The purpose of this thesis is to understand Henry Jame's theory of the novel and to clarify the importance of him as a theorist. He developed many literary techniques through his dozens of works. But it is more important that he is a theorist who established the unique theory of novel through his critical essays. I arranged Jame's early theories, focusing on "The Art of Fiction" that was one of his major essays written in 1884. His main idea was that the purpose of novel was to represent life. The "experience" that James emphasized was composed of characters, impression and consciousness. "Psychological Realism", which is Jame's unique realism, reflected his interests in the inner mind of man. James believed in the capacity of human imagination as the source of creative inspiration and its ability to perceive reality in a manner that is more intense and comprehensive and transform it into a more balanced and orderly ideality. Henry James always insisted on the importance of writer's imagination. Another important imagination in Henry Jame's novel is the character's imagination. It is closely related with the consciousness, the heart of the Jame's literary world. James devised the new form of novel as well as the possibility of representation of mind. At this point, it is said that James was the pioneer of literary criticism. He evoked the trend of the early 20th century.
When people visit other countries, the first place to go would be either a museum or an art gallery because it might be the most effective way that people could understand culture and history of the place in a short time. It can be alleged that a museum must be an important cultural space because people can experience their life, history and art there. According to these cultural importance, the purpose of this study is to suggest the environmental design of $\boxDr$Design Museum$\boxUl$ through the Transparency of the Cubism. The Transparency means a capability of transmitting light so that objects on the other side can be seen clearly. The Concept of the Transparency could be taken effects in architecture by overlapping facets or space. By understanding formative properties of the Cubism, which especially focused on Transparency, 1 would like to propose the environment as an art and the exhibition-environment as a way of communication. As it were, the study can be valued as a new approach on condition that formative feature is interpreted with modern terms and the ‘Digital technology’ is not used a tool of representation but a tool of thought in terms of design. Moreover, it has a great significance that formative language of the Cubism will be able to be applied to the environmental design through the experimental and creative design process.
Artist's creative works is accomplished in the very complicated network being in fluenced each other, getting celebrate from surround and center, and showing repetition and change. It took an important role of 1920's culture with new social and mental feature generated by revolution. It also has been influenced on an intellectual paradigm and artistic tendency. According to the feather the Art to Wear of Constructivism, at first, design as absolution of folk art in Russia prior to the concept is coming up to systematic design and useful article's performance. Courageous arrangement of color and rhythm is unique. The second is a tendency clothing design of productirism. It is connected with material culture and artists insisted creature of productive material that is a essential in life than Arts in museum. The third, tendency clothing design of minimalism emphasis functional aspect that is produced industrial aesthetics. The examples are simply designed and functional cloths for sorking uniform. This thesis is studied about clothing and textiles of major artists, formative property, and international reflection from October revolution in 1917 that is strengthen a system by introducing a new economic policy to a five year plan.
본 연구의 목적은 사진을 사실의 묘사와 재현에 국한하지 않고 상상력을 자유롭게 표현할 수 있는 미디어로서 새로운 가능성을 모색하고 일상의 경험을 창의적으로 표현하는 작업을 위한 기법의 구현에 있다. 포토몽타주 제작기법 연구를 위한 작품의 형성배경으로서 사진과 회화의 다원성 연구를 위한 픽토리얼리즘, 포토몽타주 기법을 탄생시킨 다다이즘에 대한 분석을 위한 문헌연구와 선행연구조사를 수행하였으며 새로운 시각적 표현 기법의 모색을 위한 작품제작을 병행하여 사진과 회화의 융합가능성을 고찰하였다. 연구 방법으로 기존의 포토몽타주 제작기법과의 차별성에 대하여 조사하고 Transfer Mode를 활용하는 이미지합성과 다중 레이어의 멀티이미지를 합성하는 포토몽타주 제작기법에 대하여 설명하고 영상을 구성하는 이미지 언어의 기능적인 측면에서 이미지를 활용하여 포토몽타주를 제작하였다.
This paper attempts to interpret the meaning of Mies van der Rohe's famous aphorism that "less is more" in terms of space. From his assertion that the art of building is the spatial execution of spiritual decisions, one can presume that his art of building was revealed through his spatial execution consciously guided by creative principles. One of his spatial principles was less is more a representative motto for the creation of sparsely furnished space with few objects and little perceptible architecture. After his awareness of an open plan, Mies intended to create less architecture by designing a minimal form of structural frames and maximum openness of open plans and glazed walls. This study posits that Mies created more potential space, for which he intended his open plans and neutral frames to be viewed as less. His building was designed to serve as the background of works of art and the changing nature outside so restrained its own existential voice in favor of the achievement of total harmony.
Modern art is getting more comprehensive and diversified regardless of genre in many forms due to the pluralism and anti-aesthetic trend of the time which is impacted by post modernism. This atmosphere is also applied to fashion illustration which creates synergy effect in cooperation with many different genres. This study selected Matisse' paper cut-out as the subject which would reflect the minimalism and ionism of modern plasticity. By taking this as the motive for fashion illustration, I made seven illustration works with the subject of minimalism of form and color. The conclusion of this study is as following. First, Matisse's paper cut out has controlled plasticity related to the modern ionism and it well fits the modern trend and sensibility which is appropriate for motive of fashion illustration. Second, by upgrading the technique of Matisse' paper cut-out in a modern way such as combination of hand drawing and computer graphic using Photoshop, I was able to make originative and creative illustration works with background and patterns that were closely connected with each other. Third, applying the fashion illustration to other various products is being well received now and I made my illustrations that could lead to follow up studies to apply the fashion illustration to other different products. Matisse' paper cut-our has forms, colors and patterns that can contain both commercial and artistic value. Therefore it is quite feasible for follow up research to apply into many different areas.
Since the 20th century, there has been a growing interest in the new concept of fractals, a combination of mathematics and art, and the attempt to study the creative spatial aspects of the concept is being made. The purpose of this research is to examine artistic characteristics of fractal dimension and then analyze the types of fractal dimensions expressed in the fashion. Previous literature on fractals and dimension, and visual data on art and fashion collected over the Internet were used for analysis. Fractal dimension refers to the spatial concept of structural dimension of geometrical self-similarity. An analysis of the types of fractals seen in fashion revealed spatial expansion, the repetition in continual figures, superposition accordant to different sizes, and shades of different shapes. The aesthetic characteristics of fractal dimension appearing in fashions were examined based on analyses of fractal dimension types; the inherent characteristics of self-similarity, superimposition, and atypicality were found. Results obtained from this study are expected to be used as basic materials for the application of the design of fractal dimension into various perspectives of fashion.
The term Japonism was coined in France where the predilection for Japanese art forms was immediately apparent, influencing Impressionism, Symbolism, Post-Impressionism, and later the Art Nouveau movement, all of which reflect aspects of Japanese art adapted to Western style. The 1968 May Revolution in Paris changed traditional thinking and shifted the center of fashion of the 1970's from haute couture to pret-a porter. At about the same time, having recovered from the destruction of war, Japan started to emerge as a leading economic force. The Japanese clothing designers, who were inspired by their own traditions, began to present their collections in the West. Hanae Mori's dresses with Japanese floral motifs were the first to appear. The West was captivated by the colorfully layered clothing of Kenzo Takada inspired by peasant and working class kimonos. And Issey Miyake was acclaimed for his innovative concepts of ‘one piece of cloth'. In the 1980s Rei Kawakubo and Yohji Yamamoto achieved recognition with their deconstructivist and minimalist approaches to fashion. The clothing proposed by these Japanese designers has transcended not only national and sexual boundaries, but also those of accepted materials in which to work. These designs suggest new possibilities and are unrestricted by preconceived ideas of kimono or of Western clothing. The emergence of Japanese designers as a powerful creative force in the late twentieth century has created a new dimension to the term Japonism in fashion. By integrating the clothing traditions of the West and Japan, while at the same time departing from them, a new international genre of clothing has been created.
As generations Y and Z gain influence, luxury fashion brands are interacting with younger digital consumers through fashion film, seeking to offer them a differentiated brand experience. Using a literature review addressing characteristics of fashion films as a communication medium and luxury fashion brands' heritage in the digital era, this study examines how brands express their heritage through fashion film, categorizing those expressions in terms of implicit meaning. The case study analyzed films from Louis Vuitton, Chanel, Dior, and Burberry uploaded to YouTube between 2018 and 2020. First, to retain their status as luxury, brands emphasize historical legitimacy. Specifically, they highlight their iconic historical image, their succession of creative directors, valuable historic locations, and diversity of consumer's brand experiences. Second, by stressing craftsmanship, integrating contemporary art and local culture, and utilizing a museum aura, they use brand heritage to acquire luxury status. Third, they attempt to mythify the founders by creating the persona of the fashion designer and the artist. The results show that the heritage depicted in fashion films is a key way in which luxury fashion brands resolve the tension between accessibility and exclusivity that they encounter and to get consumers emotionally engaged with brands.
본 연구의 목적은 김환기 작품 '우주'에 사용된 청색의 상징을 분석하고 고찰하여 추상미술을 깊고 풍부하게 감상하는 것에 있다. 연구 목적을 실현하기 위한 연구 문제는 다음과 같다. 첫째 김환기 작품 '우주'는 어떤 의미와 상징을 담고 있는가이며 둘째 우주를 품은 '청색'은 어떤 의미와 상징을 담고 있는가이다. 본 연구의 방법은 문헌연구를 통한 그림분석이다. 본 연구의 결과 김환기 작품 '우주'는 우주에 대한 내향적이며 수행적 표현으로 끊임없는 움직임, 순환, 반복을 보여주는 우주심을 담고 있었고 우주를 품은 '청색'의 주된 상징은 천상과 지하세계를 반복적으로 순환하는 푸른 소우주로서 작가의 환희와 절망을 한몸에 담고 하나의 전체를 향하는 내면을 담고 있었다.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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