한국의 음악을 처음 국악이라고 쓰게 된 것은 1907년부터이다. 이는 국악이 나라의 음악이라는 뜻으로 1907년 조선조 고종 말경에 관직제도를 개혁하면서 궁중아악의 책임 관리자를 "국악사장"이라는 직제를 두면서부터 우리나라의 정통음악을 국악이라고 표기하게 되었다. 원래 우리의 전통음악은 궁중과 사대부를 중심으로 행하여 졌던 정악과 일반서민의 음악이었던 속악으로 나누어졌으며 기타 특수한 종교음악이나 현대에 와서 작곡.된 신국악곡들도 국악의 범주에 속했다. 이러한 국악에서는 가곡, 가사, 시조, 판소리, 민요, 범패(불교음악) 등이 있었는데 여기에서 한국 현대 작곡가에 의해 우리말로 된 작곡이라 하더라도 서양식 작곡법에 따라 작곡된 오페라나 가곡 같은 음악은 전통음악인 국악에 포함시키지 않았기 때문에 오늘날 우리의 음악인 국악과 양악이 구분되고 있다. (중략)
Since the pre-existing music itself used in has no direct relation to the film, it raises the question of whether it was properly utilized as film music. The purpose of this paper is to clarify that 's 20th century modern music effectively fulfills the role of film music through iconicity with images. This study approached the similarity between the character of fear and the form of music through Hanslick's formal aesthetics to discuss the use of 20th century modern music in the horror film. The formal characteristics of music are observed in the movement of notes, which are similar to the fearful state of mind mentioned by Heidegger. In the analysis, the stagnant movement and the continuity of notes, the special playing method of the musical instrument, the unspecified trembling of the clustered notes, the melody of the weak intensity in the high-pitched range, the smash of percussions, and the progression of the notes that deviate from the center confirms the aptitude of 20th century modern music in the horror film. The fact that this study did not simply rely on the emotions represented in the 20th century modern music, but thoroughly caught the movements of the notes, has great significance in the research of film .
In this era of globalization, people's knowledge and cultural aesthetics are strongly influenced by the cultures of different countries, and diversified art forms have broken the traditional art framework, so how to stick to the essence of the country's traditional culture and make it inherited has became an important issue that cannot be ignored in the development of music today. Tan Dun, as one of the representative figures of Chinese contemporary music, has brought important inspirations to the development of Chinese music. With bold and free conceptions, innovative personality, unique Chinese tradition and international perspective. With a spirit of breaking down the barriers between tradition and modernity, East and West, and a concept of integrating multiple cultures into one, he has become a unique figure in the world of music. As researchers in composition, not only do we take on the responsibility of passing on Chinese culture, but we also need to explore the future development direction of Chinese music. Therefore, this paper takes Tan Dun's four traditional musical elements of organic music, Buddhist culture, witchcraft beliefs, folk songs and opera in his works and examines how Tan Dun perfectly blends traditional Chinese music culture with contemporary music language. And explore how the domestic traditional culture co-exists with modernity in today's diverse world.
British acoustics in the nineteenth century is important as a foundation for modern acoustics in the history of acoustics. The Purpose and objective of acoustics was different from those in modern age. and musical motivation was distinguished among them. This study intends to clarify various aspects of interaction between music and acoustics in nineteenth-century Britain by examining related materials in both published and unpublished forms. Then music Provided acoustics with instruments, subjects, and personnel, and acoustics did much as musical science in helping to improve and develop musical scales and enhancing the exactness of measurement of absolute pitches. Music played an essential role in developing acoustics to a modern discipline in Europe, especially in Britain. all through the nineteenth century.
2차 세계대전 이후 현대음악은 기존의 12음 기법을 유지하면서 이전과는 다른 음소재(音素材)나 작법(作法)이 출현하게 되었다. 이중 온음 이내의 좁은 음정간격에서 다수의 음이 나는 톤 클러스터(Tone Cluster)는 현대음악에서 작곡기법으로 사용되고 있다. 이러한 클러스터 보이싱은 재즈음악과 대중음악에서도 종종 사용되고 있으며 본 연구를 통해 다양한 클러스터 보이싱을 만들어 보고 적용시켜 보았다.
재즈의 역사가 이제 100년이 조금 넘은 상태에서 많은 재즈 뮤지션 중 Miles Davis라는 한 인물이 걸어 왔던 음악적 발자취를 재확인하며 Cool Jazz와 Free Jazz등 현대 음악에 많은 영향을 미치고 있는 당시 흐름과 그 안에서 Miles Davis의 위치를 재검토한 결과 기존의 일반적인 사실과 다른 해석이 가능함을 발견하고 그의 음악적 위치를 재즈의 큰 흐름 안에서 재조정하게 되었다. 당시 음악으로서는 획기적일 수밖에 없을 '모드 방식'의 접근과 재즈음악에서 전환점이 있을 때마다 그 중심축으로서의 Miles Davis를 발견하게 되는데 사실상 현대 재즈에까지 연결되는 그의 음악적 성과는 엄청나다고 할 수 있다. 이 연구를 토대로 재즈 역사상 가장 영향력을 가지고 있는 Miles Davis를 다시 돌아 볼 수 있는 기반을 제시 하고자 한다.
본 논문에서는 19세기 이후 클래식음악에 영향을 미친 재즈음악과, 클래식음악이 어떤 방식으로 재즈라는 음악을 음악적 표현 도구로 사용했는지를 살펴보았다. 재즈는 현대 클래식음악에 즉흥성, 창의성, 독창성 등의 다양한 측면에서 영향을 주었다는 점이 두 음악 장르의 상호 영향을 살피는데 중요한 점이라고 할 수 있다.
During the China's long history, many ethnic groups have developed their own traditions of local music which is an important part of their precious cultures. Meanwhile, each ethnic group developed its own worldview and music culture according to its unique living environment, special lifestyle and mode of production. The clarinet is a Western instrument, and has been influenced to some extent by Chinese minority culture while being introduced to China. Therefore, musicians tried to find ways of using Western musical instruments to express various elements of Chinese minority music. Focusing on two clarinet works 'The Song of Grazing Horses' by Wang Yan and 'The Sound of Pamir Clarinet Concerto' by Hu Bijing, this paper aims to analyze the musical characteristics of minority groups expressed by the clarinet in two aspects: the formation of the music style, the artistic characteristics conveyed through the works. Specifically, it consists of five parts: ethnic mode and tonality, rhythm, time signature, melody making, and imitation of animals. It also analyzes the cultural characteristics of Tajik and Mongolian music reflected in the two works in combination with living environment, mode of production, life style, and ethnic emotions. This study aims to provide a theoretical basis for composers and performers who want to understand and acquire the musical style of modern Chinese clarinet works. It also helps to find a better way to play traditional Chinese music with Western instruments.
This article defines sijo's musicality in two ways and verifies how musicality is shown in modern sijo with some examples. First, the first metre of a song's fourth part, that is, the sijo's jongjang, should include a reverse of its poetic image. A song consists of five parts. Each part is sung as a part of the song, that is, the sijo's dimetre, trimetre, or tetrametre, but its fourth part is sung as the monometre which is the first metre of its jongjang. This is because the first metre of a sijo's jongjang forms the axis of the reverse in its poetic image, and when this works properly, it can maintain musicality as a sijo. Second, a sijo's tetrametre and sijo-chang's gak should correspond as the same value along with the completion of its meaning. If a sijo does not keep the metre, each part's completion of meaning and also the sijo-chang's gak become problematic, so it is impossible to perform sijo-chang. Only when each part's completion of meaning and the gak of the metre correspond to each other as the same value, the sijo can maintain its musicality. Next, the study verifies how musicality is shown in modern sijo. This was examined through the examples of gyeol-metre and yangjang-sijo in dan-sijo that cannot form any tongsa madi, arrangement of syllable units beyond metres, or the examples of loose reverse of meaning in a transitional phrase. The two kinds of musicality presented by this author have already been proved with old sijo. However, modern sijo has been created mainly centering around its image, so such musicality has been ignored and sijo's identity has been damaged seriously. In sijo, musicality gives life. If modern sijo is created mainly around its image, it can never be called as sijo unless it has musicality. Although modern sijo is not performed as music, it should be equipped with the form to be performed as a chang. This is how sijo can maintain its musicality. It is thought that now is the time to recognize modern sijo as the matter of communication between sijo-chang and sijo literature, not just as the combination of sijo-chang and sijo literature.
Serial Music, introduced by A. Sch nberg, is a one of the important composition techniques. This music style has features of pantonality and atonality, so it generates unique atmosphere of modern music. In this paper, we introduce an method of generating serial music using mathematical algorithm. This method generates music that satisfy the requirement that the number of pitches belonged to each pitch class are exactly same, though the requirement is less strict than Sch nberg's definition. To do this, our method uses space-filling curves traversing the twelve tone matrix, which is constructed by the serial series, its inversion and its transpose. Using these curves, we can generate a music that has all notes in the matrix exactly once and adequate repeatness because of the curve's locality. Result music, therefore, can be more suitable for people that are not familiar with modern music, while maintaining the features of pantonality and atonality. This paper also introduces a method of generating extended serial music that uses serialism of duration and dynamic of notes, using multi-dimensional space-filling curves.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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