Pop art, an artistic trend which was actively popular centering around popularization of America in the 1960's, appears as punk style in the 1970's and as one of diversified style in the 1980's, and have co-existed in the third culture and pluralistic combination since the 1990's. The image of pop art includes complexity, familiarity and popularity as well as extension of media, and so directly influences the fashion in the end of the 20th century. Especially, sportslook show up by the virtue of rising lower cultural area such as street fashion becoming influential and change in life style, which was recreated as clothes by developing characteristics of design including style, details and colors showed in active sports wear. This study is aimed to ana analyze the image of pop art showed again in the modern fashion in the end of the 20th century and graffiti-art which was well known to the general public after the 1980's. Through this analysis, I will study characteristics of pop art showed in sportslook which is the mainstream in modern fashion and graffiti of Keith Haring. Consequently, I suggested a functional, esthetic and future-oriented sports look design which comprises the image of the graffiti-art of Keith Haring by using Design CAD(photoshop & primavision) enabling to attempt variously and to derive quickly the output of design and textile.
This study analyzes the characteristics of clothes worn by the Zhuang in order to produce new fashion designs, and to propose diverse new directions in fashion design. Research was conducted using a bibliographic survey on the cultural background, characteristics, and relevant techniques of the Zhuang costume and that of minority races in China. This study deploys four styles of design for women's wear. With the inspiration of the traditional Zhuang costume, black and blue were the colors mainly used for the Zhuang people and the material was mostly denim. Denim blends in well for the contemporary facilitation of the Zhuang costume, which is known for knitting technique, fur and hemp fabric as patchwork, and embroidery works. It is appropriate to express the joyful and happy mind of Zhuang people with extraordinary colors, exaggerated silhouettes, and various decorations. Images of nature, such as the sun, mountains, rivers, water, fish etc., expressed the nature worship of the Zhuang in contemporary design, representing the simple life and peaceful mind. This research develops a new fashion design and displays the possibility for diverse design development through new insight in contemporary fashion design.
This study aims to examine the background to the rise of Rei Kawakubo, a Japanese designer who achieved fame by suggesting the concept of deconstruction and recombination of clothes, and to look at environment of the time, the formative characteristics of her design and the Japanese aesthetic sense inherent in her design. As the method of research, collections that Kawakubo unveiled over the past 10 years starting in 2004 were examined, and a survey of the literature was conducted to describe the background of her growth and the Japanese aesthetic sense inherent in the design. According to the study, Kawakubo grew up in the ruins of a war, and went through a time of great tumult, when Western culture was mixing with Japan's traditional culture. She taught herself a method of creation involving the deconstruction of clothes, and their recombination. For this reason, her design from the beginning was inevitably focused on deconstructing clothes before they could be recombined. Through analyses of her collections, it was found that the formative characteristics of her design were characterized by asymmetry, incompleteness, humor and hybridity. Kawakubo created clothes under the influence of an ethnicity that was shrouded in individuality and a traditional aesthetic sense, and the formative characteristics of her design defined by asymmetry, incompleteness, humor and hybridity were closely related to the hybridity represented by Wabi (わび), Yugen (幽玄), Okashi (をかし) and Zakyo (雜居).
This study defines critical fashion designs and investigate its critical messages on fashion itself. The critical messages on fashion are categorized into two major issues of a fashion industry system and fashion consumer culture. This study contributes to the understanding of meaning and value for critical fashion messages that match critical art. As the research method, this study combines a literature review and case studies and the research scope focuses on cases that have appeared in fashion media since the 2000s when social critical messages in fashion began to emerge. The results of the study are as follows. Critical designers such as Viktor & Rolf, Elisa van Joolen, Issey Miyake, and Mary Ping have delivered messages challenging the nature of fashion industry system that criticize the cycle and limitation of a fashion system and pursues changes in perception of sustainability. The critical message on fashion consumer culture articulated by designers such as Alexander McQueen, Vivienne Westwood, Hussein Chalayan, and Ricarda Bigolin & Nella Themelios insist on the formation of community while delivering a critical message on social, political, and cultural problems that raise the mechanism of social awareness through fashion design.
The goal of the study was to research how the japanese fashion effects on the japanese fashion's current. This study was processed by the 'wabi', 'sabi', 'tsu', and 'iki' which were the foundation and core of the japanese traditional culture. This study also investigated the japanese style to help the recognizing of traditional design which needed for internationalization and informational periods. The review of related literature is presented under the following headings : (a) japanese culture, (b) japanese beauty, (c) japanese style, (d) japanese fashion designer. Conclusively, Japan complete unique design of world by on the basis of own tradition and beauty of japan which were revealed on the their common daily life. So To help there cognizing of traditional design which needed for internationalization and informational periods, fashion designer of the world must research the meaning of the trend and motive power of the world fashion, base on the cultural back ground of their country. And for this, the grounding educational curriculums for fashion designer include the process which can promote awareness of their country's culture, tradition, and beauty.
This study is for the development of fashion cultural products that simultaneously evolved with the contemporary use of traditional temple culture in addition, it analyzed the cultural products available in the Korean market. Methodology, this study conducted a literature review and empirical research. We targeted the cultural products carried at twelve web-based shopping malls for Buddhist cultural products and six souvenir shops in Korean Buddhist temples to collect data on those products in order to analyze the items, design motives, materials, and price ranges. The study results showed that interior items represented the largest portion of the targeted goods, followed by accessories/sundries, clothing/fashion items, stationery, and tableware. The most commonly used design motive was lotuses, followed by the images of Buddha or Buddhist Goddesses and Dharma. The most common materials include fibers, jewelry (such as gold and silver), wood, metals, ceramics, paper, and plastic. The most active price range was between KRW10,000 and KRW50,000, followed by less than KRW10,000 and KRW100,000 to less than KRW500,000. This study discovered the potential for traditional temple culture to advance it further in a contemporary manner and indicated the need to develop a wide variety of cultural products and emphasize its global acceptance.
The hot-wave of campaign for fashion brands has itself become a fashion trend now. In order to participate in this popular trend, every brand has launched a new campaign of developing T-shirts each season with a social issue as the design concept. Such a campaign plan is related to the brand's image-making. Each brand has its own slogan based on various themes related to social issues. Since the environment is the hottest social issue these days, most campaigns' T-shirts also focus on the image of environmental-friendliness. The purpose of this study is to elucidate environmentally-friendly fashion culture in daily life so that "environmental-friendliness" would be positively cognized by people in everyday life. For that, the design of these T-shirts following the environmental campaign will be developed and their utilization potential will be clarified. The detail contents of the study are as follow. First, the meaning of the environmental campaign and trends of environmental campaigns in Korea and overseas will be explored in order to identify their theoretical contents. Second, the environmental campaigns will be classified by case. Analysis of the expression and characteristic of each case will determine the utilization plan. Third, design directions will be suggested based on the characteristics produced from the case study. As the study conclusion, five environmental campaign T-shirts will be produced.
For the Gwangyang Ume Flower Festival, this study sought to develop competitive fashion culture goods design and to activate regional culture festival by reinterpreting ume flower image in accordance with current trends, manufacturing motive patterns, and applying them to neckties, scarves, and T-shirts. In terms of method, four basic motives were set that showed new figurative images of ume flowers using Adobe Illustrator 10. The repetitive units of each motive we combined with the ume flower motives and the geometrical patterns, such as quadrangle, triangle, and circle. The basic direction of design was set so that color and texture could have colorful, modern, and natural images using pastel tone and gradation. The set patterns were applied to the repetition, the repetition of the transformed patterns of 45 angle, and the strife patterns, making it possible to display various images in the fashion items such as neckties, scarves, handkerchiefs, or T-shirts. The development of such fashion culture goods seems to be more significant, since they can be easily accessed by general festival participants. Accordingly, the Gwangyang Ume Flower Festival seems to develop not into food-led festival, but into a cultural festival that can publicize more various programs and create profits.
International Journal of Advanced Culture Technology
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제12권1호
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pp.100-107
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2024
Addressing challenges posed by an aging society, this study explores inclusive design orientations for digital medical interfaces catering to the elderly. The aim is to enhance inclusiveness and optimize interactive experiences within the medical system for senior users. Employing inclusive design concepts, the study analyzes characteristics through literature, focusing on functional purpose, interactive behavior, and emotional expression in digital medical interface design for the elderly. User research methods, including in-depth interviews and field research, generate user personas and behavioral analysis diagrams, organizing and categorizing pain points for elderly patients with chronic diseases. The study proposes principles for improving service touchpoints based on inclusiveness, optimizing pain point types and design processes in age-friendly services. These enhancements aim to help the elderly adapt to and integrate into a digital lifestyle.Incorporating inclusive design principles enhances the inclusiveness of service design, improving the service experience for the elderly. Age-friendly service design with inclusiveness serves as a valuable entry point for research targeting elderly populations and provides practical strategies for age-friendly medical service process design.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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