• 복식
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• 제56권6호
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• pp.1-15
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• 2006

The purpose of this study is to present a new viewpoint in look by closely examining fashion and look through the past, present, and future. Specifically, the concept of time is studied and fashion is considered based upon the concept of time, finally, looks in fashion related to time are analysed. For this study, the literature of retro, modern, contemporary, futuristic looks that express the past, present, and future, and the classic look, the popularity of which transcends the concept of time was considered focusing on 20th century women's fashion. Design characteristics of these looks were analyzed utilizing photographs of collection images. The results of the study are as follows: first, although the retro look of different periods regularly rotate and appear, they change and develop in new and various ways depending on the Periodic background of the time they appear in, and thus show simultaneously the cyclical and straight nature of time. Second, the modern look includes not only the moaning of time concept of the present, but also of interpreting anew the formal significance of modernism in the present. In other words, because it cyclically repeats the times of past modern periods, the look can be said to focus on the cyclical nature of time. Third, the contemporary look is a style that expresses current time most exactly as it exists, and it can be said to be the look in which current time is most vividly expressed. Fourth, the time concept in futuristic look is a subjective time that selectively accommodates and expresses the objective time of the future which has not yet come, and that can be the look's most important point. Last, the classic look possesses an objective value that transcends the concept of time, and it keeps returning, showing the cyclical nature of time. The closer this study came to the present, it could be seen that a look communicated more complex meanings, Influenced by periodic phases such as diversification, individualization, and eclecticism, and that while it could not be defined as any one look, various elements were expressed eclectically by being mixed and matched with each other, and it could utilize more natural forms, colors, and materials.

• 헤리티지:역사와 과학
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• 제46권1호
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• pp.102-123
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• 2013

표암 강세황(1713~1791)은 그림이나 글씨 시 제발 인장뿐만 아니라 탁월한 서화감식과 비평으로 조선 후기 회화의 큰 흐름을 주도했던 대표적인 문인서화가이다. 그는 79세의 장수를 누리며 다양한 화목(畵目)의 작품을 제작했는데 특히 말년에 천착했던 문인화류의 사군자화는 조선 말기 묵란화 유행의 바탕을 마련했다는 점에서 주목할 필요가 있다. 또한 그는 조선시대 화가 중 처음으로 사군자화를 갖추어 그렸는데, 작품량이 많고 회화사적 연구 가치가 있는 '묵란화(墨蘭畵)'에 대해서는 적극적인 연구가 진행되고 있지 않다. 따라서 이 논문은 강세황의 묵란화에 대한 기록과 작품 연구를 통해 그의 묵란화 인식과 지향을 살피고자 시도되었다. 먼저 강세황의 묵란화 기록에는 사생(寫生)과 고화(古畵)의 연습, 화보(畵譜)의 임방을 고루 중시했던 그의 작화태도가 나타나 주목된다. 18세기 예림의 종장 강세황은 고인(古人)의 뜻과 정신이 집약된 고화의 임방(臨倣)을 중시했으며 그림을 '우의(寓意)'와 '재도(載道)' 등의 수단으로 인식했다. 즉 그의 지속적인 화보임방의 작화방식에서 수기적(修己的) 가치관과 회화관을 읽을 수 있다. 다음으로 그의 이런 회화관이 녹아 있는 묵란화는 양식적 분석을 통해 30~40대의 전반기와 절필기를 끝내고 군자화에 몰두했던 60대~79세인 후반기로 나누어 볼 수 있다. 그는 전반기에 "개자원화전"을 주로 학습하였고, 후반기에는 "십죽재서화보"나 "매죽난국사보" 등의 화보를 학화(學畵)하였다. 때문에 전체적으로 그의 묵란화는 전시기(全時期) 화보 의탁이 농후하다고 할 수 있다. 그럼에도 묵란화를 다작했던 70대는 화보의 의고와 임방을 주지하면서도, 그것을 능숙하게 소화해 고아하고 단아한 '표암난'을 완성하여 조선 후기 묵란화 발전에 일조하였다. 마지막으로 강세황의 묵란화풍과 관련 있는 당시(當時) 화가들에 대해 살펴보았다. 서화합벽첩을 만들며 서화로 교유했던 심사정이나 최북의 묵란화풍에서 강세황의 영향이 감지되어 앞서 언급한 문인들의 상찬과 아울러 18세기 조선 화단에서의 강세황 묵란화에 대한 위상을 짐작할 수 있다.

• 한국의류산업학회지
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• 제9권1호
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• pp.24-34
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• 2007

The shroud of the Chosun dynasty period originally meant the new start in the next world. Its basic principle was to wear the best clothes or wedding garments during one's life. The white hemp cloth-shroud worn during this time was formed after the 20th century. In the beginning it started simply by imitating the shroud of the common people. However recently many aspects of the trade have deteriorated by the commercialism of the shroud traders. So this study focuses on the way of keeping traditions and making the shroud desirable. First, the shroud was made of the best materials such as silk, hemp cloth, ramie cloth and cotton cloth in the past. A thought that the shroud material must be white hemp cloth is the result from misunderstanding of the traditional shroud of the Chosun dynasty period. We can produce beautiful shrouds using natural materials without losing dignity and at diverse prices. Second, the shroud was produced not only to keep the dignity of a dead person but also to avoid wasting the original cloth. Third, The shroud has pursued diversity in classifying the traditional style or the basic style. It is possible to select the shroud flexibly according to one's sense of values or the way the tomb was made. These days, the Korean full-dress attire and Wonsam (Korean woman's ceremonial clothes) are the standardized form of the ready-made shroud. The man's Korean full-dress attire on sale is sewn in the wrong way and its shape looks more like the Wonsam. I offer diverse shrouds of the Chosun dynasty period, for example, the official uniform, hemp cloth upper garment, men's black upper garment, Korean full-dress attire, Korean overcoat, Wonsam, the long hood worn by a Korean woman and a woman's long upper garment, so that we can see the Korean originality and beauty through the different types of shrouds. Also, I adjusted a number of items, undergarments and other articles according to the price. As mentioned before this study helps to portray a desirable understanding of the culture of the shroud. So I corrected many problems of the present shroud and propose a new type of shroud based on tradition. Furthermore, I recommend a way of making use of the Hanbok which the man wears during his life, at the wedding ceremony or a his 60th birthday without buying a new shroud.

• 복식문화연구
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• 제17권3호
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• pp.407-423
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• 2009

The purpose of this study is to analyze Bakst's stage costume illustrations for Ballets Russes. The Russian Ballets has renown in the West since the early 20th century. Diaghilev first made his name as the organizer of art exhibitions in Russia and Western Europe. Diaghilev risked presenting only ballets in 1909, that time Bakst designed $Sch{\acute{e}}h{\acute{e}}razade$, L'Oiseau de Feu and Le Carnival. $Sch{\acute{e}}h{\acute{e}}razade$ was something new which overwhelmed the French people by then. It was seen to be the achievement of Wagner's idea where all the elements; the music, the design, the choreography, and the dancing fused into a perfect whole. The entire production was a hitherto unseen harmony of colors, sounds and movements. For the 1911 season in Paris, Diaghilev planned to present six new ballets and Bakst designed four ballets. Bakst's design of the set and the costume greatly shocked the audience. His "Originality" shines on the fact that he introduced a palette of colors in theater for the first time in history. He used a magic of colors to suggest the secret meaning of what was happening on the stage. The results can be divided into three distinct characteristics. First, oriental designs such as $Cl{\acute{e}}op{\hat{a}}tre$, $Sch{\acute{e}}h{\acute{e}}razade$, L'Oiseau de Feu, La $P{\acute{e}}ri$ and Le Dieu Blue with Russian, Indian and Persian traditional design in headdress and accessories ars found. Second, Le Carnival and La Spectre de la Rose used romantic styles with oriental details. Third, Greek chiton and Himation are used in Narcisse, $H{\acute{e}}l{\grave{e}}ne$ de Sparte, $L'Apr{\grave{e}}s-Midi\;d^{\grave{\;}}un$ Faune and Daphnis et $Chlo{\acute{e}}$ inspirde with various colors and geometic patterns. Bakst's orient of lush colored costumes, head dress, cushions, rugs and hangings became the immediate fashion imitated by Parisian couture houses and interior decorators.

• 건축역사연구
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• 제17권4호
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• pp.43-64
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• 2008

Kyeongbokgung succeeded in regaining its status as a royal palace after the reconstruction that began in the second year of King Gojong(1865) only to have most of its buildings taken down in the early 20th century. Fortunately, however, there is the Pukkwoldohyong(Map of North Palace), which drew out each of the buildings of Kyeongbokgung and their arrangement in details in 1907 when the royal palace lost its original appearance. And there is another plot plan of the royal palace at the Korea University Museum, which labeled it Kyeongbokgung-Baechido(Planning Map of Kyeongbokgung Palace). The map presents almost the same plan as Pukkwoldohyong in terms of making and expressive methods, being estimated to have been made in 1888 since its building arrangement doesn't show the changes made after 1890. The map also offers more information about the uses of each building than Pukkwoldohyong and matches the excavation results of the relics. Kyeongbokgung-Jeondo(Map of Kyeongbokgung Palace), which is recorded to be made during the reconstruction of the palace in the early years of King Gojong in historical materials, describes the shapes and arrangements of the buildings in a concrete and realistic fashion. The Kyeongbokgung-Baechido seems to be one of the plans made in the process of restoring and repairing buildings that were lost or destroyed in fire. The Kyeongbokgung-Baschido has the following historic values; 1) it provides dues to estimate the early state of the palace after the reconstruction during the reign of King Gojong. In fact the Sujeongjeon and Heungbokjeon show the early state of the reconstruction; 2) it contains data with which to understand the changes to the palace after 1890, around which they added Hamhwadang and Jibokjae; and 3) it offers information about the uses of the palace's buildings from 1885 to 1880 with its descriptions of the building purposes and relationships regarding the life in the palace.

• 복식
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• 제55권2호
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• pp.1-17
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• 2005

The realistic plan to establish a silver market in the clothing industries has not taken concrete shape, although the interest in the establishment of a silver market targeting the aged as a new custom group Is gradually Increasing because the rapid development of science and medical technology in the 20th century has led to an extension of lift and improvement of living conditions. The specialized business which produces and sells the clothing for the elderly is of small number and most of the clothes for the elderly are manufactured and sold by the companies for women's clothing in which change the size or length of the original works rather than reflect the bodily features of the elderly. The findings indicated that domestic brands showed the coordinated concept of a suit of jacket and slacks or skirts while the clothes were formed with a variety of coordinations centering around single article in the U.S brands. But, there was no difference in the use of natural materials centering around cotton and silk etc. and in the use of embroidery, lace and decorative details between the two countries. The knit brands of knit suit style in Korea were formed with the items focused on pull over and cardigan twin set, while the U.S brands were mainly formed with the design of knit suit style. The domestic knit brands were mostly developed with complicated patterns and gorgeous colors, while most of the U.S. brands were presenting a single or two tone color suit style and evening one-piece dress with a simple and modern style. The sporty casual brands of sporty casual style in Korea had a variety of colors and patterns focused on function and comfort for diverse leisure activities and daily life, while the U.S brands were established to present a variety of styles with the items of single article because they had a separate brand for casual even though it was not a exclusive brand for the elderly This study has a meaning in the presentation of the design idea considering the bodily shape of the elderly compared to the ready-to-wear considering the size alone, by examining the characteristics of bodice according to the physical change of the elderly women, analyzing the design of madam brand and the style of the ready-to-wear, researching the general circumstances of the brand for the elderly women, and highlighting the necessity of the elderly clothing market.

• 한국융합학회논문지
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• 제8권4호
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• pp.273-278
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• 2017

현대의 아트메이크업은 미를 목적으로 하는 인간의 원초적 욕망이나 욕구의 논리적 사고에서 벗어나 개성화 차별화의 추세에 따라 폭넓게 전개되어지고 있으며 고객의 니즈(needs)에 맞게 다양하게 융합 접목되어지고 있다. 20세기 미술사조의 중심이 되는 입체주의는 아트메이크업을 표현하는데 있어 창의성을 기반으로 하는 좋은 소재가 된다. 이에 본 연구는 입체주의 표현기법을 아트메이크업에 융합시켜 아트마스크에 제시함으로써 새로운 디자인 발상과 표현영역을 창출해내는 데 있다. 연구방법은 선행연구와 인터넷 자료, 전문서적 등을 토대로 입체주의와 아트메이크업에 대한 고찰 후, 입체주의 표현기법을 크게 복수시점, 형태의 분할, 콜라주로 나누어 피카소의 작품을 모티브로 아트마스크에 융합 디자인한다. 이러한 연구 결과, 입체주의 표현기법이 아트메이크업에도 적용 가능하게 나타났으며 창의적인 아트메이크업 융합 디자인을 도출해내어 제시할 수 있었다. 향후 이에 따른 연구가 활발히 이루어지기를 기대해보며 본 연구가 아트메이크업 디자인 개발에 도움이 되길 바란다.

• 헤리티지:역사와 과학
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• 제42권3호
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• pp.154-175
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• 2009

현재 경복궁에 대한 연구는 건축사 문헌사 미술사를 중심으로 이루어지고 있는데, 이와 같은 연구는 현전(現傳)하는 건물과 기록에만 의존할 수밖에 없음으로 궁궐 전체를 연구하는 데는 한계가 있다. 그러나 현재까지도 양호한 상태로 잔존해 있는 경복궁 건물지 유구, 특히'적심(積心)'은 이러한 연구의 공백을 채워줄 수 있는 중요한 고고(考古)학 자료라 할 수 있겠다. 본고에서는 이러한 경복궁의 '적심'에 대하여 분석하여, 형태 규모 재료 축조방식에 따라 그 형식을 분류하고, 이것이 건물 기초로써 상부 건물과 어떤 관계를 가지는지 알아보기 위하여 궁궐 건물 유형별 사용된 적심을 검토하고, 시기별 변천양상을 살펴보았다. 그 결과, 경복궁 건물지 적심은 총 21가지 형식으로 구분되는데, 각 건물 유형에 따라 건물의 기초 즉 적심도 달리 축조되며, 시기별로도 적심의 축조방식 및 재료 등이 변화하여, 특정 시기에 유행하는 적심의 형식이 있음을 확인할 수 있었다. 경복궁 적심은 평면 형태에 따라 원형(I), 말각방형(II), 세장방형(III), 방형(IV), 통적심(V)으로 분류할 수 있으며, 다시 축조방식과 사용된 재료에 따라 21가지 형식으로 세분된다. 특히 조선전기 14~16세기에는 원형 잡석 적심(I-1), 말각방형 장대석(II-1), 말각방형 잡석+와전(II-2a) 세 가지 형식의 적심만 축조되다가, 조선후기 19세기에 들어 21가지 분류한 모든 적심이 다양하게 축조된다. 19세기 고종연간 내에서도 연대별로 각기 다른 형식의 적심을 사용하고 있는데, 특히 재료에서 두드러진 차이점이 확인된다. 경복궁을 재건한 고종 2년(1865)~고종 5년(1868)에 축조된 적심 10가지 형식 중 무려 7가지가 와전편을 섞어 넣은 형식인 반면, 고종 10년(1873)과 고종 13년(1876) 혹은 고종 25년(1888)에는 축조된 5가지 형식 중 3가지가 강회를 섞어 넣은 사질토를 사용한 형식으로 대조를 이룬다. 궁궐 건물은 '주인의 신분과 용도'에 따라 건물의 서열이 정해지고, 건물의 이름 뒤에 가장 중요하고 격이 높은 순서대로 전(殿), 당(堂), 합(閤), 각(閣), 재(齋), 헌(軒), 누(樓), 정(亭) 등의 명칭이 붙어 그 유형이 구분되며, 그 격에 맞추어 건축물이 축조된다. 이 건물 유형별 사용된 적심을 검토한 결과, 건물의 유형(전(殿), 당(堂), 합(閤), 각(閣), 재(齋), 헌(軒), 누(樓), 정(亭))에 따라 그 기초, 즉 적심도 달리 축조되는 것을 확인할 수 있었다. 현 자료의 한계 상'전', '당', '각', '방'등 일부 건물 유형만 확인되었는데, '전'과 '각'의 경우 장대석으로 축조한 방형 적심(IV)이, '당'과 '방'의 경우 기와와 잡석을 사용하여 축조한 말각방형 적심(II)이 많이 사용되었으며, 기타 건물명을 알 수 없는 경우는 대부분 조선전기 선대(先代) 건물지의 적심임으로, 조선전기에 원형 잡석 적심(I-1)이 많이 축조된 것을 알 수 있었다. 이를 통해 주인의 신분이 높고 격이 높은 건물일수록 건축물도 격이 높듯이, 그 기초부, 즉 적심 또한 가장 견고하고 좋은 재료를 사용하여 축조한 것으로 추정해 볼 수 있다. 또한 '당'과 '방'은 같은 말각방형 적심이 사용되었지만, '당'은 잡석과 와전편을 주재료로 사용한 II-2a(잡석+와전편 말각방형 적심)형식이, '방'은 II-2a형식의 상면에 15~20cm 가량 와전편을 깐 II-2b(와전편+(잡석+와전편 말각방형적심)) 형식이 많아 차이가 있었다. 이러한 건물 유형별 적심은 시기별로 축조되는 형식에 변화가 있는 것으로 확인되었다. '전'과 '각'의 경우 모두 14~15세기 조선전기에는 I-1형식(원형 잡석)의 적심을 축조하다가, 19세기 조선후기에는 다양한 형식의 적심이 축조되는데, 그 중에서도 특히 방형 적심(IV)이 많이 축조되었음을 알 수 있었다. '당'의 경우 조선후기의 변천양상만을 확인할 수 있었는데, 고종 4년(1867) 축조된 적심은 잡석과 와전편을 섞어 넣은 형식의 적심이 많이 축조되고, 이후 고종 13년(1876) 혹은 고종 25년(1888)에는 다른 건물 유형에서 확인되지 않는 강회사질토 및 탄축 적심이라는 독자적인 형식이 사용되었다. 본 연구를 통해 조선전기에 비해 후기에 적심의 다양한 축조방식과 재료가 개발되었음을 알 수 있었으며, 이는 당시 궁궐건물 기초 축조 기술 수준의 변화가 있었음을 대변해 준다. 또한 건물 유형별로 사용되는 적심의 형식이 다른 것이 확인되어, 건물의 기초를 축조할 때 미리 계산된 건축 공법을 적용하였음을 알 수 있었다.