we report a case with a review of the literature.

• 영어영문학
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• 제64권2호
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• pp.299-305
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• 2018

Near / Miss, Charles Bernstein's poetry collection, is replete with poems of distinctive styles and pluralistic forms in his idiosyncratic and artistic cosmos. With poetic antics, queerness, sarcasm, irony, and humor, the book showcases the motif of loss, chaos and trauma in postmodern America and the world. The multiplicity and multi-dimensional $M{\ddot{o}}bius$ effect in Near / Miss echo earlier Bernstein's poems, as well as poems by ancient and contemporary poets, with visual artists and musicians, and rabbis and Jewish philosophers. I argue that Near / Miss offers an apotheosis of echopoetics, which has been launched in his previous book Pitch of Poetry. Poems in the book reveal the dark and thick "pitch," namely the queer, the uncanny, the invisible, the disabled, the dispossessed, and the silenced poetic Other and make it explicit. The estrangement and alienation of $clich{\acute{e}}$ through diverse malaprops, mondegreens, non-sequiturs and fragmentations in Near / Miss aim at deconstructing the fixation of language so as to display the poetic Other. The motif of "nothingness" in echopoetics significantly multiplies its meanings. Nothingness mainly refers to the loss of origin, the defiance of tyranny, and the sublimity of the universe and the poetic Other. Melding his personal loss and misfortune, the current political discontent and the postmodern chaos in America and the world, nothingness in echopoetics resonates with American literary tradition and Zen with a healing and transforming power.

• 비교문화연구
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• 제45권
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• pp.33-54
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• 2016

본 연구는 프랑스의 시인 기욤 아폴리네르, 폴 엘뤼아르와 한국의 이상의 시에 나타나는 상형적인 시어들에 대한 비교 분석이다. 그들은 글꼴이나 문장의 모양과 행간을 회화적으로 배열하는 타이포그라피 기법을 응용하고, 알파벳의 철자, 수학적 기호, 원이나 점, 선 등의 도형적 요소들을 혼용하여 특징적인 시화를 펼쳐 보인다. 시각적인 서정으로 평가되는 그들의 작품은 반시어들이 조화를 이루고 있으며, 기존의 시어나 문법의 규범을 벗어난 글자와 기호들의 자유로운 구사는 병렬적이고 대립적인 특성을 보여준다. 그들의 상형적 시어들은 공간의 확장과 같은 역동적인 이미지를 불러오고, 이상의 기하학적인 기호들을 응용한 상형적 시어들은 형이상학적이고 추상적인 그림시로 형상화된다. 결과적으로, 우리가 분석한 세 시인들의 상형적인 시어들은 조형의 미학으로 귀결된다. 변형된 글자와 암호와 같은 기호의 회화적 구성은 시적공간의 확장이 불러오는 입체적 미학을 구현하고 있다. 나아가 세 시인의 상형적인 시어들은 프랑스와 한국의 현대 시문학에 파격적인 표현기법으로 당대의 새로운 예술정신과 해방정신을 실현한 전위적인 시적 언어들로 평가할 수 있다.

• 영어영문학
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• 제57권2호
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• pp.191-215
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• 2011

This paper aims at investigating Dorothy Wordsworth's later conversation poetry, which has not been the focus of critical discussions on her literary works. While many critics have been emphasizing Dorothy Wordsworth's journals and the tendency of self-effacement in her prose, this paper argues that her later poetry often reveals acute self-consciousness about the circumstances that condition this self-annihilation and searches for a creative way to endorse her own identity. In "Lines Intended for My Niece's Album," she expresses anxiety and uncertainty about the inclusion of her poetic piece in Dora Wordsworth's album, which contains poems by prominent male writers of the contemporary period. "Irregular Verses" presents Dorothy Wordsworth's self-conscious narrative of her girlhood and shows how her own ambition to become a "Poet" has been stifled by external circumstances, including the ideology that instills the idea of proper womanhood into aspiring girls. While these poems examine contemporary gender discourse and the frustrated poethood resulting from it, other poems activate conversations with William Wordsworth's poems and thereby provide a revisionary re-writing of her brother's texts. For example, in "Lines Addressed to Joanna H." Dorothy Wordsworth becomes "a woman addressed who herself addresses others." Her scrupulous approach to her own addressee refuses to subordinate the other to the self's will, and through this revision of "Tintern Abbey," Dorothy Wordsworth vicariously liberates her own self confined in her brother's poems. "Thoughts on My Sick-Bed," which echoes "Tintern Abbey" through borrowed phrases and direct address to William Wordsworth, foregrounds her own poetic identity in the form of the first-person pronoun "I." Dorothy Wordsworth's continual illness during this period of her life paradoxically allows her the time for personal reflection formerly denied to her in her busy life constantly occupied by physical and spiritual labor for others. Instead of earning satisfaction from the subsumption of her creative energy under William Wordsworth's poetical endeavor, Dorothy Wordsworth finally starts to affirm her own poetic identity that can properly express her inner vision and artistic talent. Although this final affirmation remains largely incomplete due to her later mental collapse bordering on madness, it powerfully conveys the hidden literary aspiration of the formerly frustrated female poet.

• 문화기술의 융합
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• 제7권3호
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• pp.591-598
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• 2021

전후방 단어들의 인접 여부 혹은 후방 단어들의 순서를 학습할 수 있는 통계 기법인 SVD, 딥러닝 기법인 CBOW, LSTM으로 단어벡터를 구할 수 있다. 이렇게 학습된 단어벡터를 기형도의 시에 적용하여 핵심 이미지를 대표하는 단어들과 유사도 높은 단어를 구해서 분석해 보았다. 시적 이미지와 어울리지 않는 단어들이 연산되기도 하지만 그 단어가 사용된 시적 맥락에서는 기준 단어와 유사한 이미지를 표현하고 있음을 알 수 있었다. 이러한 단어벡터를 활용하면 핵심 이미지를 대표하는 단어들의 관계와 유사한 관계의 다른 단어들도 유추할 수 있다. 따라서 통계 기법인 SVD 및 딥러닝 기법인 CBOW와 LSTM으로 구한 단어벡터의 유사도 및 유추 연산을 통해 대상 시를 다양하고 심도 깊게 분석할 수 있다.

• 영어영문학
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• 제56권5호
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• pp.973-998
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• 2010

This paper aims at assessing the significance of Lyrical Ballads of 1798, the agreed inaugurator of English Romanticism, in terms of such key concepts as poetic "experiments," "conversation," and the authorial function. The 1798 volume marks an interesting incidence in which an author with no tangible substantiality can wield his authorial function over his works. The volume is signed without the named proper noun-its author is neither William Wordsworth nor Samuel Taylor Coleridge. The figure of the author in this case is realized by the poems he writes; he produces, and is produced by, his works-a fact that constitutes part of the poetic experiments manifested in the Advertisement. Working under this reciprocal production, the Author of the 1798 volume and his poems are collectively aiming at establishing a new class of poetry and an interpretive community. The notion of "conversation" is a key element in the thematic, stylistic ties among individual poems. Poems of the 1798 volume effect multi-layered, "blended" voices. Readers are expected to draw out the topological interweaving among poems through the practices of dialogic reading. In this light, the sequential necessity of "The Rime" and "Tintern Abbey" should be emphasized. They are stitched together in a logic of textual placement and the transition from one to the other is never arbitrary. Most of all, they are working under the same authorial function, complementing each other, and addressing the same poetic project in different textual locations. As an inaugural work of English Romanticism, Lyrical Ballads of 1798 in fact makes so many things happen and yet again anticipates something yet to come with elusiveness. The value of this poetic experiments should be judged not only by what is claimed in it, but what it sets out to do and "how far" it will be performed, as implied in the Advertisement. The efficacy of the volume, more than anything else, is dependent upon the performative power of words.

• 동양고전연구
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• 제57호
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• pp.383-406
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• 2014

미암(眉巖) 유희춘(柳希春)(1513~1577)은 시를 생활의 일부로 여겼다. 그러므로 필자는 미암 유희춘의 한시에 초점을 맞추어 살펴보았다. 본고에서 논의한 사항들을 종합하여 결론으로 삼으면 다음과 같다. 미암(眉巖)은 문학을 재도적(載道的) 관점에서 이해하려고 하였다. 미암(眉巖)의 한시는 현재 300여수로 추산되는데, 필자가 파악한 작품은 285수이다. 그리고 미암(眉巖)은 진지한 자세로 작시(作詩)에 임했으며, 형식보다는 내용을 중시하였다. 고시(古詩) 율시(律詩) 절구(絶句) 가운데 絶句(특히 칠언(七言))가 가장 많으며, 오언(五言)보다 칠언(七言)을 더 선호한 것으로 보인다. 고시(古詩)의 경우, 전고(典故)가 비교적 많은 편이다. 절구(絶句)는 미암(眉巖)이 가장 능했던 시체(詩體)로, 주로 생활과 관련된 내용들이 주류를 이루고 있다. 그리고 율시(律詩)는 자기성찰이나 현실세계에 대한 자신의 심정을 표출한 내용의 시들이 많다. 미암(眉巖)의 시는 유배기와 해배 복관 이후기로 나눌 수 있다. 유배기는 학문 연마를 통한 자기수양(自己修養), 우정(友情), 애민(愛民) 등으로, 해배 복관 이후기는 충군(忠君), 지인(知人)들과의 교유, 감회(感懷), 숭조상문(崇祖尙門), 자기성찰(自己省察), 문학적 교감을 통한 부부애(夫婦愛) 등으로 나눌 수 있다. 미암(眉巖)의 시는 시제(詩題)에 음(吟) 송(送) 차운(次韻) 등이 붙은 작품이 많으며, 일상생활이나 체험사실 등과 관련된 시들이 주류를 이루고 있다. 그리고 태반은 담담하게 사실 그대로를 자연스럽게 표현하고 있다. 미암(眉巖)은 시를 생활의 일부로 여겼으며, 부인 송덕봉과 일상생활에서 겪었던 일을 시로써 수창하며 서로 문학적 교감을 하였다는 점에서 주목할 만하다.