The paper is to assess the recent changes in Architectural Artworks system in two regional districts, Seoul and Gyeonggi Province, and to propose policies for further improvement. We focused on four aspects: overall pass rate, top-ranked artists' pass rate, proportion of artists ever passed, genre proportion artworks. It is observed that quality of artworks has improved, market monopolization has been eased, and entry to the market has become more active. However, sculptures accounted for the majority. Public art is gradually changing from 'decorative art' to 'site-specific art', and seeking harmony between architecture and surrounding landscape. To keep pace with this new trend, more institutional efforts should be made: fund raising to induce artwork supplies; introducing life-span concept to secure removal and deformation of artwork; imposing artists' follow-up services; imposing penalties against poor management; and authorizing the committee to choose exhibition sites.
After the coronavirus pandemic, quarantine or social distancing was required for public health and almost all international exchanges were restricted. Those changes affected huge peoples lifestyle including a way of behaving, purchase and even old habits seemed unable to change. The art market also faced many changes. Art fairs are the primary sectors in the art market but restrictions on gathering and exchanges between countries have primarily affected the size and the type of event. Online platforms are rising, art fairs opened online viewing rooms on the internet instead of booths in the convention center. Even galleries opened their own viewing rooms or renewed online pages to promote artworks and communicate with customers. In this paper, we will examine the effects of Corona on the art market and will seek a way to react to those changes and challenges.
Museums are producing new value and being redefined as places that reproduce context, as the process of globalization are being reflected in museum activities. The new additional functions and roles to the traditional mission of museums allow artworks to find potential functions of art archive and meseum. At the same time, the public has faced originality and aura of an artwork by viewing the physical subject. However, with the appearance of a new digital object, the initiative of viewing has moved over from the artwork to the hands of the public. Now, the public does not go to the museum to see an artwork, but has started to adopt to an opposite paradigm of bringing the artwork forward to the screen. Therefore, they are not satisfied any longer with just seeing an artwork, but demand more information about the artworks and reproduce it as knowledge. Therefore, this study aimed to find types and characteristics through definition and range selection of art archive at this point where the value of art archive is enhanced and systematic management is required, and to present record management methods according to art archive structure and core execution function. It especially stressed that the basis of overall art archive definition was in an 'approach' paradigm rather than a 'preservation' paradigm, and embodied various application methods of digitalized art records. The digital object of an artwork was recognized as the first materialization of an actual artwork, and the digital original of an artwork was presented as the core record. Art archive managed under physical and intellectual control were organically restructured focusing on digital original copies of artworks, which are the core record in a digital technology environment, and could be provided to users in forms of various services that meet their demands. The beginning of systematic management of such art records will become a first step to enhance historical value, establish art cultural identity, and truly possess art culture.
The Journal of the Convergence on Culture Technology
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v.8
no.1
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pp.261-269
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2022
The advent of the pandemic era due to COVID-19 is causing new changes in all areas of individuals, organizations, society and the country. The art market also faced a crisis due to restrictions on individual movement between regions and countries and social distancing, and even the contents of the work, the way the work is traded, and the propensity and characteristics of the buyer are changing. These demands for change in the art market are accelerating new opportunities for change by converting digital, expanding the online art market, expanding virtual space using VR(Virtual Reality) and AR(Augmented Reality) technology, and expanding the trading area of digital works NFT based on blockchain technology. In this study, the flow of change in the art market brought about by the Pandemic era is analyzed from the perspective of digital transformation. The contents of digital acceptance of the art market are identified through a summary of various types of digital transformation in the art market and a survey of perceptions following the introduction of digital transformation and NFT. Discuss major legal, economic, social, and transactional issues and countermeasures following the introduction of NFT based on blockchain technology in the art market.
Journal of Korea Entertainment Industry Association
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v.14
no.3
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pp.201-210
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2020
The aim of this thesis is to investigate exhibition spaces which are being expanded and transformed concurrently with social phenomena that are also the result of rapid changes, all of which are reflective of a modern society in transition. Such investigation would also include an analysis of changes in the viewing public and artworks themselves, and also an assessment of the public nature of art and its effective aspects. Expansion of exhibition spaces and the increasing connection between art and the public have very important ramifications, in many respects. They present opportunities for the viewing public to immerse themselves in artistic spaces, with some reaching further into other activities - activities that they often share with other individuals. This also leads them to expand their range of activities, turning them into more mobile, proactive audiences. In connection, many corporations have turned their attention to this public aspect of art, which has resulted in a display of art in different types of spaces. The government also began to adopt 'public art' as a matter of policy, using it as a medium of communication between the state and its populace. The public aspect of art, being highlighted as a result of expansion and diversification of exhibition spaces, will have a significant impact not only on the viewing public, but also on the art market. This represents a momentous change for creators of art, which naturally warrants close scrutiny and research.
In the multimedia era and contemporary art, the expression of narrative is expanding in various ways based on formal theory. And the expression form is maximized according to the use of each medium. In terms of understanding artworks, an approach that combines various expressions and media using these narratives is also possible. Therefore, this study analyzed the works of the artists by selecting three artists, Sadic Guissi Alfrazi, Lindsay Sears, and Kara Walker, who fused the media using narrative structures. Through this, it was intended to present the artistic value and significance of the work and the possibility of expanding the narrative expression of contemporary art in the future. As a result of the analysis of previous artists' works, it was shown that the phase of convergence can be derived by using the medium of narrative concepts beyond the dichotomy of content and form, confirming that digital technology and media development are changing the form of art. In addition, it was confirmed that the use of narrative structure facilitates media conversion. It is expected that discussions on the new paradigm of contemporary art will progress in the future.
The emergence of post-human beings in the 4th Industrial Revolution era led to an epistemological shift in the need for reflection on new relationships with non-human beings, away from human-centered modern humanism. For this reflection, post-human sensibility to empathize and understand the surrounding world is required. In order to cultivate this sensibility, we analyzed the case of art works that can think about and experience the post-human era based on the criteria of 'animal-becoming', 'earth-becoming', and 'machine-being' presented by post-humanist researcher Bridotti. Since the work of art reflects the spirit of the era, we confirmed the positive aspect of the text that can reflect and experience the post-human era. This study is meaningful as a basic study by presenting art works that can be used in art education to improve post-human sensitivity.
Shin, Jeong Ah;Han, Ye Bin;Cha, Sun Min;Kim, Young Mok;Kwon, Hee Hong
Journal of Conservation Science
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v.37
no.5
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pp.464-476
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2021
Various materials, depending on the personality of the artist, are required for contemporary art. Thus, it is necessary to decipher the expressive intentions of the artist and characteristics of the materials required for the conservation of such art. The purpose of this study is to analyze the causes underlying the deterioration of sculptures made from soap and to determine the ideal hygrothermal environment required to stably exhibit and store these artworks. Furthermore, we aim to maintain the long-term structures of the artworks in accordance with the changing expressions and intentions of the artist. Our analysis confirmed that the extracts of the soap sculptures were composed of glycerin and that the sculptures were sensitive to humidity. Moreover, we determined that a relative humidity (RH.) of approximately 60~65% made for an appropriate hygrothermal environment required to preserve the sculptures. We also preserved each work in various ways by applying appropriate preservation treatment, and found that the optimum preservation environment for soap sculptures was a temperature of 20±2℃ and a RH. of 60±5%.
In the 21st century, the phenomenon of interaction in between fine art and design has become more increasingly prevalent. In this paper, the author has analyzed the major works of Spanish artist Eva $Armis{\dot{e}}n$ on a cultural criticism perspective, and has proposed a framework for a deeper understating of the artworks, which reflected the characteristics of contemporary art and culture such as deterritorialization of art and design. As a result, it has been found that the main theme of her artworks is about preferred attitude of a human being in relationship with others, unlike daily lives or innocence of childhood which are well-known subjects to the public. Her main female character could have been formed by blending all of her aesthetic reason, and characteristics of this era and cultural elements. It means that the area where the public enjoys the sense of beauty have been extending from the area of the beautiful to the beauty of universality. It has been found that deterriorialization phenomena, which is a characteristic of post-modern art and design work to dismantle an existing order, the repression, appeared in her work. However, several research areas of her works such as relationship between text and image or formative elements or aphorism etc. still have remained to be solved.
The studies related to the price of artworks have focused on how factors that are determined on production level, such as artists and the artwork materials of the studies, affect the artwork prices. As 'Dansekhwa' is in the spotlight within local Korean art auction matket, this study would like to analyze the trend of the price changes of 'Dansekhwa' with its growing popularity among the public. We have estimated the price changes based on 4,199 auction data of 20 artists with top 20 auction prices selected by the Korean Art Price Appraisal Association, between 2005 and 2016. Also, in order to compare and analyze the price changes of the 'Dansekhwa' products, we have classified the 20 artists into groups of Dansekhwa and non-Dansekhwa. Starting from 2013, when Dansekhwa has first appeared, we applied the Difference in the Difference model(DiD) to estimate the result. As a result, the difference between two groups showed 71% of price difference due to the increase in popularity of Dansekhwa. This result proves that recognition level has an important role for increase in price of an artwork. Moreover, the fact that the formalized style of Dansekhwa has linked to the appreciation of the price means that production of information could play an essential role in growth of art market. As recognition level of Korean artists and their artworks is considerably low within the local art market, putting in the effort to increase the popularity of artworks among the public might be a helpful way to magnify the potential demand.
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[게시일 2004년 10월 1일]
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