Journal of the Korean Institute of Landscape Architecture
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v.42
no.2
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pp.1-9
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2014
This study is the renovation plan for BIFF(Busan International Film Festival) street themed movies, which is an internationally known film festival. The aim of this is the regional economic vitalization. The first step of the plan sets up position through the case study of the Theme Street. The theme for each road space is related with movies and realizes the unificative images for each road. Images between the Busan Cinema Center and BUSAN MARINA are introduction of the road and the subject of this road is greeting with movies. The history of movies are printed on the pavement, some sections are made with red blocks for recollecting the red carpet. The next section from the BUSAN MARINA to MARINE CITY is set up being close with movies. In this section, sculptures of filmmaking and theme benches are installed for indirect experiences. The theme from MARINE CITY to DONGBAEK ISLANDS is playing and enjoying with movies. It is made more fun with the installation of super graphic and trick art. The theme from DONGBAEK ISLANDS to HAEUNDAE is farewell with movies. It is expressed by music on pavement and musical fountain. The last section in the theme road from HAEUNDAE to MOONTAN ROAD shows the concept memories after farewell. It is a half way to Moonten Road. The Milky Way pavement and Milky Way square are made by installing the optical fibers.
Space design in the 21st century has been developed in connection with media more various than ever. In the age of image represented by popular culture, space design connected with media is based on post-reason thoughts constituting the post-modern society, and reflects polysemously and pluralistically changes in the society through the identification of art with life. The movie, which is an image perceived particularly sensibly and the most impractical simulated image among various illusionary media images composing the contemporary society, is growing rapidly in interrelation with various fields of art based on its peculiar nature, and its influence is getting more extensive. The movie manipulates mass society to create what does not exist and restore lost images into new realities through the reproduction of extremely realistic senses, and uses them in establishing virtual realities and creating illusionary images representing the age of simularc. The illusionary expression of the movie produces new meanings through disintegrating existing meanings and recombining them, and expresses popular culture from a position closest to our everyday life. Such an analytical attitude toward the illusionary movie reflecting our society can be a new approach to space design. The present study attempts to suggest the possibility of applying such an illusionary characteristic of the movie as a methodology of space design by utilizing the characteristic as a conceptual language of space design.
The characters' voices in the movie, Rashomon mean the absence of memories created by self-consciousness in order to avoid the crisis. The varying statements of the characters and the three spaces: the space of Nakanimon (th e ruins), the representation space as polyphony (the forest), the egoistic space of truth (the guardian), show the social ills of doubtfulness and mistrust among the Japanese at that time due to the defeat from the war. This matches with the polyphony theory of Mr. Bakhtin, a Russian cultural critic. The key concept of polyphony theory is that the voices that do not accord each other are not harmonized but each voice builds their own world and participates in the novel without being influenced by the creator. This study's aim is to discuss two aspects; Bakhtin's polypony theory allows polyphony film s to function as cinematic composition and spatial characteristics of polyphony films in the movie, Rashomon.
The discussion was started from the question about how literary linguistic expressions are reproduced in the movies. This study focuses on the cinematized version of Jelinek's "Die Klavierspielerin", the by Michael Haneke. and looking for cinematization of literary works and these aesthetic values. The original delicately describes the life of Erika who has been living under the supervision and control by her mother. The topic of the is the conflict between the controlling mother and the desires of the heroin Erika who has been living under the suppression. The world of suppression symbolized by her mother is described as closed and dark space while the world of Erika and her desires, represented by Walter is described as open and bright space. The life of Erika living under control symbolized by prison-like double doors, iron-barred window, darkness and shadow is abnormally distorted. Even the piano that must be the center of her life as a pianist is also one of the symbols of dark world of suppression.
With the development of digital technology, a cinematic content has been changed into various forms. Web and mobile platforms bring new forms of cinematic contents. However despite of fast growing of VR(Virtual Reality) technology, they haven't applied to cinematic contents yet. This research focused on the esthetical use of rotoscoping technique for the Virtual Reality Cinema based on the (HMD) Head Mounted Display. First, we look though on VR films 'Notes on Blindness' and 'Pearl' to find how these films express esthetical virtual space. Through this, we found out graphical space provide new esthetical experience to viewers in virtual space. Also, we analyze fantastical usages and successful cases of rotoscoping technique with the 'Waking Life' and 'Scanner Darkly' that utilize rotoscoping technique to live action image. Lastly, we utilize rotoscoping technique esthetically to the VR film 'Girl on a swing' to fulfill the viewers experience and desire.
This paper aims to examine to the political unconsciousness of social movies that have caused social repercussions in the 2010s, and to study the social imagination of Korean films at that time. Korean Movies such as (2013), <1987>(2017) and (2017) reflect the ethos of civil society based on common sense and justice. The epic structure was the same as that of ordinary citizens, who move toward a public space (court, square) after awakening their political correctness. More than anything else, the fact that such films were based on "a historical fact" could have been a strategy to avoid censorship in the era of the blacklist. In these social films, courts and squares have become places for democracy. The conservative government of the time was tired of anti-government resistance and the politics of the square. Thus, films from directors and producers blacklisted were difficult to produce. That's why the court in the movie during this period could become a symbolic proxy for the "legitimate" reenactment of the politics of the square, which was subject to censorship and avoidance by the regime of the time. Meanwhile, the square has gradually become the main venue for political films that advocate "historic true stories." The square of the 1980s, which appeared in the movies, will be connected to the Gwanghwamun candlelight square that audiences experienced in 2017. Furthermore, it was able to reach the concept of an abstract square as an "open space for democracy." At the foundation of these works is a psychological framework that equates the trauma of the failed democratic movement of the 1980s to the trauma of the failed progressive movement of the 2010s. Through this study, we were able to see that social political films in the 2010s were quite successful, emphasizing "political correctness" and constitutional common sense. But they also had limitations as "de-political popular films" that failed to show imagination beyond the censorship of the blacklist era.
The purpose of this study is to reassert the important role of sound design in creating narrative space in films. The main focus is on re-interpreting Chion's sound space composition as a narrative structure. The sound design process has been analyzed to find that the physical properties of sound are purposely manipulated to create the layers of sound to be perceived by the audience in the same way as human perception and cognition of the actual reality work, eventually to create the cinematic reality. The hierarchy of the layers is determined by the importance of the narrative information contained in each sound, with the higher layers being appropriate to convey the information of the narrative, and the lower layers being efficient to deliver the emotion to the audience. With this idea, each of the Chion's space composition is explained as a distinctive area in telling a story with the separate narrative role from the others.
This paper examines what is the content of Gusan's urban identity, represented by the film and how the contents and aspects of this city's identity interact with the structure of the films' discourse. weaves Gunsan and Seoul into continuously reorganized cities based on an interactive relation, rather than literal ones. Seoul in which the time for a film narrative is closed is converted into the starting point for tour to Gunsan. The both points in which audiences' ex post return occurs are the starting point for the time for the film discourse and the other point in which the title is suggested. The journey-type of the narrative structure in this film is a3-dimensional spiral-shaped, rather than a 2-dimensional circular regression. embodies the characteristics and the identity and apriority of two cities, based on such a spiral-shaped temporal and spatial structure. Seoul severs the relation between grand narrative/collective memory and small narrative/individual memory as an agnostic one, in other words, it is a city that cuts off cities, relations and memory and rejects the continuity of memory. On the other hand, Gunsan is a city in which both grand and small narrative and collective and individual memory coexist and both split and isolated mind are cured and mutually consoled. It describes Gunsan as the surplus space as a being for others, while expressing its identity as robust and literal thing. The film describes it as the field in which oppositional concepts such as historical interruption and continuity and spatial being for others and originality become 3-dimensional spiral ones, through the reciprocity between the narrative and the discourse structure. This paper has an implication, in that it examines how temporal and spatial relationship constituting the urban identity interacts with the structure of the film narrative.
This article aimed at change patterns of representations of male character and cinematic space in 2000s korean division films. The concept of division film is the unique particularity film in the narrative and representation about Korean division. The Gancheop is the special character of korean films and have been reproduced in a variety of ways. In the past, Korean films have been dealt with Korean Civil War and 'special nature' of inter-korean ties. But in the 2000s, the representation of Gancheop in films has begun to change and filmed in a variety of genres such like comedy, thriller, romance and so on. , , are consistent with close relationship of male characters. The relationship is represented as friend, brother, partner. The meaning of these changes symbolizes our concept of national unification.
Dir. Kim, Giduk's first work is (1996) which was created a new character and episode which disregard the main trand movie. His emotion in his film is over the reallife and common sense. His emotion is attached to the primitive feeling. He is called the tererist of Korean film culture. This thesis studys on the allegory of kim, Giduk's film world by Kim, Sunam's 'Korean auterism' which discusses dir.'s film work on the base of the background of filmmaker and his view of life. And also to represent film image he used space, water, color, repeated same meaning oposition by the usual image of rhetoric.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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